Italiensk renässansmålning -Italian Renaissance painting

Italiensk renässansmålning är målningen från perioden som började i slutet av 1200-talet och blomstrade från början av 1400-talet till slutet av 1500-talet, som förekommer på den italienska halvön , som vid den tiden var uppdelad i många politiska stater, några oberoende men andra kontrollerade av externa befogenheter. Målarna från renässansens Italien, även om de ofta var knutna till särskilda domstolar och lojaliteter till särskilda städer, vandrade ändå längs och vid bredden av Italien, ofta ockuperade de en diplomatisk status och spred konstnärliga och filosofiska idéer.

Staden Florens i Toscana är känd som födelseplatsen för renässansen , och i synnerhet renässansmålningen, även om Rom och Venedig senare under eran fick ökande betydelse i måleriet. En detaljerad bakgrund ges i de kompletterande artiklarna Renaissance art och Renaissance architecture .

Italiensk renässansmålning delas oftast in i fyra perioder: proto-renässansen (1300–1425), den tidiga renässansen (1425–1495), högrenässansen (1495–1520) och mannerism (1520–1600). Datumen för dessa perioder representerar den övergripande trenden inom italiensk måleri och täcker inte alla målare eftersom enskilda konstnärers liv och deras personliga stilar överlappade dessa perioder.

Proto-renässansen börjar med målaren Giottos yrkesliv och inkluderar Taddeo Gaddi , Orcagna och Altichiero . Den tidiga renässansstilen startades av Masaccio och utvecklades sedan vidare av Fra Angelico , Paolo Uccello , Piero della Francesca , Sandro Botticelli , Verrocchio , Domenico Ghirlandaio och Giovanni Bellini . Högrenässansen var den av Leonardo da Vinci , Michelangelo , Raphael , Andrea del Sarto , Coreggio , Giorgione , de senare verken av Giovanni Bellini och Titian . Den manneristiska perioden, som behandlas i en separat artikel, omfattade de senare verken av Michelangelo, liksom Pontormo , Parmigianino , Bronzino och Tintoretto .

Influenser

Influenserna på utvecklingen av renässansmåleri i Italien är de som också påverkade filosofi, litteratur, arkitektur, teologi, vetenskap, regering och andra aspekter av samhället. Följande är en sammanfattning av punkter som behandlas mer utförligt i de huvudartiklar som citeras ovan.

Filosofi

Ett antal klassiska texter, som hade gått förlorade för västeuropeiska forskare i århundraden, blev tillgängliga. Dessa inkluderade filosofi, poesi, drama, vetenskap, en avhandling om konst och tidig kristen teologi. Det resulterande intresset för humanistisk filosofi innebar att människans förhållande till mänskligheten, universum och med Gud inte längre var kyrkans exklusiva provins. Ett återupplivat intresse för klassikerna ledde till den första arkeologiska studien av romerska lämningar av arkitekten Brunelleschi och skulptören Donatello . Återupplivandet av en arkitekturstil baserad på klassiska prejudikat inspirerade till en motsvarande klassicism inom måleriet, som manifesterade sig redan på 1420-talet i Masaccios och Paolo Uccellos målningar .

Vetenskap och teknologi

Samtidigt som Europa fick tillgång till de klassiska texterna fick Europa tillgång till avancerad matematik som hade sitt ursprung i bysantinska och islamiska forskares verk. Tillkomsten av rörligt typtryck på 1400-talet gjorde att idéer lätt kunde spridas och ett ökande antal böcker skrevs för en bred publik. Utvecklingen av oljefärg och dess introduktion till Italien hade bestående effekter på målarkonsten.

Samhälle

Etableringen av Medici Bank och den efterföljande handeln som den genererade gav oöverträffad rikedom till en enda italiensk stad, Florens . Cosimo de' Medici satte en ny standard för beskydd av konsten, inte förknippad med kyrkan eller monarkin. Den överlägsna närvaron i regionen Florens av vissa individer av konstnärligt geni, framför allt Giotto , Masaccio , Brunelleschi, Piero della Francesca , Leonardo da Vinci och Michelangelo , bildade ett etos som stödde och uppmuntrade många mindre konstnärer att uppnå arbete av extraordinär kvalitet.

Ett liknande arv av konstnärliga prestationer inträffade i Venedig genom den begåvade Bellini -familjen, deras inflytelserika inlaw Mantegna , Giorgione , Titian och Tintoretto .

teman

Mycket målning av renässansperioden beställdes av eller för den katolska kyrkan . Dessa verk var ofta i stor skala och var ofta cykler målade i fresk av Kristi liv , Jungfruns liv eller livet av ett helgon, särskilt St Francis av Assisi . Det fanns också många allegoriska målningar på temat frälsning och kyrkans roll för att uppnå det. Kyrkor beställde också altartavlor , som målades i tempera på panel och senare i olja på duk . Förutom stora altartavlor producerades små andaktsbilder i mycket stort antal, både för kyrkor och för privatpersoner, det vanligaste temat är Madonnan och barnet .

Under hela perioden var också medborgarkommissioner viktiga. Lokala statliga byggnader dekorerades med fresker och andra verk, både sekulära, såsom Ambrogio Lorenzettis Allegorin om god och dålig regering , och religiös, såsom Simone Martinis fresk av Maestà , i Palazzo Pubblico , Siena .

Porträttbilder var ovanliga på 1300- och tidigt 1400-tal, mestadels begränsade till medborgerliga minnesbilder som ryttarporträtten av Guidoriccio da Fogliano av Simone Martini , 1327, i Siena och, i början av 1400-talet, John Hawkwood av Uccello och Florens katedral . dess följeslagare porträtterar Niccolò da Tolentino av Andrea del Castagno .

Under 1400-talet blev porträttbilder vanliga, till en början ofta formaliserade profilporträtt men alltmer tre fjärdedels ansikte, bystlånga porträtt. Beskyddare av konstverk som altartavlor och freskcykler inkluderades ofta i scenerna, ett anmärkningsvärt exempel är inkluderingen av familjerna Sassetti och Medici i Domenico Ghirlandaios cykel i Sassetti-kapellet . Porträtt skulle bli ett viktigt ämne för högrenässansmålare som Rafael och Titian och fortsätta in i den manneristiska perioden i verk av konstnärer som Bronzino .

Med framväxten av humanismen vände sig konstnärer till klassiska teman, särskilt för att utföra uppdrag för utsmyckning av hem för rika mecenater, den mest kända är Botticellis födelse av Venus för Medici. I allt högre grad sågs klassiska teman också som ett lämpligt allegoriskt material för medborgaruppdrag. Humanismen påverkade också sättet som religiösa teman avbildades på, särskilt på Michelangelos tak i Sixtinska kapellet .

Andra motiv hämtades från samtida liv, ibland med allegorisk innebörd, vissa ibland rent dekorativa. Händelser som är viktiga för en viss familj kan spelas in som de i Camera degli Sposi som Mantegna målade för familjen Gonzaga i Mantua . I allt högre grad målades stilleben och dekorativa scener från livet, som konserten av Lorenzo Costa omkring 1490.

Viktiga händelser spelades ofta in eller firades i målningar som Uccellos strid vid San Romano , liksom viktiga lokala religiösa festivaler. Historia och historiska karaktärer skildrades ofta på ett sätt som reflekterade över aktuella händelser eller på nuvarande människors liv. Porträtt målades ofta av samtida i skepnad av karaktärer från historien eller litteraturen. Skrifterna av Dante , Voragines gyllene legend och Boccaccios Decameron var viktiga källor till teman.

Inom alla dessa ämnen, i allt större utsträckning, och i nästan alla målares verk, utvecklades vissa underliggande måleriska praktiker: observation av naturen, studiet av anatomi, ljus och perspektiv.

Proto-renässansmålning

Traditioner för toskansk målning från 1200-talet

Konsten i regionen Toscana i slutet av 1200-talet dominerades av två mästare i italiensk-bysantinsk stil, Cimabue av Florens och Duccio av Siena . Deras uppdrag var mestadels religiösa målningar, flera av dem var mycket stora altartavlor som visar Madonnan och barnet. Dessa två målare, med sina samtida, Guido av Siena , Coppo di Marcovaldo och den mystiske målaren vars stil skolan kan ha byggt på, den så kallade Mästaren av St Bernardino, arbetade alla på ett sätt som var mycket formaliserat och beroende av den uråldriga traditionen av ikonmåleri. I dessa temperamålningar var många av detaljerna styvt fixerade av motivet, den exakta positionen av händerna på Madonnan och Kristusbarnet, till exempel, dikterades av arten av välsignelsen som målningen åberopade betraktaren. Vinkeln på jungfruns huvud och axlar, vecken i hennes slöja och linjerna med vilka hennes drag definierades hade alla upprepats i otaliga sådana målningar. Cimabue och Duccio tog steg i riktning mot en större naturalism, liksom deras samtida Pietro Cavallini från Rom.

Giotto

Giotto (1266–1337), av tradition en herdepojke från kullarna norr om Florens, blev Cimabues lärling och framstod som sin tids mest framstående målare. Giotto, möjligen influerad av Pietro Cavallini och andra romerska målare, baserade inte figurerna han målade på någon målerisk tradition, utan på iakttagelsen av livet. Till skillnad från de av hans bysantinska samtida, är Giottos figurer solida tredimensionella; de står rakt på marken, har urskiljbar anatomi och är klädda i plagg med vikt och struktur. Men framför allt, det som skiljer Giottos figurer från hans samtida är deras känslor. I ansiktena på Giottos gestalter finns glädje, ilska, förtvivlan, skam, trots och kärlek. Cykeln av fresker av Kristi liv och jungfruns liv som han målade i Scrovegni-kapellet i Padua satte en ny standard för berättande bilder. Hans Ognissanti Madonna hänger i Uffizierna i Florens, i samma rum som Cimabues Santa Trinita Madonna och Duccios Ruccellai Madonna där de stilistiska jämförelserna mellan de tre lätt kan göras. Ett av de särdrag som syns i Giottos verk är hans observation av naturalistiskt perspektiv. Han betraktas som renässansens härold.

Giottos samtida

Giotto hade ett antal samtida som antingen var tränade och influerade av honom, eller vars iakttagelse av naturen hade lett dem i en liknande riktning. Även om flera av Giottos elever tillgodosåg den riktning som hans arbete hade tagit, skulle ingen bli så framgångsrik som han. Taddeo Gaddi åstadkom den första stora målningen av en nattscen i en bebådelse till herdarna i Baroncelli-kapellet i kyrkan Santa Croce, Florens.

Målningarna i den övre kyrkan av Basilica of St. Francis, Assisi , är exempel på naturalistiskt måleri från perioden, ofta tillskrivet Giotto själv, men troligen verk av konstnärer som omger Pietro Cavallini . En sen målning av Cimabue i den nedre kyrkan i Assisi, av Madonnan och St. Franciskus , visar också tydligt större naturalism än hans panelmålningar och resterna av hans tidigare fresker i den övre kyrkan.

Dödlighet och återlösning

Ett vanligt tema i utsmyckningen av medeltida kyrkor var den sista domen , som i nordeuropeiska kyrkor ofta upptar ett skulpturellt utrymme ovanför den västra dörren, men i italienska kyrkor som Giottos Scrovegni-kapell är det målat på den inre västväggen. Svartedöden 1348 fick dess överlevande att fokusera på behovet av att närma sig döden i ett tillstånd av ånger och absolution. Dödens oundviklighet, belöningarna för de ångerfulla och syndens straff betonades i ett antal fresker, anmärkningsvärda för sina bistra lidandeskildringar och sina surrealistiska bilder av helvetets plågor .

Dessa inkluderar dödens triumf av Giottos elev Orcagna , nu i ett fragmentariskt tillstånd på museet i Santa Croce, och dödens triumf i Camposanto Monumentale i Pisa av en okänd målare, kanske Francesco Traini eller Buonamico Buffalmacco som arbetade på den andra tre av en serie fresker i ämnet Frälsning. Det är okänt exakt när dessa fresker började, men det antas allmänt att de är efter 1348.

Två viktiga freskmålare var aktiva i Padua i slutet av 1300-talet, Altichiero och Giusto de' Menabuoi . Giustos mästerverk, utsmyckningen av Padua Baptistery , följer temat mänsklighetens skapelse, undergång och frälsning, och har också en sällsynt apokalypscykel i det lilla koret. Medan hela verket är exceptionellt för sin bredd, kvalitet och intakta tillstånd, är behandlingen av mänskliga känslor konservativ i jämförelse med den i Altichieros korsfästelse vid basilikan Sant'Antonio , också i Padua. Giustos verk bygger på formaliserade gester, där Altichiero berättar om händelserna kring Kristi död med stor mänsklig dramatik och intensitet.

I Florens, vid det spanska kapellet Santa Maria Novella , fick Andrea di Bonaiuto i uppdrag att betona kyrkans roll i återlösningsprocessen, och i synnerhet Dominikanerordens roll. Hans fresco Allegory of the Active and Triumphant Church är anmärkningsvärt för sin skildring av Florens katedral , komplett med kupolen som inte byggdes förrän följande århundrade.

Internationell gotik

Under det senare 1300-talet var internationell gotik den stil som dominerade det toskanska måleriet. Det syns till viss del i Pietro och Ambrogio Lorenzettis verk, som präglas av en formaliserad sötma och elegans i figurerna, och sengotisk gracialitet i draperierna. Stilen är fullt utvecklad i verk av Simone Martini och Gentile da Fabriano , som har en elegans och en rikedom av detaljer, och en idealiserad kvalitet som inte är förenlig med den skarpare verkligheten i Giottos målningar.

I början av 1400-talet, som överbryggar klyftan mellan internationell gotik och renässansen, är målningarna av Fra Angelico , av vilka många, som är altartavlor i tempera, visar den gotiska kärleken till bearbetning, bladguld och lysande färg. Det är i hans fresker i hans kloster Sant' Marco som Fra Angelico visar sig Giottos konstnärliga lärjunge. Dessa hängivna målningar, som pryder cellerna och korridorerna som bebos av munkarna, representerar episoder från Jesu liv , många av dem är scener av korsfästelsen . De är skarpt enkla, återhållna i färg och intensiva i stämningen när konstnären försökte göra andliga uppenbarelser till en visuell verklighet.

Måleri från tidig renässans

Florens

De tidigaste verkliga renässansbilderna i Florens är från 1401, även om de inte är målningar. Det året hölls en tävling bland sju unga konstnärer för att välja ut konstnären för att skapa ett par bronsdörrar till Florens Baptistery , den äldsta kvarvarande kyrkan i staden. De tävlande skulle var och en designa en bronspanel av liknande form och storlek, som representerade Isaks offer .

Två av panelerna från tävlingen har överlevt, de av Lorenzo Ghiberti och Brunelleschi . Varje panel visar några starkt klassicerande motiv som visar i vilken riktning konsten och filosofin rörde sig på den tiden. Ghiberti använde den nakna figuren Isaac för att skapa en liten skulptur i klassisk stil. Figuren knäböjer på en grav dekorerad med akantusrullar som också är en referens till antikens Roms konst. I Brunelleschis panel påminner en av de ytterligare figurerna som ingår i scenen om en välkänd romersk bronsfigur av en pojke som drar en tagg från sin fot. Brunelleschis skapelse är utmanande i sin dynamiska intensitet. Mindre elegant än Ghibertis, handlar det mer om mänskligt drama och annalkande tragedi.

Ghiberti vann tävlingen. Hans första uppsättning dopdörrar tog 27 år att färdigställa, varefter han fick i uppdrag att göra en till. Under de totalt 50 år som Ghiberti arbetade med dem, utgjorde dörrarna en träningsplats för många av Florens konstnärer. Genom att vara berättande i ämnet och inte bara använda skicklighet i att arrangera figurativa kompositioner utan också den växande skickligheten i linjärt perspektiv , skulle dörrarna ha ett enormt inflytande på utvecklingen av den florentinska bildkonsten.

Brancacci kapell

De första freskerna eller målningarna från den tidiga renässansen startade 1425 när två konstnärer började måla en freskcykel av St Peters liv i Brancaccis kapell vid Karmelitkyrkan i Florens. De kallades båda vid namnet Tommaso och fick smeknamnet Masaccio och Masolino , Slovenly Tom och Little Tom.

Masaccio insåg mer än någon annan konstnär implikationerna i Giottos verk. Han förde vidare praktiken att måla från naturen. Hans fresker visar en förståelse för anatomi, av förkortning, av linjärt perspektiv, av ljus och studiet av draperi. I Brancacci-kapellet har hans fresk Tribute Money en enda flyktpunkt och använder en stark kontrast mellan ljus och mörker för att förmedla en tredimensionell kvalitet till verket. Likaså är figurerna av Adam och Eva som fördrivs från Eden , målade på sidan av bågen in i kapellet, kända för sin realistiska skildring av den mänskliga formen och av mänskliga känslor. De kontrasterar mot de milda och vackra figurerna som Masolino målade på den motsatta sidan av Adam och Eva som fick den förbjudna frukten . Målningen av Brancacci-kapellet lämnades ofullständig när Masaccio dog vid 26 år 1428. Hyllningspengarna fullbordades av Masolino medan resten av arbetet i kapellet avslutades av Filippino Lippi på 1480-talet. Masaccios verk blev en inspirationskälla för många senare målare, inklusive Leonardo da Vinci och Michelangelo .

Utveckling av linjärt perspektiv

Under 1400-talets första hälft var uppnåendet av effekten av realistiskt utrymme i en målning genom att använda linjärt perspektiv en stor angelägenhet för många målare, såväl som arkitekterna Brunelleschi och Alberti som båda teoretiserade om ämnet. Brunelleschi är känd för att ha gjort ett antal noggranna studier av piazzan och det åttkantiga dopkapellet utanför Florens katedral och man tror att han hjälpte Masaccio i skapandet av sin berömda trompe-l'œil- nisch runt den heliga treenigheten som han målade i Santa Maria Novella .

Enligt Vasari var Paolo Uccello så besatt av perspektiv att han tänkte på lite annat och experimenterade med det i många målningar, den mest kända är de tre Slaget vid San Romano- målningarna (slutförda på 1450-talet) som använder trasiga vapen på marken, och fält på de avlägsna kullarna för att ge ett intryck av perspektiv.

På 1450 -talet visade Piero della Francesca , i målningar som Kristi flagellation , sitt mästerskap över linjära perspektiv och även över vetenskapen om ljus. En annan målning finns, en stadsbild, av en okänd konstnär, kanske Piero della Francesca, som visar den sorts experiment som Brunelleschi hade gjort. Från denna tid förstods linjärt perspektiv och användes regelbundet, såsom av Perugino i hans Kristus som ger nycklarna till St. Peter (1481–82) i Sixtinska kapellet .

Förståelse av ljus

Giotto använde tonalitet för att skapa form. Taddeo Gaddi demonstrerade i sin nattliga scen i Baroncelli-kapellet hur ljus kan användas för att skapa drama. Paolo Uccello , hundra år senare, experimenterade med ljusets dramatiska effekt i några av sina nästan monokroma fresker. Han gjorde ett antal av dessa i terra verde ("grön jord"), och livade upp sina kompositioner med inslag av vermilion. Det mest kända är hans ryttarporträtt av John Hawkwood på väggen i Florens katedral . Både här och på de fyra profethuvudena som han målade runt den inre urtavlan i katedralen använde han starkt kontrasterande toner, vilket antydde att varje figur var upplyst av en naturlig ljuskälla, som om källan var ett verkligt fönster i katedral.

Piero della Francesca förde sin studie av ljus vidare. I Flagellationen visar han en kunskap om hur ljus sprids proportionellt från dess ursprungspunkt. Det finns två ljuskällor i denna målning, en intern i en byggnad och den andra extern. Av den inre källan, även om ljuset i sig är osynligt, kan dess position beräknas med matematisk säkerhet. Leonardo da Vinci skulle föra vidare Pieros arbete med ljus.

Madonnan

Jungfru Maria , vördad av den katolska kyrkan över hela världen, framkallades särskilt i Florens, där det fanns en mirakulös bild av henne på en kolonn på majsmarknaden och där både katedralen "Vår Fru av blommorna" och den stora dominikanen kyrkan Santa Maria Novella namngavs till hennes ära.

Den mirakulösa bilden på majsmarknaden förstördes av brand, men ersattes med en ny bild på 1330-talet av Bernardo Daddi , utspelad i en utsökt designad och överdådigt smidd baldakin av Orcagna . Den öppna nedre våningen av byggnaden var innesluten och tillägnad som Orsanmichele .

Avbildningar av Madonnan och barnet var en mycket populär konstform i Florens. De tog alla former från små massproducerade terrakottaplattor till magnifika altartavlor som de av Cimabue , Giotto och Masaccio .

Under 1400- och första hälften av 1500-talet dominerade en verkstad mer än någon annan produktionen av madonnor. De var familjen della Robbia, och de var inte målare utan modellerare i lera. Luca della Robbia , känd för sitt kantoriagalleri vid katedralen, var den första skulptören som använde glaserad terrakotta för stora skulpturer. Många av den här familjens hållbara verk har överlevt. Della Robbias skicklighet, särskilt Andrea della Robbia , var att ge stor naturalism till de barn som de modellerade som Jesus , och uttryck för stor fromhet och sötma till Madonnan. De skulle sätta en standard som skulle efterliknas av andra konstnärer i Florens.

Bland dem som målade hängivna madonnor under den tidiga renässansen finns Fra Angelico , Fra Filippo Lippi , Verrocchio och Davide Ghirlandaio . Seden fortsatte av Botticelli som producerade en serie Madonnor under en period av tjugo år för Medici ; Perugino , vars Madonnor och helgon är kända för sin sötma och Leonardo da Vinci , för vilken ett antal små tillskrivna Madonnor som Benois Madonna har överlevt. Till och med Michelangelo , som främst var skulptör, övertalades att måla Doni Tondo , medan de för Raphael är bland hans mest populära och talrika verk.

Tidig renässansmålning i andra delar av Italien

Andrea Mantegna i Padua och Mantua

En av de mest inflytelserika målarna i norra Italien var Andrea Mantegna från Padua , som hade turen att vara i tonåren vid den tid då den store florentinske skulptören Donatello arbetade där. Donatello skapade den enorma ryttarbrons, den första sedan romarriket, av condotiero Gattemelata , fortfarande synlig på sin sockel på torget utanför basilikan Sant'Antonio . Han arbetade också på högaltaret och skapade en serie bronspaneler där han uppnådde en anmärkningsvärd illusion av djup, med perspektiv i de arkitektoniska miljöerna och den mänskliga formens uppenbara rundhet, allt i mycket ytlig relief.

Vid endast 17 år gammal accepterade Mantegna sitt första uppdrag, freskcykler av de heliga Jakobs och Christophers liv för Ovetari-kapellet i tvärskeppet av kyrkan Eremitani , nära Scrovegni-kapellet i Padua. Tyvärr förstördes byggnaden mestadels under andra världskriget, och de är endast kända från fotografier som avslöjar en redan högt utvecklad perspektivkänsla och en kunskap om antiken, som det antika universitetet i Padua hade blivit välkänt för, tidigt på 15:e århundrade.

Mantegnas sista verk i Padua var en monumental San Zeno altartavla , skapad för abboten av basilikan San Zeno , Verona från 1457 till 1459. Denna polyptyk vars predellapaneler är särskilt anmärkningsvärda för hanteringen av landskapselement, skulle påverka vidareutveckling av renässanskonsten i norra Italien.

Mantegnas mest kända verk är inredningen av Camera degli Sposi i hertigpalatset, Mantua , daterad omkring 1470. Väggarna är fresker med scener från familjen Gonzaga som pratar, hälsar en yngre son och hans lärare när de återvänder. från Rom, förbereder sig för en jakt och andra sådana scener som inte gör någon uppenbar referens till historiska, litterära, filosofiska eller religiösa frågor. De är anmärkningsvärda för att de helt enkelt handlar om familjeliv. Den enda eftergiften är spridningen av glada bevingade putti , som håller upp plaketter och girlanger och klättrar på den illusionistiska genomborrade balustraden som omger en trompe-l'œil utsikt över himlen som däckar taket i kammaren. Mantegnas främsta arv i övervägda införandet av rumslig illusionism, utförd av en behärskning av perspektiv, både i fresker och i sacra conversazione- målningar: hans tradition av takdekoration följdes i nästan tre århundraden.

Antonello da Messina

År 1442 blev Alfonso V av Aragon härskare över Neapel och tog med sig en samling flamländska målningar och inrättade en humanistisk akademi . Antonello da Messina verkar ha haft tillgång till kungens samling, som kan ha inkluderat verk av Jan van Eyck . Nya bevis tyder på att Antonello sannolikt var i kontakt med Van Eycks mest fulländade anhängare, Petrus Christus , i Milano i början av 1456 och lärde sig troligen teknikerna för oljemålning, inklusive att måla nästan mikroskopiska detaljer och små ljusgraderingar, direkt från Christus. Även hans verks lugnare uttryck i människors ansikten och lugnet i verkens övergripande komposition framstår också som en nederländsk påverkan. Antonello åkte till Venedig 1475 och stannade där till hösten 1476, så det är troligt att Antonello överlämnade teknikerna för att använda oljefärger, måla ljusets gradering och principerna om lugn till venetianska målare , inklusive Giovanni Bellini, en av de mest betydande målarna under högrenässansen i norra Italien, under det besöket.

Antonello målade mestadels små noggranna porträtt i glödande färger. Men ett av hans mest kända verk, St. Jerome in His Study , visar hans överlägsna förmåga att hantera linjärt perspektiv och ljus. Kompositionen av den lilla målningen är inramad av en sengotisk båge, genom vilken ses en interiör, inhemsk på ena sidan och kyrklig på den andra, i vars centrum helgonet sitter i en träinhägnad omgiven av sina ägodelar medan hans lejon strövar i skuggorna på golvet. Sättet som ljuset strömmar in genom varje dörr och fönster som kastar både naturligt och reflekterat ljus över arkitekturen och alla föremålen skulle ha upphetsat Piero della Francesca .

Progression mot högrenässansen

Patronage och humanism

I Florens, under det senare 1400-talet, var de flesta konstverk, även de som gjordes som utsmyckning för kyrkor, i allmänhet beställda och bekostade av privata kunder. Mycket av beskyddet kom från Medici- familjen, eller de som var nära förknippade med eller släkt med dem, såsom Sassetti, Ruccellai och Tornabuoni.

På 1460-talet hade Cosimo de' Medici etablerat Marsilio Ficino som sin inhemska humanistiska filosof och underlättade hans översättning av Platon och hans undervisning om platonsk filosofi , som fokuserade på mänskligheten som centrum för det naturliga universum, på varje persons personliga relation till Gud , och på broderlig eller "platonisk" kärlek som det närmaste en person kunde komma att efterlikna eller förstå Guds kärlek.

Under medeltiden uppfattades allt relaterat till den klassiska perioden som förknippat med hedendom. Under renässansen kom det alltmer att förknippas med upplysning . Den klassiska mytologins gestalter började ta en ny symbolisk roll i den kristna konsten och i synnerhet tog gudinnan Venus ett nytt omdöme. Född fullt bildad, genom ett slags mirakel, var hon den nya Eva , symbol för oskyldig kärlek, eller till och med, i förlängningen, en symbol för Jungfru Maria själv. Vi ser Venus i båda dessa roller i de två berömda temperamålningarna som Botticelli gjorde på 1480-talet för Cosimos brorson, Pierfrancesco de' Medici , Primavera och Venus födelse .

Samtidigt utförde Domenico Ghirlandaio , en noggrann och noggrann ritare och en av sin tids förnämsta porträttmålare, två cykler av fresker för Medici-medarbetare i två av Florens större kyrkor, Sassetti-kapellet i Santa Trinita och Tornabuoni-kapellet i Santa Maria Novella . I dessa cykler av den helige Franciskus liv och Jungfru Marias liv och Johannes döparens liv fanns det utrymme för porträtt av beskyddare och beskyddares beskyddare. Tack vare Sassettis beskydd finns ett porträtt av mannen själv, med hans arbetsgivare, Lorenzo il Magnifico , och Lorenzos tre söner med deras lärare, den humanistiska poeten och filosofen, Agnolo Poliziano . I Tornabuoni-kapellet finns ytterligare ett porträtt av Poliziano, tillsammans med de andra inflytelserika medlemmarna av den platonska akademin inklusive Marsilio Ficino.

flamländskt inflytande

Från omkring 1450, med ankomsten till Italien av den flamländska målaren Rogier van der Weyden och möjligen tidigare, introducerades konstnärer till mediet oljefärg . Medan både tempera och fresk lämpade sig för skildringen av mönster, var inget av dem ett framgångsrikt sätt att representera naturliga texturer realistiskt. Det mycket flexibla mediet av oljor, som kunde göras ogenomskinliga eller genomskinliga, och som möjliggjorde förändringar och tillägg i dagar efter att det hade lagts, öppnade en ny värld av möjligheter för italienska konstnärer.

År 1483 anlände den enorma altartavlan av Herdarnas tillbedjan målad av Hugo van der Goes till Florens. Målad så tidigt som 1475 på uppdrag av familjen Portinari, skeppades den ut från Brygge och installerades i kapellet Sant' Egidio vid sjukhuset Santa Maria Nuova. Altartavlan lyser med intensivt rött och grönt, i kontrast till de glansiga svarta sammetskläderna från Portinari-donatorerna. I förgrunden finns ett stilleben av blommor i kontrasterande behållare, en av glaserad keramik och den andra av glas. Enbart glasvasen räckte för att väcka uppmärksamhet. Men den mest inflytelserika aspekten av triptyken var den extremt naturliga och verklighetstrogna egenskapen hos de tre herdarna med stubbskägg, bearbetade händer och uttryck som sträckte sig från tillbedjan till förundran till oförstående. Domenico Ghirlandaio målade omedelbart sin egen version, med en vacker italiensk madonna i stället för den flamländska med långa ansikten, och han själv, som gestikulerade teatraliskt, som en av herdarna.

Påvlig kommission

År 1477 ersatte påven Sixtus IV det övergivna gamla kapellet i Vatikanen där många av de påvliga gudstjänsterna hölls. Interiören i det nya kapellet, kallat Sixtinska kapellet till hans ära, verkar från början ha planerats för att ha en serie av 16 stora fresker mellan dess pilastrar på mittplanet, med en serie målade porträtt av påvar ovanför dem. År 1480 fick en grupp konstnärer från Florens uppdraget med verket: Botticelli, Pietro Perugino , Domenico Ghirlandaio och Cosimo Rosselli . Denna freskcykel skulle föreställa berättelser om Moses liv på ena sidan av kapellet, och berättelser om Kristi liv på den andra med freskerna som kompletterar varandra i temat. Jesu födelse och fyndet av Moses låg intill väggen bakom altaret, med en altartavla av Jungfruns himmelsfärd mellan dem. Dessa målningar, alla av Perugino, förstördes senare för att måla Michelangelos sista dom .

De återstående 12 bilderna visar den virtuositet som dessa konstnärer hade uppnått, och det uppenbara samarbetet mellan individer som normalt använde mycket olika stilar och färdigheter. Målningarna gav full spännvidd till deras kapacitet eftersom de inkluderade ett stort antal figurer av män, kvinnor och barn och karaktärer, allt från vägledande änglar till rasande faraoner och djävulen själv. Varje målning krävde ett landskap . På grund av storleken på figurerna som konstnärerna enades om, i varje bild, tar landskapet och himlen upp hela den övre halvan av scenen. Ibland, som i Botticellis scen av Reningen av den spetälske , finns det ytterligare små berättelser som utspelar sig i landskapet, i det här fallet Kristi frestelser .

Peruginos scen av Kristus som ger nycklarna till St. Peter är anmärkningsvärd för klarheten och enkelheten i dess komposition, skönheten i den figurativa målningen, som inkluderar ett självporträtt bland åskådarna, och särskilt den perspektiviska stadsbilden som innehåller hänvisning till Peters tjänst till Rom genom närvaron av två triumfbågar , och centralt placerad en åttakantig byggnad som kan vara ett kristet dop eller ett romerskt mausoleum .

Högrenässansmålning

Måleriets höga renässans var kulmen på de olika uttryckssätten och olika framsteg inom målartekniken, såsom linjärt perspektiv, den realistiska skildringen av både fysiska och psykologiska drag och manipulation av ljus och mörker, inklusive tonkontrast, sfumato ( mjukar upp övergången mellan färger) och chiaroscuro (kontrast mellan ljus och mörk), i en enda förenande stil som uttryckte total kompositionsordning, balans och harmoni. Enligt Marcia Hall kan cangiante och vad hon kallar unione läggas till chiaroscuro och sfumato för att göra fyra specifika målarstilar i högrenässansen; dessa är nu ibland grupperade som "kanoniska målningssätt" för perioden.

Särskilt de enskilda delarna av målningen hade ett komplext men balanserat och väl sammansvetsat förhållande till en dynamisk helhet. Måleri från den höga renässansen anses vara det västerländska måleriets absoluta zenit och uppnådde balansering och försoning, i harmoni, av motsägelsefulla och till synes ömsesidigt uteslutande konstnärliga positioner, såsom verklig kontra ideal, rörelse mot vila, frihet mot lag, rymd mot lag plan och linje kontra färg.

De flesta konsthistoriker säger att högrenässansen startade omkring 1495 eller 1500 och slutade 1520 med Rafaels död , även om vissa säger att högrenässansen slutade omkring 1525 eller 1527 med att Rom plundrades av armén av Charles V, den heliga romerska kejsaren , eller omkring 1530. Många citerar Leonardo da Vincis Nattvarden , som startade 1495 och avslutades 1498, som det första verket under högrenässansen. I sin bok, A History of Art: Painting, Sculpture and Architecture , 1985, konstaterar Frederick Hartt att 1520 till 1530 var en övergångsperiod mellan högrenässansen och mannerism. Högrenässansen dominerades av tre målare: Leonardo da Vinci, Michelangelo och Raphael; medan Giovanni Bellini, Giorgione och Titian var ledarna för venetiansk högrenässansmålning, med Correggio och Andrea del Sarto som andra betydande målare av högrenässansstilen.

Leonardo Da Vinci

Leonardo (1452–1519) tillbringade sina uppväxtår med utbildning i Florens verkstad i Verrocchio innan han flyttade till Milano, där han arbetade från 1482 till 1499 innan han återvände till Florens från 1500 till 1506. På grund av omfattningen av hans intressen och den extraordinära graden av talang som han visade på så många olika områden, han betraktas som den arketypiska " renässansmannen ". Men det var först och främst som målare han beundrades på sin egen tid, och som målare hämtade han de kunskaper han fått från sina övriga intressen.

Leonardo var en vetenskaplig observatör. Han lärde sig genom att titta på saker. Han studerade och ritade fältens blommor, flodens virvlar, klippornas och bergens form, hur ljuset reflekterades från lövverket och gnistrade i en juvel. I synnerhet studerade han den mänskliga formen och dissekerade trettio eller fler outtagna kadaver från ett sjukhus för att förstå muskler och senor.

Leonardo uppnådde en grad av realism i uttrycket av mänskliga känslor, förebild av Giotto men okänd sedan Masaccios Adam och Eva . Leonardos sista måltid , målad från 1495 till 1498 i matsalen i klostret Santa Maria delle Grazie (Milano) , blev riktmärket för religiöst berättande målning under det nästa halva millenniet. Många andra renässanskonstnärer målade versioner av den sista måltiden , men bara Leonardos var avsedd att reproduceras otaliga gånger i trä, alabaster, gips, litografi, gobeläng, virkning och bordsmattor.

Mer än någon annan konstnär avancerade han studiet och målningen av "atmosfär". I sina målningar som Mona Lisa (ca. 1503-1517) och Virgin of the Rocks (1483-1486) (det tidigaste kompletta verket i hans hand), använde han ljus och skugga med en sådan subtilitet att han i brist på en bättre ord, det blev känt som Leonardos "sfumato" eller "rök". Han uppvisade en revolutionerande användning av färg genom att definiera övergången mellan figurer genom färgmodulering istället för genom faktiska linjer. Hans verk bjöd in betraktaren till en mystisk värld av skiftande skuggor, kaotiska berg och virvlande strömmar. Ett annat betydelsefullt verk av Leonardo var Jungfrun och barnet med Sankta Anne (ca 1503-1519); gruppens monumentala tredimensionella kvalitet och de beräknade effekterna av dynamik och spänning i kompositionen gjorde den till en modell som inspirerade klassicister och mannerister i lika hög grad. Förutom de direkta effekterna av själva verken spreds Leonardos studier av ljus, anatomi, landskap och mänskliga uttryck delvis genom hans generositet till ett följe av studenter.

Michelangelo

År 1508 lyckades påven Julius II få den florentinske skulptören Michelangelo (1475-1564) att gå med på att fortsätta det dekorativa upplägget av Sixtinska kapellet. Taket i Sixtinska kapellet konstruerades på ett sådant sätt att det fanns tolv lutande pendentiver som stödde valvet som bildade idealiska ytor att måla de tolv apostlarna på . Michelangelo utarbetade snart ett helt annat schema, mycket mer komplext både i design och ikonografi. Omfattningen av arbetet, som han utförde ensam med undantag för manuell assistans, var enorm och tog nästan fem år att slutföra.

Påvens plan för apostlarna skulle tematiskt ha utgjort en bildlänk mellan Gamla testamentets och Nya testamentets berättelser på väggarna och påvarna i porträttgalleriet. Det är de tolv apostlarna , och deras ledare Peter som förste biskop av Rom, som gör den bron. Men Michelangelos plan gick i motsatt riktning. Temat för Michelangelos tak är inte Guds stora plan för mänsklighetens frälsning. Temat handlar om mänsklighetens skam. Det handlar om varför mänskligheten och tron ​​behövde Jesus.

Ytligt sett är taket en humanistisk konstruktion. Figurerna är av övermänsklig dimension och, i Adams fall , av sådan skönhet att det enligt biografen Vasari verkligen ser ut som om Gud själv hade designat figuren, snarare än Michelangelo. Men trots de individuella figurernas skönhet har Michelangelo inte glorifierat den mänskliga staten, och han har verkligen inte presenterat det humanistiska idealet om platonisk kärlek . Faktum är att Kristi förfäder, som han målade runt den övre delen av väggen, visar alla de värsta aspekterna av familjerelationer, och uppvisar dysfunktion i lika många olika former som det finns familjer.

Vasari berömde Michelangelos till synes oändliga uppfinningsförmåga när det gäller att skapa ställningar för figurerna. Raphael , som fick en förhandstitt av Bramante efter att Michelangelo hade fällt sin pensel och stormat iväg till Bologna i ett humör, målade minst två figurer i imitation av Michelangelos profeter, den ena i Sant' Agostino-kyrkan och den andra i Vatikanen , hans porträtt av Michelangelo själv i The School of Athens .

Michelangelos senare verk, The Last Judgment , målat på Sixtinska kapellets altarvägg mellan 1534 och 1541, visar en manneristisk stil, med allmänt långsträckta kroppar, som tog över från högrenässansstilen mellan 1520 och 1530.

Raphael

Med Leonardo da Vinci och Michelangelo är Rafaels (1483–1520) namn synonymt med högrenässansen, även om han var yngre än Michelangelo med 18 år och Leonardo med nästan 30 och dog vid 37 års ålder bara ett år efter Leonardo. Det kan inte sägas att han avsevärt utvecklat måleriets tillstånd som hans två berömda samtida gjorde. Snarare var hans arbete kulmen på alla utvecklingar under högrenässansen.

Raphael föddes som son till en målare, så hans karriärväg, till skillnad från Michelangelos som var son till mindre adel, avgjordes utan bråk. Några år efter sin fars död arbetade han i den umbriska verkstaden i Perugino , en utmärkt målare och en suverän tekniker. Hans första signerade och daterade målning, utförd vid 21 års ålder, är Jungfruns trolovning , som omedelbart avslöjar dess ursprung i Peruginos Kristus som gav nycklarna till St. Peter .

Raphael, som flyttade till Florens 1504 och till Rom 1508, utnyttjade ogenerat kunskaperna hos de berömda målare vars livslängd omfattade hans. I hans verk dras de individuella egenskaperna hos många olika målare samman. Peruginos rundade former och lysande färger, det verklighetstrogna porträttet av Ghirlandaio, Leonardos realism och ljussättning, och Michelangelos kraftfulla teckningsskicklighet förenades i Rafaels målningar. Under sitt korta liv utförde han ett antal stora altartavlor, en imponerande klassisk fresk av havsnymfen Galatea, enastående porträtt med två påvar och en känd författare bland dem, och medan Michelangelo målade taket i Sixtinska kapellet , en serie väggar. fresker i Raphael-rummen i Apostoliska palatset i närheten, varav Athens School (1509–11) i Stanza della Segnatura är unikt betydelsefull. Denna fresk skildrar ett möte mellan alla de mest lärda forntida atenarna, samlade i en storslagen klassisk miljö kring centralfiguren Platon , som Raphael berömt har modellerat efter Leonardo da Vinci . Den grubblande gestalten av Herakleitos som sitter vid ett stort stenblock, är ett porträtt av Michelangelo , och är en referens till den senares målning av profeten Jeremia i Sixtinska kapellet. Hans eget porträtt är till höger, bredvid hans lärare, Perugino.

Men huvudkällan till Rafaels popularitet var inte hans stora verk, utan hans små florentinska bilder av Madonnan och Kristusbarnet. Om och om igen målade han, i lite olika poser, en liknande fyllig blond kvinna med lugnt ansikte och hennes knubbiga bebisar, de mest kända är förmodligen La Belle Jardinière ("Madonnan i den vackra trädgården"), nu i Louvren . Hans större verk, den sixtinska madonnan , som används som design för otaliga målade glasfönster , har på 2000-talet kommit att ge den ikoniska bilden av två små keruber som har reproducerats på allt från pappersservetter till paraplyer.

Giovanni Bellini

En ledare för det venetianska måleriet , Giovanni Bellini (1430–1516) föddes inom ett år av sin bror Gentile , sin svåger Mantegna och Antonello da Messina , men levde ett decennium längre än de första två och nästan tre decennier längre än den senare. Han målade ända fram till sin död och hans verk illustrerar flera influenser. Hans tidiga verk visar påverkan från Mantegna med skarpa linjer och tydligt avgränsade färger, medan hans verk efter Messinas vistelse i Venedig 1475 till 1476 antog en flamländsk realism och lysande färger, vilket visar att han var mycket framgångsrik med att anamma teknikerna för oljemålning. kom med Messina. Han var först lärare av Giorgione och Titian men blev senare influerad av Giorgione, framför allt genom att anta tonalism där färg appliceras i överlagrade lager och skapar en mjuk diffus effekt så att figurer och landskap blir mer enhetliga i atmosfären.

Bellini blev den enda stora 1400-talsmålaren som korsade tröskeln från tidig renässans till högrenässansstil med verk som Porträtt av Doge Leonardo Loredan (1501), där dogen visar ett lugn som Bellini sannolikt lärt sig av Messina, och dop av Kristus (1500–1502). Bellini, liksom Raphael , producerade också många små madonnor i rik glödande färg, vanligtvis av mer intensiv tonalitet än hans florentinska motsvarighet.

Traditionellt, i målningen av altartavlor av Madonnan och barnet , åtföljs Jungfruns tronande figur av helgon, som står i definierade utrymmen, fysiskt åtskilda i form av en polytyk eller definieras av målade arkitektoniska gränser. Piero della Francesca använde den klassiska nischen som en inramning för sina tronande Madonnor (med helgon grupperade runt tronen), eftersom Masaccio hade använt den som inramning för sin heliga treenighet i Santa Maria Novella .

Bellini använde samma form, känd som heliga samtal , i flera av sina senare altartavlor , såsom den för den venetianska kyrkan San Zaccaria (1505). Det är en mästerlig komposition som använder sig av tonalism och utökar byggnadens verkliga arkitektur till målningens illusionistiska arkitektur, vilket gör nischen till en sorts loggia som öppnar sig mot landskapet och för dagsljus som strömmar över jungfruns och barnets gestalter, de två kvinnliga helgonen och den lilla ängeln som spelar en viola gör dem ljusare än Sankt Peter och Sankt Hieronymus i förgrunden.

Giorgione

Trots den korta karriären (han dog 1510 vid omkring 35) och det låga antalet verk som allmänt överenskommits om att vara helt i hans hand (så lite som fyra eller fem), krediteras Giorgione ofta som grundaren av Venetian High Renässansstil, även om olika forskare anger olika skäl för att hävda detta.

Den ena är hans ökande användning av graderingar av färg och ljus (färgmodulering), inklusive sfumato , som ofta uppnås genom tonalism, för att definiera formerna på figurer och landskap och för att skapa en atmosfär där alla komponenter i målningen är förenade. Vissa tror att han kan ha lärt sig detta av Leonardo da Vinci, som sägs ha besökt Venedig 1501. I hans Castelfranco Madonna , 1505, är användningen av linje- och färgmodulering lika balanserad men i The Tempest , c.1510, färg Modulering ersätter nästan helt linje som skapar en konstnärlig vision där människan och naturen kombineras. Vissa anser att Tempest är en av de viktigaste målningarna som produceras i Italien eftersom komponenterna hålls samman av färg och det finns en drömsk atmosfär av perfekt harmoni. Giorgione var den första målaren som tilldelade naturen en ledande roll och närhelst hans målningar har ett landskap blir det en integrerad del av målningen.

Castelfranco Madonna , jämfört med Giovanni Bellinis liknande San Zaccaria altartavla , illustrerar en annan innovation av Giorgione – att justera figurernas riktningar och positioner, såsom lansen som hålls av St. Liberale till vänster och vecken i Madonnans dräkt som placeras parallellt för att mer förena ämnena. Slutligen är Giorgiones målningar alltid tvetydiga i sin betydelse och öppna för olika tolkningar. I Stormen representerar den nakna kvinnan som matar ett barn och den klädda mannen, och en blixt, kanske Adam och Eva i deras dagar efter Eden, eller kanske inte. En annan målning som tillskrivs honom, De tre filosoferna , kan föreställa magi som planerar sin resa på jakt efter spädbarnet Kristus, eller så kanske den inte. Ingen av Giorgiones målningar har någonsin haft en viss tolkning.

Fram till de senaste åren hade det verkat säkert att Giorgione målade den allra första kvinnliga naken som står, eller snarare, lögner, som ett motiv att porträtteras och beundras för sin skönhet ensam med den sovande Venus , 1510. Även om det länge hade accepterats att Tizian avslutade målningens landskap efter Giorgiones död, många konstforskare ifrågasätter alltmer om Giorgione målade hela kvinnokroppen.

Tizian

Titian (ca 1490–1576) utbildade sig i Giovanni Bellinis verkstad tillsammans med Giorgione och assisterade sedan Giorgione. Efter Giorgiones död var han monarken för den venetianska skolan i över 60 år. Hans tidiga arbete visar starka influenser från Bellini och Giorgione, men han tog snart principerna om form och färg som de två utannonserade och etablerade färg, inte linje, som den huvudsakliga bestämningsfaktorn i måleriet, och fullbordade därmed den venetianska högrenässansstilen. Det gjorde han genom att applicera färger av färgpastaliknande fläckar bredvid varandra med lösa och svepande penseldrag. Detta tog fram ljuset och färgen i lika mått på samma gång; han var känd på sin egen tid som ljusets och färgens mästare.

En annan styrka hos Titian var kompositionen av hans målningar. I Pesaro Madonna , 1519–1526, flyttar han Madonnan från mitten istället för att placera henne på den övre spetsen av en kraftfull diagonal linje (i motsats till den vanliga vertikala eller horisontella) som fortfarande fokuserar uppmärksamheten på Madonnan. Detta var ett av de första verken som grupperade figurer i en cirkulär, stigande struktur.

Jungfruns antagande , 1516–1518, har också diagonala linjer (formade av keruberna som ligger runt jungfrun), som bär målningens triumferande budskap uppåt till de övre våningarna av kyrkan Frari i Venedig på vars altare den står. Detta verk var det första som hade visuella förslag på rörelse; alla Titians verk har en ny dynamik i människors rörelser jämfört med andra högrenässansmålares statiska element. The Assumption of the Virgin har också, liksom alla hans målningar, glödande, djupa, rika färger på grund av Tizians applicering av lager efter lager av färg, ibland av olika färger.

Tizian var också den mest eftertraktade porträttisten av sin tid och förde porträtt till samma nivå av aktning som berättande målning. Mycket anmärkningsvärda är ryttarporträttet av Karl V , 1548, en ryttarbild i en symfoni av lila, och porträttet av Doge Andrea Gritti , härskare över Venedig, kanske Tizians mäktigaste porträtt.

När Tizian åldrades upprätthöll han en generell högrenässansstil fram till sina sista år, då figuren nästan fullbordades upplöst i färgens rörelse, så han blev alltmer isolerad från huvudströmmen av italiensk måleri, som hade rört sig nästan helt mot mannerism 1530. På många sätt kan Tizian betraktas som grundaren av det moderna måleriet.

Correggio

Correggio (1489–1534), som aldrig besökte Rom, men måste ha sett verk av Rafael, Michelangelo och Titian, arbetade i en personlig högrenässansstil i Parma, i norra Italien. Han uppfann den öppna himlen fylld med flytande figurer kyrkkupolen, som blev ett kännetecken för 1600-talets barockperiod med hans Vision av St. Johannes evangelisten , 1520–1524, i Parmas San Giovanni Evangelista, och Jungfruns antagande , 1526 –1530, i Parma katedral. En konstforskare säger att i den senare skapar Correggio en "bländande illusion: kupolens arkitektur verkar lösas upp och formen verkar explodera genom byggnaden och drar betraktaren upp i den virvlande virveln av helgon och änglar som rusar uppåt för att följa med jungfrun till himlen."

I dessa kupoler och andra verk beskrivs hans djärva användning av perspektiv, vanligtvis genom att sätta en mörk färg mot ljusa färger för att förstärka illusionen av djup, som häpnadsväckande. Hans främsta intresse var att måla ljus och han förväntar sig de effekter som Caravaggio kommer att uppnå i början av nästa århundrade. Hans behärskning av förkortning (att få objekt att se kortare ut eftersom de är vinklade mot betraktaren) för att skapa perspektiv beskrivs som det kanske mest skickliga någonsin.

I Jupiter och Io , 1531–1532, målade Correggio en stark kontrast mellan den lysande figuren Io och de mjuka men mörka molnen som fyller himlen, som verkar omsluta Ios glänsande kropp. Correggio kunde utföra den diffusa effekten av moln, dis eller dimma perfekt och tillsammans med färgmodulering ingjuter hans karaktärer en distinkt känsla av viktlöshet. Han målade kött på ett delikat, vällustigt sätt som aldrig har överträffats och presenterar ett nytt koncept av feminin skönhet som bara återupptäckts under rokokonperioden . Correggio hade många elever, men ingen fortsatte med hans stil, men han föreställde många komponenter i barockmålningen .

Andra betydande högrenässansmålare

Andrea del Sarto (1486–1530), en florentinare, drog på både Michelangelo och Rafael i sitt arbete, men gick långt bortom dem i skildringen av ansiktsuttryck och gester, vilket framgår av Madonna of the Harpies , 1517. Hans figurer visar en större individualitet än tidigare högrenässansverk samtidigt som man inte förlorar någon av adeln. På 1520-talet förblev han trogen högrenässansens ideal, såsom i målningars kompositioner och med ansiktena på hans gestalter som vanligtvis var lugna och ofta vackra, utan att visa någonting av plågan hos hans maneristiska samtida, av vilka några var hans elever.

Lorenzo Lotto (1480–1556), en av de viktigaste högrenässansmålarna i Venedig, tillbringade också tid i andra områden i norra Italien som, kanske på grund av hans större fokus på realistiska detaljer och på linje än snarare än färg jämfört med den venetianska skolan var han inte mycket uppskattad i Venedig. Samtidigt som han målade en mängd olika ämnen, var han en utmärkt porträttmålare som hade en överlägsen förmåga att se in i själen hos sina motiv och att skildra ett djup av känsla i målningen. Han inkluderade vanligtvis andra föremål i bakgrunden eller förgrunden av porträttet för att skildra motivets karaktär.

Inflytande av italiensk renässansmålning

Livet för både Michelangelo och Titian sträckte sig långt in på andra hälften av 1500-talet. Båda såg sina stilar och de av Leonardo , Mantegna , Giovanni Bellini , Antonello da Messina och Raphael anpassade av senare målare för att bilda en disparat stil känd som Mannerism , och rör sig stadigt mot den stora utgjutningen av fantasi och målerisk virtuositet under barockperioden .

De konstnärer som mest utvidgade trenderna i Tizians stora figurativa kompositioner var Tintoretto och Veronese , även om Tintoretto av många anses vara en manerist. Rembrandts kunskap om verken av både Titian och Rafael är tydlig i hans porträtt. Leonardo och Raphaels direkta inflytande på deras egna elever var att påverka generationer av konstnärer inklusive Poussin och skolor för klassiska målare från 1700- och 1800-talen. Antonello da Messinas verk hade ett direkt inflytande på Albrecht Dürer och Martin Schongauer och genom den senares gravyrer, otaliga konstnärer. Inflytande genom Schongauer kunde hittas i de tyska, holländska och engelska skolorna för målat glasmakare , som sträckte sig in i början av 1900-talet.

Michelangelos tak i Sixtinska kapellet och senare Den sista domen hade direkt inflytande på de figurativa kompositionerna först av Rafael och hans elever och sedan nästan varje efterföljande 1500-talsmålare som letade efter nya och intressanta sätt att skildra den mänskliga formen. Det går att spåra hans figurativa kompositionsstil genom Andrea del Sarto , Pontormo , Bronzino , Parmigianino , Veronese , till el Greco , Carracci , Caravaggio , Rubens , Poussin och Tiepolo till både de klassiska och de romantiska målarna på 1800-talet som t.ex. Jacques-Louis David och Delacroix .

Under inflytande av den italienska renässansmålningen grundades många moderna konstakademier, såsom Royal Academy , och det var specifikt för att samla in verk från den italienska renässansen som några av världens mest kända konstsamlingar, som National Gallery, London , bildades.

Se även

• Livet för de mest utmärkta målarna, skulptörerna och arkitekterna
• Gamle Mästare
• Tidslinje för italienska konstnärer till 1800

Anteckningar och referenser

Bibliografi

Allmän

• Giorgio Vasari, Konstnärernas liv (1568), 1965 års upplaga, övers. George Bull, Penguin, ISBN  0-14-044164-6
• Frederick Hartt, A History of Italian Renaissance Art (1970) Thames and Hudson, ISBN  0-500-23136-2
• Graham-Dixon, Andrew, Renaissance (1999) University of California Press, ISBN  978-0520223752
• Ekserdjian, David, The Italian Renaissance Altarpiece: Between Icon and Narrative (2021) Yale University Press, ISBN  978-0300253641
• RE Wolf och R. Millen, Renaissance and Mannerist Art (1968) Abrams Press, ISBN okänt
• Keith Christiansen, italiensk målning (1992) Hugh Lauter Levin/Macmillan, ISBN  0883639718
• Helen Gardner, Art Through the Ages (1970) Harcourt, Brace and World, ISBN  0-15-503752-8
• Michael Baxandall, Painting and Experience in Fifteenth Century Italy (1974) Oxford University Press, ISBN  0-19-881329-5
• Margaret Aston, The Fifteenth Century: The Prospect of Europe (1979) Thames and Hudson, ISBN  0-500-33009-3
• Ilan Rachum, The Renaissance: An Illustrated Encyclopedia (1979) Octopus, ISBN  0-7064-0857-8
• Diana Davies, Harrap's Illustrated Dictionary of Art and Artists (1990) Harrap Books, ISBN  0-245-54692-8
• Luciano Berti, Florens: Staden och dess konst (1971) Scala, ISBN okänt
• Rona Goffen, Renaissance Rivals: Michelangelo, Leonardo, Raphael, Titian (2004) Yale University Press, ISBN  0300105894
• Arnold Hauser, The Social History of Art, Vol. 2: Renaissance, Mannerism, Baroque (1999) Routledge, ISBN  0415199468
• Luciano Berti, The Uffizi (1971) Scala Publications, Florens, ISBN  978-1870248815
• Michael Wilson, The National Gallery, London (1977) Scala, ISBN  0-85097-257-4
• Hugh Ross Williamson, Lorenzo the Magnificent (1974) Michael Joseph, ISBN  0-7181-1204-0
• Sciacca, Christine (2012). Florens vid renässansens gryning: Målning och belysning, 1300-1500 . Getty Publikationer. ISBN 978-1-60606-126-8. Arkiverad från originalet 2012-09-20.

Målare

• John White, Duccio , (1979) Thames och Hudson, ISBN  0-500-09135-8
• Cecilia Jannella, Duccio di Buoninsegna , (1991) Scala/Riverside, ISBN  1-878351-18-4
• Sarel Eimerl, The World of Giotto , (1967) Time/Life, ISBN  0-900658-15-0
• Mgr. Giovanni Foffani, Fresker av Giusto de' Menabuoi , (1988) G. Deganello, ISBN okänt
• Ornella Casazza, Masaccio and the Brancacci Chapel , (1990) Scala/Riverside, ISBN  1-878351-11-7
• Annarita Paolieri, Paolo Uccello, Domenico Veneziano, Andrea del Castagno , (1991) Scala/Riverside, ISBN  1-878351-20-6
• Alessandro Angelini, Piero della Francesca , (1985) Scala/Riverside, ISBN  1-878351-04-4
• Peter Murray och Pier Luigi Vecchi, Piero della Francesca , (1967) Penguin, ISBN  0-14-008647-1
• Umberto Baldini, Primavera , (1984) Abrams, ISBN  0-8109-2314-9
• Ranieri Varese, Il Palazzo di Schifanoia , (1980) Specimen/Scala, ISBN okänt
• Angela Ottino della Chiesa, Leonardo da Vinci , (1967) Penguin, ISBN  0-14-008649-8
• Jack Wasserman, Leonardo da Vinci , (1975) Abrams, ISBN  0-8109-0262-1
• Massimo Giacometti, Sixtinska kapellet , (1986) Harmony Books, ISBN  0-517-56274-X
• Ludwig Goldschieder, Michelangelo , (1962) Phaidon, ISBN okänt
• Gabriel Bartz och Eberhard König, Michelangelo , (1998) Könemann, ISBN  3-8290-0253-X
• David Thompson, Raphael, the Life and Legacy , (1983) BBC, ISBN  0-563-20149-5
• Jean-Pierre Cuzin, Raphael, hans liv och verk , (1985) Chartwell, ISBN  0-89009-841-7
• Mariolina Olivari, Giovanni Bellini , (1990) Scala. ISBN okänt
• Cecil Gould, Titian , (1969) Hamlyn, ISBN okänt