Italiensk renässansskulptur -Italian Renaissance sculpture

Italiensk renässansskulptur var en viktig del av konsten under den italienska renässansen , i de tidiga stadierna representerade utan tvekan den ledande kanten. Exemplet med antik romersk skulptur hängde mycket tungt över det, både när det gäller stil och användningen av skulpturen. I full kontrast till måleriet fanns det många bevarade romerska skulpturer runt om i Italien, framför allt i Rom, och nya grävdes ut hela tiden och samlades ivrigt. Förutom en handfull stora figurer, särskilt Michelangelo och Donatello, är den idag mindre känd än italiensk renässansmålning , men så var det inte på den tiden.

Italiensk renässansskulptur dominerades av norr, framför allt av Florens. Detta var särskilt fallet under quattrocento (1400-talet), varefter Rom kom att jämställas med eller överträffa det som ett centrum, även om det producerade få skulptörer själv. Stora florentinska skulptörer i sten ingår (i grov kronologisk ordning, med dödsdatum) Orcagna (1368), Nanni di Banco (1421), Filippo Brunelleschi (1446), Nanni di Bartolo  [ it ] (1435), Lorenzo Ghiberti (1455) , Donatello (1466), Bernardo (1464) och hans bror Antonio Rossellino (1479), Andrea del Verrocchio (1488), Antonio del Pollaiuolo (1498), Michelangelo (1564) och Jacopo Sansovino (1570). På andra håll fanns siennesen Jacopo della Quercia (1438), från Lombardiet Pietro Lombardo (1515) och hans söner, Giovanni Antonio Amadeo (1522), Andrea Sansovino (1529), Vincenzo Danti (1576), Leone Leoni (1590) och Giambo (1608, född i Flandern).

Medan kyrkoskulpturen fortsatte att ge fler stora uppdrag än någon annan källa, följt av civila monument, uppträdde eller ökade ett antal andra miljöer för skulptur under perioden. Sekulära porträtt hade tidigare mestadels varit begravningskonst , och stora gravmonument blev betydligt mer genomarbetade. Reliefpaneler användes i ett antal material och miljöer, eller behandlades ibland som bärbara föremål som målningar. Små bronser, vanligtvis av sekulära ämnen, blev allt viktigare från slutet av 1400-talet och framåt, medan nya former inkluderade medaljen , som till en början mest presenterade människor snarare än händelser, och plaketten med en liten scen i metallrelief.

Begreppet "skulptör" kom till användning först under 1400-talet; innan dess var skulptörer kända som stenhuggare, träsniderare och så vidare. Statua ("staty", och konsten att göra dem) var ett annat nytt italienskt ord, som ersatte medeltida termer som figura , simulacrum och imago , som också användes för målade bilder.

Perioder

Gotisk arkitektur , och gotisk konst i allmänhet, hade en begränsad penetration i Italien, anlände sent och påverkade mestadels längst i norr, Venedig och Lombardiet i synnerhet, ofta bara som en dekorativ stil i gränser och huvudstäder. Klassiska traditioner var mer djupt rotade än norr om Alperna, vilket gjorde en avsiktlig återupplivning av klassisk stil mindre av en skarp förändring. Under Trecento (1300-talet) kan skulptörer bli ombedda att arbeta på byggnader i allmänhet i gotisk stil, eller de som inte var det. Vissa skulptörer kunde anpassa sina stilar något för att passa in, andra inte. Denna komplicerade situation gör det svårt för att inte säga omöjligt att ge ett tydligt startdatum för renässansens skulptur.

Som med italiensk renässansmålning delas skulptur konventionellt in i tidig renässans- , högrenässans- , mannerist- och senrenässansperioder. Lämpligen fungerar 1400 och 1500 ganska bra som datum för att markera betydande förändringar i stil, med viktiga vändpunkter är tävlingen om design för dörrarna till Florens baptisterium , som tillkännagavs i slutet av 1400, och Michelangelos Pietà , färdigställd 1499, och hans David , påbörjad 1501. Ibland delas 1400-talet upp omkring 1450 (eller tidigare) i en "första renässans" och "andra renässans", i viss mån efter Vasari.

Manieristisk stil börjar dyka upp omkring 1520, men plundringen av Rom 1527 , som kraftigt skakade upp och skingrade det som hade blivit det ledande centret, ger ett allmänt accepterat slut på högrenässansfasen; Medici fördrevs från Florens samma år, vilket fördrev andra konstnärer. Även om hans verkstad fortsatte att bli verk i hans stil, kan Giambolognas död 1608, när barockskulpturen redan var väletablerad i Rom, ses som slutet på perioden.

Material

I allmänhet var "skulptur av vilken kvalitet som helst" dyrare än en motsvarighet i målning, och när den var i brons dramatiskt så. Det målade ryttarmonumentet Niccolò da Tolentino från 1456 av Andrea del Castagno verkar ha kostat endast 24 floriner , medan Donatellos ryttarbrons av Gattamelata, flera år tidigare, har "beräknats konservativt" till 1 650 floriner. Michelangelo fick 3 000 floriner för att måla taket i Sixtinska kapellet , medan Ghiberti sa att hans första uppsättning dörrar till dopkapellet i Florens , ett sekel tidigare, hade kostat 22 000, varav kanske en fjärdedel representerade materialkostnaden.

Förståeligt nog tenderade skulptörer "att producera det bästa arbetet i de mest hållbara materialen", sten eller metall; det var en hel del snabbare och billigare arbete i andra material som för det mesta inte har överlevt. Skulptörer använde sig avsevärt av teckningar, och då av små och ibland fullstora modeller eller maquetter i lera, med ett inre ramverk av järnstänger där så behövdes. Men sådana modeller fick sällan sparken, och väldigt få har överlevt. Leonardo da Vincis projekt för Sforzahästen är ett exempel.

Många skulptörer arbetade i flera material; Antonio del Pollaiuolo producerade till exempel färdigt arbete i sten, brons, trä och terrakotta, samt målade i tempera , olja och fresk , och producerade en viktig gravyr . Donatellos Saint George , för rustningsmakarna och svärdssmedsskrået, vid Orsanmichele är i marmor, men bar ursprungligen en bronshjälm och bar ett svärd. Donatello arbetade även i trä, terrakotta och gips. Särskilt på 1400-talet var många arkitekter skulptörer av utbildning, och flera praktiserade som båda under större delen av sin karriär.

Sten

Marmor, framför allt den rena vita statuario- kvaliteten av Carrara-marmor från Apuan-alperna i norra Toscana , var det mest populära materialet för fin skulptur. Många toskanska skulptörer gick till stenbrotten för att "grova ut" stora verk, några färdigställde dem i Pisa i närheten, vilket sparade kostnaden för att transportera stora block. Långdistanstransporter skedde vanligtvis med båt, antingen till sjöss eller nerför Arno till Florens.

Även om de flesta delar av Italien hade sten som kunde huggas, var den andra mest gynnade stenen också i norr, från Istrien vid Adriatiska havet , nu i Kroatien och delvis Slovenien . Istrisk sten är "marmorliknande sten, kapabel till en polerad finish, men mycket mer varierad i textur och färg än den apuanska vita marmorn". Den grå toskanska sandstenen känd som pietra serena användes huvudsakligen som byggnadssten, ofta i kontrast till vit marmor, som i Florens katedral . Men det användes ibland för skulptur, särskilt i mindre reliefer och ristade scener på byggnader.

Metall

En bronsskulptur var då ungefär tio gånger dyrare än marmor och det svåra grundandet eller tillverkningen av legeringen, liksom den förlorade vaxtekniken vid gjutning utfördes oftast av skulptören och hans ateljé. Detta innebar att göra en färdig maquette i vax, eller vax över lera, som sedan förstörs under gjutningen; hästen och ryttaren är en mycket sällsynt vaxskulptur, troligen en maquette som aldrig gjuts, som har överlevt; det finns ett litet antal andra , mestadels små förstudier.

Efter grundgjutningen, som kan utföras av utomstående specialister, återstod en hel del skulptörsarbete med att städa upp, bättra och putsa ytan med polering. I vissa fall sträckte sig detta stadium över år och använde olika skulptörer.

Trots sin kostnad och svårighet, efter den klassiska smaken känd från antik litteratur som Plinius den äldre , och de mycket få gamla exemplen som då var kända, åtnjöt brons en speciell prestige, även i liten skala. I det sena medeltida Italien hade det mestadels använts för storslagna katedraldörrar, som i Pisa och San Marco i Venedig, och den tidiga renässansen fortsatte detta, mest känt vid dopkyrkan i Florens . Lorenzo Ghibertis något över naturliga brons Sankt Johannes Döparen för Orsanmichele (1412) var utan motstycke.

Brons kan vara förgylld . En rad metaller användes för avgjutningar av porträttmedaljer av furstliga, eller bara rika, beskyddare, och ibland för plaketter. Brons var den normala metallen, men några få kan gjutas i guld eller silver, för presentation för personer av samma eller högre rang, och några i bly. Särskilt i de furstliga hoven, framför allt de rikaste, Milano, gjordes ofta små gjutna figurer och skulpterade föremål som bläckhus i guld och silver, men nästan alla dessa har någon gång smälts ner för sitt ädelmetall. Den berömda guld Cellini Salt Cellar , tillverkad 1543 för Frans I av Frankrike av Benvenuto Cellini är nästan den enda överlevande i guld, nu i Wien . Uppsättningen med 12 silverförgyllda koppar som kallas Aldobrandini Tazze gjordes för en italiensk familj före 1603, men kanske inte av italienare. Ghisi -skölden från 1554 är ett annat exempel på små scener i relief.

Trä

Till skillnad från norr om Alperna var trä inte ett prestigefyllt material, men på grund av sin låga vikt fortsatte det att användas för korsfästelsefigurer , ofta hängda i luften eller på väggar i kyrkor, till exempel Brunelleschi-krucifixet i Santa Maria Novella . Andra undantag var Donatellos flera figurer för altartavlan till Frari-kyrkan i Venedig, hans botgörande Magdalena och verk av Francesco di Valdambrino i Toscana omkring 1410. När trä användes målades det vanligtvis, antingen av en målare eller skulptören eller hans verkstad. . Dekorativa sniderier i trä var vanliga, för möbler, paneler och andra användningsområden. Körbodar i stora kyrkor innehöll ofta en hel del skulptur; ibland inkluderade dessa figurer och berättarscener. I början av 1400-talet rörde sig träfigurer av Domenico di Niccolò dei Cori  [ it ] i Siena mot "en ny vältalighet i gester och ansiktsuttryck".

Terrakotta

Förutom den utbredda användningen av lera för modelli , som normalt lämnas obränd, drev de tre generationerna av familjen Della Robbia i Florens en stor verkstad som tillverkade tennglaserade och ljust målade statyer i terrakotta , till en början mestadels religiösa reliefer för exteriörer av byggnader, sedan senare mindre verk som madonnor för privata kapell eller sovrum. Andra konstnärer utvecklade en stil med huvud- och bröstporträtt i terrakotta. Flera verk av färdig monumental skulptur (snarare än modeller eller studier) gjordes i terrakotta, mestadels målade. Dessa var mestadels religiösa; ett antal var stora grupper med sex eller så sörjande som omgav den döde Kristus i en Kristi klagosång . Dessa var mycket billigare än marmor skulle ha varit, och den mest kända gruppen, av Niccolo dell'Arca för en kyrka i Bologna , använder terrakotta för att uppnå effekter av flygande draperier som inte kunde ha gjorts i sten. Guido Mazzoni var en annan specialist på stora terrakottagrupper.

Andra material

Stuckatur , ibland målad för att imitera brons, användes, mest för att dekorera byggnader, och verkstäder sålde små gipsrepliker av kända skulpturer, av vilka inte många har överlevt. Tillfälliga skulpturer i ett brett utbud av snabba och billiga material som papier-mache och limförstyvad tyg producerades i påkostade mängder som dekorationer för parader under festivaler och högtider som bröllop; på 1500-talet finns dessa ofta nedtecknade i tryck. En reliefpanel av Jacopo Sansovino för dekorationerna för påven Leo X :s triumferinträde (en medeltida och renässansuppsättning av festligheter) i Florens har överlevt, trots att den är i lera och " linne förstyvat med storlek ", allt monterat på träskivor ; det är ett verk av högsta konstnärliga kvalitet. Jacopo della Quercia (d. 1438) gjorde ett ryttargravmonument för en kyrka i Siena med hjälp av "trä, ek och släp ", som föga överraskande inte har överlevt.

En ny och distinkt genre av tillfällig skulptur för storslagna festligheter var sockerskulpturen . Socker importerades regelbundet till Europa i mitten av 1400-talet, när Madeira och Kanarieöarna bosattes från Europa, och socker odlades där, som mestadels importerades genom Italien. Efter detta svepte en "alltätande passion för socker ... genom samhället" eftersom det blev mycket mer lättillgängligt, men till en början fortfarande mycket dyrt. Genua , ett av distributionscentra, blev känt för kanderad frukt, medan Venedig specialiserade sig på bakverk, godis (godis) och sockerskulpturer. Socker ansågs då vara medicinskt nyttigt.

En fest som gavs i Tours 1457 av Gaston de Foix inkluderar det första detaljerade omnämnandet av sockerskulpturer, eftersom den sista maten som togs in var "ett heraldiskt menageri skulpterat i socker: lejon, hjort, apor ... var och en håller i tassen eller näbben den ungerske kungens vapen" (festen var för att hedra en ungersk ambassad). Andra inspelade storslagna högtider som bröllopsbanketter under decennierna efter inkluderade liknande stycken. Både bröllopet av Ercole I d'Este, hertig av Ferrara 1473 och hans dotter Isabella d'Estes bröllop 1491 avslutades med processioner som bar in skulpturer. År 1491 bar 103 män in "tigrar, enhörningar, bucentaurer , rävar, vargar, lejon ... berg, dromedarer, ... slott, saracener ... Herkules som dödar draken ..." tydligen anpassade för varje gäst; "skulptörer från Mantua , Padua och Venedig togs in för att göra dem efter mönster av hovmålare".

Ursprungligen tycks vissa skulpturer ha ätits i måltiden, men senare blir de bara bordsdekorationer, den mest utarbetade kallas triomfi . Det är känt att flera betydande skulptörer har producerat dem; i vissa fall överlever deras preliminära ritningar. De tidiga var i farinsocker, delvis gjutna i formar, med sista handen snidade; då kan förgyllning eller färg läggas till. Så småningom, på 1700-talet, utvecklades porslinsfiguren som en permanent form av imitation av sockerskulpturer; till en början placerades dessa även runt matbord.

Färgad skulptur

Målning, som ofta nu tagits bort efter att det blivit fjällande, var vanligt om inte vanligt på trä och terrakotta, men redan ovanligt på sten och metall på 1400-talet. När det användes på dessa material var det i allmänhet diskret. Några av marmorporträttbysterna av Lariana behåller sin polykroma finish; andra har antingen aldrig haft det eller fått det borttaget. Efter 1500 föll färg alltmer från mode; utgrävda klassiska skulpturer hade det inte, men om de ursprungligen var färgade är en annan fråga. Inflytandet från Michelangelo, "som avbröt ytliga attraktioner för att förmedla en idé enbart genom formen" var en annan faktor.

inställningar

Kyrkor och gravar

I Italien hade skulptur i kyrkor alltid funnits till stor del inne i byggnaden, till skillnad från länder norr om Alperna. Ett sällsynt italienskt undantag var katedralen i Milano , byggd från 1368 med ett stort antal nischer och höjdpunkter för hundratals statyer, vilket tog hela perioden att fylla; de flesta var för höga för att skulpturen skulle synas mycket tydligt. Ett annat undantag var det närliggande Certosa di Pavia , ett kloster planerat som den dynastiska begravningsplatsen för Visconti-hertigarna av Milano , som efterliknade andra sådana platser norr om Alperna, som började 1396 men inte avslutades förrän drygt ett sekel senare.

I Florens katedral har skulpturerna på huvudfasaden runt "Porta della Mandorla", uppkallad efter den mandelformade mandorlan eller auriolen runt Jungfru Maria i Nanni di Bancos höga relieftympanon (på plats 1422), en komplicerad historia , som involverar många skulptörer och stilar. Det fanns tre kampanjer, som var och en varade i flera år, mellan 1391 och 1422, och flera förändringar efter det, inklusive en stor 1800-talsutbyggnad av skulptur till de högre nivåerna. En liten relief av en naken Hercules (som representerar styrkan av Fortitude) bland prydnadsväxter på sidan av dörröppningen "har länge varit känd som en milstolpe för studien av naken i den tidiga renässansen"; skulptören är osäker. Både Donatellos första marmor och Michelangelos figurer av David var ursprungligen avsedda för katedralens taklinje, men den förra insågs vara för liten för att se ordentligt, därav den senares stora storlek, men detta i sin tur kändes igen när den var färdig som alltför tung för positionen och gick med i Donatello på Piazza della Signoria .

Inuti kyrkor blev de rikas gravmonument allt större, till en början med stora men ganska grunda ramar runt den avlidnes bild, som i motpåven Johannes XXIII:s grav i Florens, för att sedan på 1500-talet ibland expandera till mycket stora grupper av skulpturer, som kulminerade i Michelangelos grav av påven Julius II , arbetade på mellan 1505 och 1545, men bara delvis realiserade. Den nya Peterskyrkan började fyllas med stora påvliga gravar , en trend som bara ökade under den följande barockperioden. I Venedig, Santi Giovanni e Paolo, har Venedig gravarna för 25 doger , och i Republiken Florens blev Santa Croce-kyrkan "i slutändan en florentinsk sorts Westminster Abbey ", med stora gravar för ledande personer, inklusive Michelangelo och Galileo , gjorda till stor del på statens bekostnad.

Till en början följde figurer av de avlidna på gravar det vanliga (men inte oföränderliga) traditionella mönstret av en "liggande bild", som låg med slutna ögon, men mot slutet av 1400-talet började de visas som levande. I påvarnas fall var den första graven för påven Innocentius VIII (d. 1492), där Antonio del Pollaiuolo hade både en liggande bild nedan och en sittande figur med en arm upplyft i välsignelse ovanför. Det är så monumentet nu ser ut, efter att det flyttats till Peterskyrkan, men ursprungligen var dessa positioner omvända. Nästa som inkluderade någon figur var Michelangelos grav av påven Julius II , som började 1505 under hans livstid. Detta hade påven liggande på sidan med huvudet höjt. Från och med påven Leo X :s (d. 1521) grav blev sittande figurer vanliga när någon figur ingick.

Medborgerlig stolthet

Städer ville öka sin prestige genom att ha kända skulpturensembler på offentliga platser och var ofta beredda att spendera överdådigt för att uppnå detta. Den mest framstående var utan tvekan gruppen av statyer som inte är relaterade till Piazza della Signoria i centrala Florens, framför Palazzo Vecchio , säte för republikens regering. Loggia dei Lanzi är en öppen arkad på piazzan som byggde upp en samling av enastående statyer, mestadels på 1500-talet, när Perseus med Medusas huvud av Benvenuto Cellini och våldtäkten av de sabinska kvinnorna av Giambologna anslöt sig till gruppen.

En annan florentinsk medborgerlig skulptur var Orsanmichele , en byggnad som skråen ägde tillsammans och användes för olika ändamål. Interiören hade fått ett stort tabernakel av Orcagna , troligen som ett votivoffer för slutet av digerdöden på 1360-talet. Bottenvåningen hade ursprungligen varit öppen och användes som handelshall och mötesplats, men år 1380 hade utrymmena mellan de yttre pilastrarna murats upp, och bottenvåningen var gillens kyrka (fortfarande med kontor ovanför, nu är dessa museet med de ursprungliga statyerna). Det fanns redan en plan för vart och ett av skråen att placera en staty på en pilaster, men bara en hade gjorts då. I slutet av århundradet återupplivades schemat, och den tidigaste av statyerna som fanns på plats tills de ersattes av kopior i modern tid är daterad 1399, den senaste 1601. Men det var en explosion av aktivitet mellan 1411 och 1429. Höjden av nischerna, på en livlig gata, var bara några meter ovanför förbipasserande. Förseningen orsakades av skråens utvidgning, men har resulterat i en rad verk, av dåtidens ledande skulptörer, som på ett utmärkt sätt visar utvecklingen av den florentinska stilen, och särskilt tvärströmmarna inom den under åren innan. 1430. De flesta av statyerna är av skyddshelgonen för varje skrå. Det finns 14 statyer eller grupper, två av Donatello, två av Ghiberti, och Kristus och St Thomas av Verrocchio (färdig ca 1480). Ghibertis Saint John the Baptist (1412) var den tidigaste av de sex i brons, fortfarande mycket i internationell gotisk stil.

Fontäner

Offentliga fontäner, från vilka den stora majoriteten av befolkningen tog vatten för hushållsbruk, var en viktig del av den lokala förvaltningen, på vilken stadsstyrelserna bedömdes. De på stora torg var tvungna att låta många människor dra vatten på en gång; sprutande jetstrålar förväntades inte förrän på senare 1500-talet, men det var lätt tillgång till en kontinuerlig tillförsel av bra vatten. Några stora tidiga fontäner lindades runt med reliefpaneler, som urrenässansen Fontana Maggiore i Perugia , av Nicolo Pisano och andra (främst 1270-talet), och Fonte Gaia i Siena, den nuvarande versionen av Jacopo della Quercia (1419, reliefer nu ) ersatt av repliker).

Senrenässansexempel inkluderar Neptunusfontänen, Bologna av Giambologna (1566) och Neptunusfontänen, Florens ( Bartolomeo Ammannati och andra, färdigställd 1574). Dessa ser fram emot barockfontäner; var och en överträffas av en stor staty av guden. Då fick de rikaste privata trädgårdsfontänerna skulpturala miljöer nästan lika extravaganta. Giambolognas Simson Slaying a Philistine , nu i London, gjordes för en Medici-trädgårdsfontän.

Porträtt

Skulpterade porträtt hade mestadels varit begränsade till gravmonument, men under perioden kom de fram i en mängd olika storlekar och material. Italienarna blev mycket medvetna om den romerska inställningen att att ha en offentlig staty av sig själv nästan var det högsta märket av status och anseende, och sådana statyer, helst monterade på en pelare, förekommer ofta i målningar av idealiska städer, mycket oftare än de någonsin gjorde i verkligheten. Stående porträttstatyer av samtida individer förblev mycket sällsynta i Italien fram till slutet av perioden (ett undantag är Johannes av Österrike i Messina , 1572), men Leone Leoni och hans son Pompeo, hovkonstnärer till de spanska habsburgarna, gjorde flera i brons för dem.

Ryttarstatyer

Det yttersta uttrycket för rykte, reserverat för härskare och generaler, var en ryttarstaty i full storlek ; Romerska exempel överlevde i ryttarstatyn av Marcus Aurelius i Rom och Regisole i Pavia (nu förstörd). Det fanns styva gotiska prekursorer i marmor vid Scaliger-gravarna i Verona , och en av Bernabò Visconti i Milano av Bonino da Campione (1363). Ett antal tillfälliga gjordes för festligheter, men mycket få i brons under renässansen. Formens attraktion visas av två fiktiva statyer målade i fresk i Florens katedral: den för Sir John Hawkwood ( Paolo Uccello , 1436) ligger bredvid den för Niccolò da Tolentino ( Andrea del Castagno 1456).

Liksom freskoimitationerna var båda de två första riktiga bronserna av condottiere eller legosoldatgeneraler, ryttarstatyn av Gattamelata i Padua av Donatello (1453) och ryttarstatyn av Bartolomeo Colleoni , som startade av Andrea del Verrocchio på 1480-talet, men avslutades på 1480-talet. en annan efter hans död. Precis i slutet av perioden, långt efter att Medici hade förvandlat sig till storhertigar av Toscana , och den republikanska känslan ansågs ha tystnat tillräckligt, gjorde Giambologna två åt dem, Cosimo I de' Medici (1598) på Piazza della Signoria och 1608 Ferdinand I.

Ett av renässansens stora oavslutade projekt var Leonardo da Vincis Sforza - häst , ett ryttarporträtt av Francesco I Sforza i överdimensionerad storlek för hans son Ludovico il Moro , båda hertigarna av Milano, som ursprungligen var tänkta att fostra upp, men när detta visade sig vara för ambitiöst, planerat med en "gånggång". Leonardo hade tränat i verkstaden hos Andrea del Verrocchio, vid den tidpunkt då hästen till Colleoni-monumentet tillverkades. Han tilldelades projektet 1489, och under vintern 1492-93 hade han färdigställt en fullskalig lermodell, som visades upp med stor hyllning i Milanos katedral för bröllopet mellan Bianca Maria Sforza och Maximilian I, den heliga romerska kejsaren . Han kan ha gjort formen, eller delar av den, men i slutet av 1494 beslutade Ludovico att han behövde den stora mängd brons som han hade samlat ihop till statyn för kanoner istället, med tanke på den tur som togs av det första italienska kriget , som började det året. När fransmännen slutligen ockuperade Milano 1499, skadades lermodellen svårt av att franska bågskyttar använde den som mål. Endast ett antal teckningar och några små vaxmodeller av osäkert författarskap finns kvar.

• 

  Fresk av Niccolò da Tolentino , Andrea del Castagno 1456

• 

  Ryttarstaty av Bartolomeo Colleoni , startad av Andrea del Verrocchio på 1480-talet, Venedig

• 

  Leonardo da Vinci , Studie för Sforza-hästen (första designen)

• 

  Giambologna , Cosimo I de' Medici , 1598, Piazza della Signoria, Florens

Axelbyster

En typ av bystporträtt avskuren under axlarna dök upp, uppenbarligen för att placeras i de relativt privata miljöerna i familjepalatset . Detta verkar ha påverkats av formen på några medeltida relikvier och tillfälliga begravningsbilder, och kanske romerska "fönster"-reliefporträtt av gravar som 1:a århundradet e.Kr. Gravrelief av Publius Aiedius och Aiedia , en "vernacular" stil som används för frigivna och businessklassen. Den visade också en liknande syn på porträttmålningens framväxande form, men i naturlig storlek och i tre dimensioner. Donatello använde också formatet för ett bronshelgon på 1420-talet. Det tidigaste daterbara porträttexemplet i marmor är en byst från 1453 av Mino da Fiesole av Piero di Cosimo de' Medici , som är "stel och spänd, som vi kan förvänta oss av en ung skulptör som blev ombedd att göra något obekant", speciellt för den de facto härskaren över Republiken Florens . Vasari säger att bysten placerades över dörren till Pieros rum i Palazzo Medici , då fortfarande under konstruktion. Det fanns ett matchande porträtt av hans fru Lucrezia Tornabuoni , nu förlorad eller ospårad.

Mino gjorde ett antal liknande byster, och artister som Antonio Rossellino och Benedetto da Maiano tog upp formen, den senare tog en "livmask"-form, förmodligen i vax, att arbeta efter. Tidiga ämnen omfattade en läkare och en apotekare, samt den högsta eliten. I ett fall överlever bankiren Filippo Strozzi den äldre (som också gav Benedetto i uppdrag att designa Palazzo Strozzi ), både en terrakottamodell och en mer idealiserad marmorbyst.

Benedetto använde också formatet i helt polykrom terrakotta, som hade använts för en byst tillskriven Donatello av politikern Niccolò da Uzzano (d. 1431), troligen postum, gjord med en dödsmask . Detta skulle göra det väldigt tidigt. Under nästa århundrade gjordes målade terrakottabyster av Lorenzo de' Medici , förmodligen långt efter hans död. Han visas bär den ganska gammaldags och medelklass cappucchio huvudbonader , som ett politiskt uttalande.

Pietro Torrigiano gjorde en byst av Henrik VII av England , förmodligen postum från en dödsmask, och han eller Mazzoni en av en glad pojke antogs vara den framtida Henrik VIII under hans vistelse i England. En annan mycket rest skulptör, Francesco Laurana föddes i Venetianska Dalmatien , men arbetade mestadels i Neapel, Sicilien och södra Frankrike, med några osäkra perioder i karriären. På 1470-talet, relativt sent i karriären, började han tillverka axelbyster av ganska lika utseende och något idealiserade damer i marmor, några med polykroma.

Under högrenässansen hade den flatbottnade axelbysten fallit från nåd, och rundade bottnar i klassisk stil som satt på en sockel föredrogs, vilket fortfarande är fallet.

Medaljer

Med några prejudikat några decennier tidigare, uppfanns renässansens porträttmedalje effektivt av Pisanello . En ledande målare för domstolar runt om i Italien, dessa verkar vara hans enda skulpturer. Den tidigaste är förmodligen hans medalj av den bysantinske kejsaren Johannes VIII Palaeologus , som Pisanello såg när han besökte Italien 1438 . I brons, dubbelsidigt och 10,3 cm (4,1 tum) tvärs över, är detta som ett avsevärt förstorat mynt, och satte en konvention som normalt följdes genom att ha ett porträtt recto och en annan scen på verso .

Det blev vanligt att ha ämnets impresa eller personliga emblem på baksidan, med ett motto. Dessa hade blivit viktiga, inte bara för härskare, utan för alla med anspråk på att vara en renässanshumanist , de grupper som mest sannolikt kommer att beställa medaljer. Mottonen blev allt mer abstruerade pussel för mottagaren att begrunda, som ett "medvetet lärorikt uttalande om sittarens identitet". Medaljer producerades i små upplagor, och ibland användes olika metaller, för mottagare av olika status (se ovan). De samlades intensivt in för det framväxande kuriosakabinettet och blev en användbar form av reklam för intellektuella som sökte beskydd. Pisanello lät göra en medalj av sig själv av en kollega, och senare medaljörer gjorde ofta medaljer med självporträtt.

Den högre kvaliteten på modelleringen av medaljer höjde ribban för den konstnärliga kvaliteten på mynten, särskilt de mest prestigefyllda guldutgåvorna. I det medeltida Italien (till skillnad från England) hade det inte varit vanligt att ta med ett porträtt av härskaren, men i renässansprofilen blev porträtt vanliga för furstliga stater, vilket återupplivade den kejserliga romerska stilen. Konstnärerna är vanligtvis oinspelade, men var nog ofta utmärkta; Benvenuto Cellinis självbiografi nämner en som han modellerade för Alessandro de' Medici, hertig av Florens , som är identifierbar.

Medaljer till minne av händelser snarare än individer kom oftast nära slutet av denna period, men en gjordes omedelbart för misslyckandet med Pazzi-konspirationen mot Medici 1478; "dess narrativa innehåll är utan motstycke". De två sidorna är nära spegelbilder, med huvudena på de två bröderna Medici, Lorenzo som rymde och Giuliano som mördades. De reser sig över katedralens körskärm, där mördarna slog till under mässan.

• 

  Pisanello, Ludovico Gonzaga , 1447, omvänd

• 

  Lisisppo il giovane, självporträttsmedalj, 1475–80

• 

  Medalj av Pazzi-konspirationen , med Lorenzo , 1478, Bertoldo di Giovanni

• 

  Guldmedalj av drottning Mary I av England , 1555, Jacopo da Trezzo  [ it ]

Liten skulptur

Bronsstatyetter var mycket sällsynta under medeltiden, praktiskt taget begränsade till kungligheter, men från omkring 1450 blev de alltmer populära, för en rik samlarmarknad. Samlare av sekulära sådana var mestadels män och ämnena speglar manlig smak. Hästar var extremt populära, med krigare, mytologiska figurer eller personifieringar också vanliga; nakenhet hos båda könen blev vanligare under 1500-talet. Särskilt på 1500-talet valdes troligen motiven för dessa verk av skulptören för att producera för försäljning, snarare än att beställas som den stora majoriteten av större skulpturer. Marknadssmak måste dock ha varit ett övervägande.

Många var reducerade versioner av större kompositioner. De var avsedda att uppskattas genom att hålla och vända i händerna av samlare och deras vänner, när de bästa "ger en estetisk stimulans av det där ofrivilliga slaget som ibland kommer av att lyssna på musik", säger John Shearman och pratar om Giambolognas små figurer. Nu finns de flesta på museer. Den här typen av uppskattning är knappast möjlig, och "smakomvändningar" har gjort att dessa "ypperligt konstgjorda" föremål inte är så populära.

Ämnen på plaketter var förmodligen också konstnärernas val. Även om de var mycket små, tillät de den sortens komplicerade actionkompositioner med flera figurer som beställningar sällan krävde, och som artister som hade sett senromerska sarkofager attraherades. Både statyetter och plaketter producerades i allmänhet i små upplagor av flera exemplar, och några plaketter gjordes i en serie som visade olika avsnitt från en berättelse. Många formades för att användas som fästen för svärdsfästen och andra föremål, och några lånade sina kompositioner från tryck. Vissa stora konstnärer, eller deras verkstäder, gjorde plaketter, men många konstnärer verkar inte ha varit inblandade i större skulptur.

Inom dessa genrer var Florens inte dominerande som det var för större skulpturer, och Padua var omkring 1500 det största centrumet, efter att ha haft en stark bronsgjutningstradition sedan Donatellos år där. Ledande Paduanska konstnärer inkluderade Donatellos elev Bartolommeo Bellano och hans elev Andrea Riccio . Pier Jacopo Alari Bonacolsi , känd som "Antico", var baserad i Mantua , och producerade mestadels eleganta klassiska figurer, ofta med förgyllda höjdpunkter, för familjen Gonzaga .

Den graverade ädelstenen , en liten form av hårdstenssnideri , hade varit ett populärt föremål att samla in för forntida romare, inklusive Julius Caesar , och ett antal antika exempel hade införlivats i medeltida juvelförsedda föremål som Lothairkorset . I synnerhet hade kejserliga porträttkaméer som Gemma Augustea en enorm prestige, och renässansens eliter var mycket angelägna om att ha sina egna likheter i formen. Vissa plaketter kopierar, eller är till och med gjutna från, antika graverade ädelstenar, särskilt från Medici-samlingen.

På 1500-talet utvecklade venetianska skulptörer "en genre av storslagna hushållsföremål i brons" för patriciernas palats och villor, ofta inkluderade figurer bland den rika dekorationen. Dessa inkluderade ljusstakar, dörrknackare och andirons . Andrea Riccios och senare Girolamo Campagnas verkstäder var framträdande i detta område, men det är oklart vilka som skapat många föremål.

• 

  Hercules and the Nemean Lion , Galeazzo Mondella  [ it ] (Moderno), ca. 1500, plakett i förgylld brons

• 

  Paris med sitt äpple , statyett av Antico, ca. 1500-05, 14 5/8 tum (37 cm) hög

• 

  Andrea Riccio , oljelampa med putti , Padua, 1515-25

• 

  Andiron frontar med Venus och (?) Mars. Design av Girolamo Campagna , möjligen gjord på 1600-talet. 44 1/2 tum (113 cm) hög

Workshops

De flesta skulptörer utbildade sig och arbetade i ganska små verkstäder ( bottega ), som ofta inkluderade andra familjemedlemmar, och låg på bottenvåningen i mästarbostaden. Stora uppdrag krävde ofta samarbeten mellan olika verkstäder och resor till platsen för arbetet under längre perioder. Den största ganska stabila verkstaden från 1400-talet var förmodligen Ghibertis, men Donatello hade ett stort antal assistenter, många under korta perioder. Figuren av "den isolerade enda mästaren som ansvarar för utförandet av verket såväl som för designen, som vi tänker på Michelangelo, uppstod inte förrän" i slutet av 1400-talet. Flera betydande skulptörer arbetade i olika städer under sin karriär; Rom och Venedig i synnerhet importerade de flesta av sina skulptörer, Rom ibland för ett enda stycke.

Ett vanligt sätt att betala för skulptur var att betala ett visst belopp allt eftersom arbetet fortskred, men att överlåta den slutliga värderingen till "ointresserade tredje parter, vanligtvis konstnärer själva, som ombads uttala sig om kvaliteten på utförandet" och hitta det slutliga värdet . Detta, trots några svåra episoder, var "ett kraftfullt incitament till noggrant utförande".

År 1472 hade Florens 54 verkstäder som ristade sten och 44 guld- och silversmeder, båda fler än de 30 målarverkstäderna. Det fanns fler träsniderare än slaktare i staden. Men staden var otypisk, med kanske den högsta koncentrationen i Italien, som då bara konkurrerade med Venedig; däremot hade Neapel och södra Italien i allmänhet få konstnärer. Stora projekt i Neapel, som triumfingången till Castel Nuovo och Porta Capuana , designades och utfördes av konstnärer från norr, eller under Alfonso V av Aragon , kungen av Neapel från 1442 till 1458, hans hemland Spanien.

Många skulptörer arbetade också som arkitekter, då inte ett klart avgränsat yrke, eller målare, och de med bakgrund inom guldsmide fortsatte ofta att ägna sig åt andra delar av det yrket, tillverka smycken och agera bankirer. Skulptörer, om inte från en familj av konstnärer, som många var, kom vanligtvis från medelklassens urbana bakgrund. Betalning eller familjeband var oftast nödvändigt för att få en lärlingsplats, särskilt som guldsmed. Leonardo da Vinci var en av dem som betraktade skulptur som en mindre gentlemansysselsättning än måleri, eftersom den var "dammig, smutsig och fysiskt utmattande". Men ekonomiskt var det kanske vanligtvis mer givande. Bitar bearbetades kanske vanligtvis med stöd i en diagonal position, medan skulptören satt, som visas i reliefen av Andrea Pisano . Förutom mejseln han använder visas en kompass, borr och en bok, och verket han håller på med är en nakenstaty i klassisk stil.

Kvinnliga skulptörer

Även jämfört med målare är inspelade kvinnliga skulptörer försvinnande sällsynta, även om många förmodligen är oregistrerade, särskilt modellerare i vax. Properzia de' Rossi från Bologna (ca 1490-1530), "Renässansens Italiens enda kvinnliga skulptör i marmor", betraktades som ett underbarn för att vara kvinna, och fick en biografi i Vasari Lives . Ovanligt för kvinnliga konstnärer, som dotter till en notarie hade hon ingen uppenbar familjebakgrund inom konsten. Hon sades ha varit självlärd och övat på fruktstenar, men gjorde senare en professionell karriär med att skulptera marmor. Diana Scultori (1547–1612) från Mantua är känd som "den enda kvinnliga gravören på 1500-talet som signerade sina tryck", men utbildade sig hos sin far, som var grafiker och skulptör, och hon kan ha arbetat med skulptur.

Skrån

De skrån som skulptörer behövde ansluta sig till i de flesta städer var ofta uppdelade efter de material som användes, på sätt som ibland hämmade utvecklingen av konsten. Stenristare, guldsmeder, arbetare i andra metaller och träsniderare tillhörde ofta olika skrå, även om terrakotta ofta saknade ett skrå. Skrån var särskilt starka och politiskt mäktiga i Florens, medan de i Rom och mindre städer var mestadels svaga. Deras inflytande minskade avsevärt under perioden. I Florens delade sten- och trähuggare Arte dei Maestri di Pietra e Legname ("Mästarnas skrå i sten och trä", ett av Arti Mediane eller mellanrangerande skrån), och på 1500-talet fick de så småningom ansluta sig målarna i deras Compagnia di San Luca, strikt ett brödraskap snarare än ett skrå fram till 1572. De florentinska metallarbetarna var en del av Arte della Seta , det kraftfulla sidenskrået, ett av Arti Maggiori eller "stora skrån". Även om de var mäktiga, var skråen i Florens mer accepterande än många mindre städer med "utländska" konstnärer från andra städer som praktiserade där, kanske för att så många florentinska mästare själva arbetade någon annanstans.

Beskyddare

Florens skrå var också mycket viktiga beskyddare, åtminstone fram till slutet av 1400-talet, och betalade ofta för nytt arbete i kyrkor, som dörrarna till dopkapellet i Florens och katedralens Porta della Mandorla (se båda nedan). Privata uppdrag var också mycket ofta för gillemedlemmar; det rikaste skrået, bankirerna ( Arte del Cambio  [ it ] ) inkluderade många av Medici och Strozzi . i ). För bankirer var det ett ytterligare motiv att försona synden att bruka genom generösa bidrag till religiösa och medborgerliga institutioner.

I de många monarkiska furstestaterna i Italien var härskaren den främsta beskyddaren, och de spenderade ofta överdådigt för att förhärliga sig själva: Milano, Rimini , Ferarra , Urbino är exempel, men ingen matchade Medici efter att de blev storhertigar av Toscana 1531, och ville främja sin nya status. Efter att påvarna återvänt från fångenskapen i Avignon 1376 fanns det alltid en viss nivå av påvligt beskydd, om så bara för gravar, men detta varierade avsevärt med den enskilda påven (vilket också var fallet med furstar). Förutom två från den spanska familjen Borgia (inte heller stora beskyddare av skulptur), kom påvarna från 1431 till 1503 från norditalienska familjer och var utan tvekan vana vid samtida skulptur. Jubileumsåret 1450 inledde ett program för stadsförnyelse i Rom, som inkluderade att man använde uppdatering eller restaurering av kyrkor, inklusive deras skulptur, "som fröbäddar kring vilka återuppbyggnaden av hela kvarter av staden kan utvecklas".

Påvlig skulptur för deras palats och gravar ökade enormt under 1500-talet under påven Julius II , Leo X och Clement VII , de två sista var Medicis. När motreformationen utvecklades blev det påvliga beskyddet mer varierande. Kardinaler var ofta påkostade beskyddare, mestadels i och runt Rom.

Under renässansens gång utvecklades smaken och fickorna hos de mindre medlemmarna av eliten, i adeln, patricierna och rika bankirer och konsthandlare i de senaste stilarna och spred sig allt längre ner i den sociala skalan. Omkring 1500 var axelbyster (se nedan) ibland "billiga minnesmärken gjorda av terrakotta bildade av en avgjutning av en dödsmask som tillförde helter-skelter till grovt modellerade bröst och axlar".

Utveckling av stil

Till 1400

Särskilt på 1400-talet var reliefer, till skillnad från skulptur i omgången , en mycket större andel finskulptur än vad som varit fallet senare. Moderna tittare är därför relativt ovana vid formen och benägna att förbise dem. Tills Laocoön-gruppen grävdes upp i centrala Rom 1506, var de mest dramatiska och atletiska poserna i kända romerska skulpturer trånga reliefer på senromerska sarkofager , medan de kända statyerna var nästan alla värdiga men ganska statiska stående porträtt.

Nicola Pisano (aktiv ca, 1240-talet till 1278) var den ledande skulptören av vad Erwin Panofsky kallade "den klassiska proto-renässansen". Hans stora verk var uppsättningar av reliefer , särskilt de på de stora upphöjda predikstolarna i baptisteriet i Pisa (daterad 1260) och Sienas katedral . Han hade en stor verkstad, inklusive sin son Giovanni Pisano , och de många skulpturerna på den stora fontänen i Perugia (1277–1278) var förmodligen designade av Nicola, men mestadels snidade av dem. Hans större paneler visar trånga scener, ibland kombinerar scener i en enda komposition, till exempel Kristi bebådelse och födelse vid dopkapellet i Pisa; de flesta skildringar vid denna period skulle ha visat två scener i olika fack. Pisanos ungdom i sitt hemland Apulien längst i södra Italien passerade när Fredrik II, den helige romerske kejsaren regerade, och bodde mest där, vilket främjade en romersk väckelse inom konsten. Pisano är tydligt influerad av studier av antika romerska sarkofager .

Nicolas son Giovanni Pisano tog över sin fars verkstad på 1280-talet och var mycket mer mottaglig för gotisk stil än sin far. Under nästa århundrade återfanns gotiska och klassiska influenser tillsammans i många stora verk, ibland i strid. På 1380-talet växte "en kraftfull rörelse" fram i flera delar av Italien som satte grunden för nästa århundrades stilar. Men 1390-talet "började också en gotisk vågs apogee i Toscana" i internationell gotisk stil; den stora "Porta della Mandorla" i Florens katedral, sponsrad av Arte della Lana eller ullvävarskrået, som många skulptörer bidragit till, visar denna komplexa bild.

Från 1400

Dörrar till dopkapellet i Florens

Vintern 1400–1401 tillkännagav Arte di Calimala eller tyghandlarskrået att det skulle hållas en tävling för design av ett nytt par bronsdörrar för östra sidan av Florens dopkapellet (nu flyttat till norra sidan), vilket de betalade för. En faktor i tidpunkten kan ha varit de framsteg som gjorts på katedralens skulptur, betald av ett rivaliserande skrå. Att ha en tävling var ovanligt, men uppdraget var extremt framstående. Från många ansökningar valdes en kortlista med sju skulptörer, alla toskanska men inte alla florentinare. Dörrarna skulle ha ett typiskt format med 28 figurativa paneler i brons, sju rader i två kolumner på varje dörr. Kortlistan ombads att tillhandahålla modeller för en reliefpanel inom en quatrefoil- ram som levererades, som matchade dem på de befintliga södra dörrarna av Andrea Pisano (startad 1329). Ämnet var Isaks offer (aldrig använt i själva verket, eftersom programmet ändrades till att endast visa Nya testamentets ämnen). Det var en jury på 34, de flesta artister. Mycket oväntat förklarades vinnaren vara Lorenzo Ghiberti , då bara 22 år gammal.

Två av rättegångsrelieferna överlever, de av Ghiberti och tvåan, Filippo Brunelleschi , också i hans tidiga 20-årsåldern. Juryn fann det mycket svårt att bestämma sig mellan dem och föreslog att de två skulle samarbeta, men Brunelleschi avböjde, och efter detta nederlag vände sig allt mer till arkitektur. Beslutet var hårt, och tvisten fortsatte att orsaka dålig känsla i många år. Båda kompositionerna speglade medvetenhet om de senaste florentinska stilarna, antik skulptur och den norra internationella gotiken; valet stod på inget sätt mellan nya och gamla stilar. Ghibertis figurer är mer effektivt integrerade med landskapsbakgrunden. I Ghiberti "är stämningen mycket mildare" än Brunelleschis "starka, stoiska tolkning". Ghibertis Isaac var en idealiserad naken, med "antydan om en rörande stum och barnliknande hjältemod inför oförklarlig undergång", även beskriven som "den första verkligt nakenfigur från renässansen; i den blandas och sublimeras naturalism och klassicism av en ny vision om vad en människa kan vara”.

Ghiberti var tvungen att etablera ett gjuteri och utöka sin verkstad, som kom att omfatta cirka 25 personer, inklusive Donatello, Michelozzo , Paolo Uccello och Masolino . De första dörrarna hängdes inte upp förrän 1424, och året därpå beställde skrået ytterligare en uppsättning av honom, de så kallade "Paradiseportarna" (efter en anmärkning av Michelangelo). Den här gången var det ingen konkurrens, men det fanns ett gap på några år innan arbetet startade; all huvudgjutning tycks vara gjord 1436, men de var inte färdiga förrän 1452. Denna gång finns det bara tio större huvudpaneler, fem höga på varje dörr. De är fyrkantiga och helt hellre än delvis förgyllda . Figurerna är inte större, utan utspelar sig i perspektivlandskap eller stadsbilder. Olika nivåer av relief används på ett mästerligt sätt för att koncentrera betraktarens blick på de viktigaste elementen.

• 

  The Sacrifice of Isaac , Brunelleschis provstycke för de norra dörrarna till Florence Baptistery - tävlingen, 1401

• 

  The Sacrifice of Isaac , Ghibertis vinnande pjäs för 1401 års tävling

• 

  Gates of Paradise , Baptistery, Florens , dörrarna på plats är reproduktioner

• 

  Adam och Eva , från Gates of Paradise

• 

  Vinklad vy av en panel med berättelsen om Abraham från Paradisets portar

Donatello

Donatello , "den mest inflytelserika individuella konstnären på 1400-talet", började få betydande uppdrag omkring 1408, mestadels i marmor, och 1411 beställdes hans Sankt Markus för Orsanmichele. Under nästa halvsekel var han den viktigaste och mest uppfinningsrika skulptören i Italien, vilket förde renässansstilen till mognad. Hans arbete var alltid mycket uttrycksfullt för känslor, i en mängd olika stämningar, och under hans sista år tar detta ofta en mer intensiv vändning.

Han utvecklade en stil med mycket ytlig och delikat relief, kallad stiacciato , samtidigt som han utmärkte sig vid statyer, inklusive den utmanande första bronsryttare (se ovan). Hans andra, brons, David är välförtjänt en av periodens mest kända skulpturer och den första fristående nakenstatyn av renässansen. David , den bibliska jättemördaren, var en symbol för Florens, och en brons av Verrocchio var en annan Medici-kommission på 1470-talet, följt av Michelangelos berömda marmorstaty i början av nästa århundrade.

Donatello tillbringade cirka tre år i Rom (1430–33) med sin medarbetare Michelozzo , mer känd som arkitekt. Detta fördjupade hans förståelse för klassisk stil. År 1443 lämnade han Florens för Padua, för sin ridsport Gattamelata (se ovan), och grundade där en bronsgjutningstradition. Han var borta tio år, under vilka hans hårdare slutstil började utvecklas.

• 

  St George , marmor, för Orsanmichele , 1415-17

• 

  Brons David (1440-tal?), Bargello Florence, h.158 cm

• 

  Jungfru och barn , terrakotta

• 

  Ångerfulla Magdalena , trä, ca. 1455

Mitten av århundradet

Från omkring 1430 till 1480-talet fanns det ett anmärkningsvärt antal betydande skulptörer, som arbetade i personliga variationer av stilen etablerad av Ghiberti, Donatello och andra. Charles Avery beskriver som "de två olika skulpturala sätten under mitten av århundradet, den "söta stilen" av Ghiberti och den brutala expressionismen av Donatello, och noterar att Verrocchio "kunde blanda" de två.

Luca della Robbias första dokumenterade verk är ett sånggalleri eller kantoria i Florens katedral (1431–38) med reliefer av barn. Efter att Donatello återvänt från Rom fick han i uppdrag att göra en matchande (1433-40). Enligt Roberta Olsen, "medan Lucas fullkomligt söta, raffinerade figurer skapar en idealisk stämning, är Donatellos fritt uttrycksfulla putti ribbalda. De är skumma oortodoxa änglar ... Däremot kan Lucas återhållna figurer ... vara porträtt av riktiga barn. Hans anspelningar på antiken är hemliga medan Donatellos är uppenbara".

Med Donatello frånvarande i Padua från 1443–1453, dominerade den "söta stilen" den florentinska skulpturen under de kommande 25 åren, med den äldre Luca della Robbia , bröderna Bernardo och Antonio Rossellino senare sällskap av Andrea del Verrocchio som ledande figurer.

Förutom de som redan nämnts är Desiderio da Settignano (d. 1464, i mitten av trettiotalet) mindre allmänt känd, eftersom han dog mycket ung, och många av hans verk är relativt små religiösa reliefer, präglade av "delikatess" och "extrema subtilitet". Han producerade också flera porträtt av barn. En elev var förmodligen den oidentifierade mästaren av marmormadonnorna som fortsatte i sin stil i nästa generation.

Tempio Malatestiano i Rimini designades av Leone Battista Alberti , den ledande konstteoretikern för dagen, för Sigismondo Malatesta , stadens härskare som också var befälhavare för den påvliga armén, innan han blev "den enda levande person som offentligt skickades till helvetet av påven "(år 1460).

Det blev aldrig färdigt som planerat, men är fortfarande extremt viktigt arkitektoniskt, liksom att interiören har "den rikaste skulpturala utsmyckningen av någon renässansbyggnad" till 1449, då den första skulpturen tillkom. Både in- och utvändigt är skulpturen i en ganska låg relief, i band som löper vertikalt eller horisontellt på många ytor. Ämnet var ibland nyskapande, med kapell som nu kallas efter "de lekande barn", "planeterna" och "Konst och vetenskap", från reliefernas ämnen. Huvudansvarig verkstad var Agostino di Duccio ; en annan kan ha delat arbetet, kanske Matteo de' Pastis .

• 

  Luca della Robbias kantoria , nu Florens katedralmuseum

• 

  Detalj av Luca della Robbias kantoria

• 

  Detalj av Donatello cantoria

• 

  Desiderio da Settignano , Jesus och Johannes döparen , 1455-57

• 

  Filosofi , från Tempio Malatestiano , Rimini

Krisen på 1490-talet

I slutet av 1400-talet inträffade något av en kris inom skulpturen, särskilt i Florens. Efter omkring 1485 höll de traditionella källorna för stora uppdrag på att torka ut. Skulpturprojekten blev mindre, ofta bekostade av enskilda individer, framför allt Medici.

Den franska invasionen av Italien 1494 destabiliserade Italien och inledde en serie krig som 1559 ledde till att de spanska och österrikiska habsburgarna dominerade landet. Medici fördrevs från Florens 1494, för att senare återvända, och Ludovico hertig av Milano föll också 1499. Många konstnärer flyttade för att undvika striderna, inklusive Michelangelo, som tillbringade ett år i Bologna . Leonardos Sforzahäst var bara ett av de stora projekt som övergavs under dessa år. Den ambitiösa och stilistiskt avancerade graven av den franske generalen Gaston av Foix, hertig av Nemours (d. 1512) av Agostino Busti övergavs när fransmännen fördrevs från Milano. Figurerna och några färdigställda reliefer finns i Milano, och andra reliefer i Turin , med en ritning av den avsedda designen, och avgjutningar av de flesta delar, i London.

1500-talet

Michelangelo

På 1490-talet såg Michelangelos uppkomst som en exceptionell talang, som kulminerade i hans Pietà , som började 1498. I början av nästa århundrade började han sin David . Detta "etablerade Michelangelos rykte ... över hela Italien och ännu längre bort", och är fortfarande hans mest kända skulptur. Efter detta fick skulptörer av stora verk reagera på den enorma kraften i Michelangelos gestalter. 1504 fick Michelangelo det första av de enorma målningsuppdragen, för slaget vid Cascina (som aldrig avslutades), som skulle ta honom bort från skulpturen under en stor del av hans karriär och lämna många skulpturprojekt oavslutade. Men det är en vanlig om "felaktig teori" att detta var en avsiktlig preferens; istället orsakades det av hans perfektionism, vägran att delegera till assistenter och oförmåga att klara av de många kraven från hans mäktiga beskyddare. En stor bronsfigur av påven Julius II för Bologna förstördes också 1511 av staden.

Michelangelos unika teknik för att hugga statyer var att till en början skära in i bara en sida av blocket, snarare än att låta en assistent komma till figurens grova dimensioner på alla sidor, som andra skulptörer gjorde. När han gick framåt och sidovyer började dyka upp, började han skära in i sidorna av blocket. Denna teknik gav honom "utrymme för ständiga förändringar och revideringar av konturerna, och även positionerna", av alla delar som ännu inte uppnåtts. Men det krävde hans fulla koncentration under hela snidningsprocessen och uteslöt i praktiken användningen av assistenter, förutom för efterbehandlingssteg som polering. Hans flera ofullbordade skulpturer visar tekniken, men visar också de överdrivna krav tekniken ställer på honom.

Michelangelo blev först ombedd av påven att skapa påven Julius II:s grav 1505 och satte igång med att välja marmor, vilket tog flera månader. Men från 1508 till 1512 omleddes han till att måla taket i Sixtinska kapellet . Ursprungligen hade graven planerats som en fristående pyramidstruktur med många figurer, men efter påvens död 1513 undertecknades ett nytt kontrakt som specificerade att den stod mot en vägg. Arbetet fortsatte "spasmodiskt" fram till 1545, då "det där eländiga fragmentet som vi har av det ursprungliga schemat", med Moses och två andra statyer av honom, installerades i San Pietro in Vincoli , eftersom St Peter's var en byggnadsplats. Andra bitar finns på annat håll, de flesta ofullbordade. Den unga manlige naken Victory , med en vridande Figura serpentinata , som han lämnade i sin ateljé i Florens, var mycket inflytelserik på yngre skulptörer där. Däremot behandlades hans fyra "oavslutade slavar", nu i Louvren, "inte med den möjligen överdrivna vördnad som de nu hålls i", utan placerades i grottan i Boboli-trädgården .

Hans Medici-kapell , som först planerades 1520, hade en något liknande historia, men det som så småningom installerades (av Tribolo 1545) gör en mycket mer tillfredsställande ensemble, "ett av de mest berömda skulpturkomplexen i världen".

Manieristisk och senrenässansskulptur

Baccio Bandinelli , som enligt Vasari var besatt av rivalitet med både den lite äldre Michelangelo och den lite yngre Cellini, fick det mycket politiserade uppdraget för Hercules och Cacus på Piazza della Signoria, med hjälp av ett marmorblock som ursprungligen tilldelats Michelangelo. På den tiden och senare har det setts som ett misslyckat försök att efterlikna Michelangelo; Cellini beskrev hjältens kroppsbyggnad som att likna "en säck meloner", och författare av fientliga verser fängslades. Icke desto mindre höll sig Medici vid honom, i frånvaro av Michelangelo i Rom, och han fick de flesta av de stora uppdragen i Florens under flera decennier, trots att (liksom Michelangelo) hade en dålig erfarenhet av att slutföra verk.

Florentinska skulptörer som försökte förena influenserna från Michelangelo och mannerism var Niccolò Tribolo och hans elev Pierino da Vinci (brorson till Leonardo). Tribolos karriär omdirigerades till att hantera stadens vattenförsörjning och annat ingenjörsarbete, och några av hans bästa senare verk är fontäner för Medici-trädgårdar. Pierino var extremt begåvad, men dog vid 24 års ålder. Förutom statyer utvecklade han en mycket effektiv manneristisk reliefstil, något som hade gäckat Cellini, och där han inte hade några efterträdare.

Benvenuto Cellini utbildade sig till guldsmed i Florens och arbetade mestadels i metall, men lärde sig att snida marmor mycket bra. Tack vare hans självbiografi (som hittades först på 1700-talet) vet vi mer om honom än någon annan skulptör från perioden. Hans otvivelaktiga mästerverk är Perseus med huvudet av Medusa , 1545–1554, kanske alltid avsett för dess nuvarande framträdande position i Loggia dei Lanzi . Den "har den eleganta, ansträngande balansen som var kännetecknet för manneristisk konst".

Bartolomeo Ammannati var en begåvad skulptör, inte bäst representerad av hans mest framstående verk, den centrala figuren i Neptunusfontänen i Florens , där han efter en tävling tog över ett block som påbörjats av Bandinelli. Senare i livet, under inflytande av motreformationen , vände han sig mot nakenhet i offentlig skulptur och upphörde med arbetet. Vincenzo Danti , som också deltog i Neptunus- tävlingen, fann att han inte kunde tävla i Florens med Giambologna, och återvände till sitt hemland Perugia som stadsarkitekt och professor vid den nya akademin.

Florentinaren Jacopo Sansovino var från början en skulptör. Han arbetade i Rom, men efter plundringen 1528 reste han till Venedig, där han stannade. Han är främst ihågkommen som den viktigaste arkitekten under perioden där, och det är inte klart hur mycket av skulpturen på hans byggnader han utförde själv. Han arbetade nära med Alessandro Vittoria , som anses vara den viktigaste venetianska skulptören. Hans ganska svåra porträttbyster passade venetiansk smak.

• 

  Hercules och Cacus , Baccio Bandinelli , Piazza della Signoria, Florens

• 

  Restaurering av Pisa av Cosimo I de' Medici , av Pierino da Vinci

• 

  Vincenzo Danti , Halshuggning av Johannes döparen , 1570-talet

• 

  Alessandro Vittoria , byst av en venetiansk patricier, 1570-1600

Giambologna

Känd som Jean de Boulogne hemma i Douai , Flandern (nu i Frankrike), tränade Giambologna med en lokal skulptör som hade varit i Italien. Vid 21 tillbringade han två år i Rom och återvände norrut 1557 hittade han en beskyddare i Florens, som introducerade honom för hovet. Hans bidrag till Florens Neptunus- tävlingen 1560 var inte framgångsrik, men fick förmodligen myndigheterna i Bologna att bjuda in honom att göra sin Neptunusfontän, Bologna . Slutfört 1566 var detta hans största uppdrag hittills. Han återkallades kort från Bologna 1565 för att göra tillfälliga dekorationer för ett Medici-bröllop. Han producerade en modell i full storlek i gesso (gips) av Florens som triumferade över Pisa , som visades vid bröllopet. Marmorversionen gjordes senare, kanske av en assistent. Detta arbete introducerar hans intresse för "problemet att förena två figurer i en aktionsgrupp", som många senare verk fortsätter.

När hans karriär utvecklades visade han sig vara en duktig chef för en stor verkstad och en effektiv chef för uppdrag, vilket tillät sin stora produktion, mestadels i brons. Han arbetade alltid från modelli som hans verkstad ofta upprepade i olika storlekar. Hans eleganta vridna figurer klimax i hans marmor Rape of the Sabine (1579–85, en titel som han antog efter att verket var färdigt, från en väns förslag), som är utformad för att vara lika tillfredsställande sett från vilken vinkel som helst, som hans tidigare Merkurius var , balanserad på en fot (det finns fyra versioner).

Många av hans större statyer var ursprungligen för trädgårdar, ofta som mittpunkten i en fontän. Den enorma Apenninkolossen (1580-talet) ligger i trädgårdarna i Villa di Pratolino , en klassisk manéristisk trädgård full av skulpturer, grottor och automater, inklusive sådana som sprutade vatten på besökarna. Delvis inhuggen i en klippvägg, den är för stor för att flytta till ett museum, så den står kvar. Av andra konstnärer, Bomarzo-monstren , mestadels naturliga berghällar som är fantastiskt uthuggna, och trädgårdarna i Villa d'Este i Tivoli, Lazio är andra utmärkelser för maneristisk trädgårdsskulptur, båda mycket bättre bevarade än resten av Villa di Pratolino.

• 

  Neptunus fontän, Bologna , 1553–56

• 

  Florens triumferar över Pisa , modello in gesso (gips), för ett Medici-bröllop 1565

• 

  Stor bronsversion av Mercury ( Bargello )

• 

  Sabinens våldtäkt , 1579–85

italienare utomlands

I slutet av perioden distribuerade den reproduktiva tryckeriet tryckta bilder av italienska verk över hela Europa; antikviteter och målningar var de populäraste ämnena, men många renässansskulpturer kopierades. Men före omkring 1530 var den huvudsakliga exponeringen av utlänningar för italiensk renässanskonst fysiska rörelser av italienska konstnärer eller verk utomlands, eller utländska besökare till Italien. Många utländska konstnärer, särskilt nederländska, gjorde långa besök i Italien, vanligtvis tidigt i sin karriär, och tog tillbaka det de hade lärt sig till sina hemländer. Till exempel tros Giambolognas lärare Jacques du Broeucq ha tillbringat cirka fem år i Italien och anammat en italiensk stil en gång tillbaka i Antwerpen . Efter 1550 gav konsolideringen av stora delar av Europa under habsburgarna upphov till "en anmärkningsvärd internationalitet av dekorativ stil", med konstnärer, eller deras teckningar, tryck och plaketter, som spred design runt om i Europa, med Italien som den vanliga ursprungsplatsen.

Perioder som italienare arbetade utomlands hade ofta avgörande effekter på den framtida skulpturen i det besökta landet, vilket gav förebilder för lokala konstnärer; detta var särskilt fallet i Frankrike. Även om de italienska krigen som började 1494 var en katastrof för Italien, resulterade de i en "italiensk kulturell dominans av Europa ... som konstnärligt kompenserade för Italiens politiska och militära underkastelse". I slutet av perioden började turismen, ledd av intresset för italiensk konst, redan bli ekonomiskt betydande, särskilt för Florens, Venedig och Rom.

Bärbara föremål som medaljer och små brons nådde resten av Europa och inspirerade till lokala imitationer. I slutet av perioden var Giambolognas små bronser och hans verkstad (och hans imitatorer) en liten industri till stor del för export. Giambologna själv, som den ledande skulptören under det senare 1500-talet, fick många inbjudningar att arbeta vid utländska domstolar, som Medicis storhertigar inte tillät honom att acceptera. Ledande konstnärer var ibland försiktiga med att acceptera utländska inbjudningar, särskilt från habsburgarna, eftersom de vanligtvis behövde medgivande från härskaren för att lämna igen.

Torrigianos och Larianas långa perioder utanför Italien har noterats ovan. Som med andra emigranter arbetade de utomlands mest för hovkretsar med avancerad smak. Konstnärerna vid Tudorhovet var mestadels från Nederländerna, även om några som den första engelska medaljören, Steven van Herwijck , hade arbetat i Italien. De få italienska skulptörerna var Torrigiano och förmodligen terrakottaspecialisten Guido Mazzoni , som säkert tillbringade några år efter 1495 i Frankrike. Efter den engelska reformationen var besökare nästan alla porträttmålare, men under Maria I av Englands regeringstid besökte Habsburgarens medaljör och juvelerare Jacopo da Trezzo.

Första skolan i Fontainebleau var en målarledd grupp italienare som inbjöds till Frankrike av kung François I för att komma till Frankrike, där de började dekorera det enorma nya Château de Fontainebleau och bildade en virtuell konstnärskoloni i skogen på 1530-talet. Deras stora antal eleganta manneristiska reliefer i stuckatur , ofta av långa, smala, nakna kvinnor, "extravagantly oklassiska" enligt Kenneth Clark , var starkt inflytelserika på fransk nordlig maneristisk stil; några visades i de etsningar som gruppen producerade.

Benevenuto Cellini tillbringade 1540–45 i Frankrike, där han producerade sitt guldsalt (se ovan) och en stor bronsrelief Nymph of Fontainebleau (1542, nu Louvren ) i vad som började bli känt som "fransk stil". Han var troligen influerad av Fontainebleau-stuckaturerna.

Domenico Fancelli (1469–1519) producerade flera gravbilder för spanska kungligheter och den viktiga Mendoza-familjen , men arbetade i Carrara och besökte Spanien kort "för att installera sitt arbete och underteckna nya kontrakt". På liknande sätt stannade Leone Leoni i Milano efter att han blivit utsedd att driva det kejserliga myntverket åt Habsburgarna, men hans son Pompeo flyttade till Spanien, där han färdigställde och installerade sin fars större verk och producerade sina egna.

Andrea Sansovino tillbringade mycket av 1491 till 1501 arbetar i Portugal för kung Manuel I av Portugal . Jacopo Caraglio , som förmodligen hade utbildat sig till guldsmed, var en betydande gravör i början av den romerska mannerismen, till mönster av Rosso Fiorentino och andra. En av många konstnärer som flydde från Rom efter plundringen 1527, och efter några år i Venedig, var han vid det polska hovet 1539, där han tillbringade resten av sin karriär som hovguldsmed, inklusive ristade ingraverade ädelstenskaméporträtt och modellmedaljer av kungafamiljen. Den ganska obskyra florentinske skulptören vid namn Gregorio di Lorenzo reste till Ungern i slutet av 1400-talet för att arbeta för hovet. Kung Matthias Corvinus (f. 1464–1490) hade skickats två reliefer av Verrocchio som en diplomatisk gåva av Lorenzo de' Medici . Giovanni Dalmata gick också att arbeta för kung Matthias 1481.

Anteckningar

Referenser

• Avery, Charles, Florentine Renaissance Sculpture , 1970, John Murray Publishing, ISBN 0719519322
• Campbell, Steven J., "Artistic geographies", kapitel 1 av The Cambridge Companion to the Italian Renaissance , ed. Michael Wyatt, 2014, Cambridge University Press, ISBN 9780521876063, 0521876060, google books
• Chadwick, Whitney , Women, Art, and Society , 2002 (3:e upplagan), Thames and Hudson, ISBN 9780500203545
• Clark, Kenneth , The Nude, A Study in Ideal Form , orig. 1949, olika edns, sidrefs från Pelican edn 1960
• Hartt, Frederick , History of Italian Renaissance Art , (2nd edn.)1987, Thames & Hudson (US Harry N Abrams), ISBN  0500235104
• Kemp, Martin , Leonardo Da Vinci: The Marvelous Works of Nature and Man , 2006, Oxford University Press, ISBN 9780199207787
• Levey, Michael ; Florence, A Portrait , Jonathan Cape, 1996, ISBN  0712673105
• "NGA": "Inlärningsresurser för italiensk renässans" , National Gallery of Art / Oxford Art Online
• Olson, Roberta JM, italiensk renässansskulptur , 1992, Thames & Hudson (konstens värld), ISBN 0500202531
• Osborne, Harold (red), The Oxford Companion to Art , 1970, OUP, ISBN  019866107X
• Seymour, Charles Jr., Skulptur i Italien, 1400-1500 , 1966, Penguin (Pelikanens konsthistoria)
• Shearman, John . Mannerism , 1967, Pelican, London, ISBN  0140208089
• Strong, Roy , Feast: A History of Grand Eating , 2002, Jonathan Cape, ISBN  0224061380
• Trevor-Roper, Hugh ; Princes and Artists, Patronage and Ideology at Four Habsburg Courts 1517–1633 , Thames & Hudson, London, 1976, ISBN  0500232326
• Vit, John . Konst och arkitektur i Italien, 1250 till 1400 , Penguin Books, 1966, 2nd edn 1987 (nu Yale History of Art-serien). ISBN  0140561285
• Wilson, Carolyn C., Renaissance Small Bronze Sculpture and Associated Decorative Arts , 1983, National Gallery of Art (Washington), ISBN  0894680676

externa länkar

Media relaterade till italienska renässansskulpturer på Wikimedia Commons