Balettens historia - History of ballet
Balett är en formaliserad dansform med sitt ursprung i de italienska renässansdomstolarna på 1400- och 1500 -talen. Balett spred sig från Italien till Frankrike med hjälp av Catherine de 'Medici , där baletten utvecklades ännu mer under hennes aristokratiska inflytande. Ett tidigt exempel på Katarines utveckling av balett är genom 'Le Paradis d' Amour ', ett verk som presenterades vid hennes dotters bröllop, Marguerite de Valois till Henry av Navarra . Aristokratiska pengar var ansvariga för de inledande utvecklingsstadierna i 'hovbalett', eftersom det var kungliga pengar som dikterade idéer, litteratur och musik som användes i baletter som skapades för att främst underhålla dåtidens aristokrater. Den första formella "hovbaletten" som någonsin erkändes iscensattes 1573, "Ballet des Polonais". I verklig form av kunglig underhållning fick 'Ballet des Polonais' i uppdrag av Catherine de 'Medici att hedra de polska ambassadörerna som besökte Paris vid Henry av Anjous anslutning till Polens tron. År 1581 beställde Catherine de 'Medici en annan hovbalett, Ballet Comique de la Reine , men det var hennes landsmann, Balthasar de Beaujoyeulx , som organiserade baletten. Catherine de 'Medici och Balthasar de Beaujoyeulx var ansvariga för att presentera den första hovbaletten någonsin för att tillämpa principerna för Baif's Academie, genom att integrera poesi, dans, musik och scenografi för att förmedla en enhetlig dramatisk berättelse. Dessutom finansierades den tidiga organisationen och utvecklingen av "hovbalett" av, påverkad av och producerad av dåtidens aristokrater, som uppfyllde både deras personliga underhållning och politiska propagandabehov.
I slutet av 17th century Louis XIV grundade Académie Royale de Musique (den Paris Opera ) inom vilken dök den första professionella teaterbalettkompani , den Parisoperans balett . Övervägande av franska i balettens ordförråd återspeglar denna historia. Teaterbalett blev snart en självständig konstform, även om den fortfarande ofta upprätthöll en nära relation till opera och spred sig från Europas hjärta till andra nationer. Den Kongelige Ballet och Imperial Ballet i ryska imperiet grundades i 1740-talet och började blomstra, särskilt efter ca 1850. År 1907 den ryska baletten i sin tur flyttade tillbaka till Frankrike, där Ballets Russes av Sergei Diaghilev och dess efterföljare var särskilt inflytelserika. Snart spred sig baletten runt om i världen med bildandet av nya företag, inklusive Londons The Royal Ballet (1931), San Francisco Ballet (1933), American Ballet Theatre (1937), Royal Winnipeg Ballet (1939), The Australian Ballet (1940) som föregångaren Borovansky Ballet), New York City Ballet (1948), National Ballet of Canada (1951) och National Ballet Academy and Trust of India (2002).
Under 1900-talet fortsatte ballettstilarna att utvecklas och starkt påverka bredare konsertdans , till exempel i USA utvecklade koreografen George Balanchine det som nu kallas neoklassisk balett , efterföljande utveckling har inkluderat samtida balett och post-strukturell balett, till exempel ses i arbetet av William Forsythe i Tyskland.
Den etymologi av ordet "ballet" speglar dess historia. Ordet balett kommer från franska och lånades till engelska runt 1600 -talet. Det franska ordet har i sin tur sitt ursprung i italienska balletto , en diminutiv av ballo (dans). Baletten spårar slutligen tillbaka till italiensk ballare , vilket betyder "att dansa" .
Ursprung
Renässans - Italien och Frankrike
Ballet har sitt ursprung i renässansen domstol som en utväxt av domstol ståt i Italien , där aristokratiska bröllop var påkostade fester. Tutus , balett tofflor och pointe arbete användes ännu inte. Koreografin anpassades från hovdanssteg. Skådespelare klädda i tidens mode. För kvinnor innebar det formella klänningar som täckte benen till fotleden. Tidig balett var deltagande och publiken gick med i dansen mot slutet.
Domenico da Piacenza (c. 1400 – c. 1470) var en av de första dansmästarna. Tillsammans med sina studenter, Antonio Cornazzano och Guglielmo Ebreo da Pesaro , utbildades han i dans och ansvarade för att lära adelsmän i konsten. Da Piacenza lämnade ett verk: De arte saltandi et choreus ducendi (om konsten att dansa och leda danser), som sattes ihop av hans elever.
1489 gifte sig Galeazzo, hertig av Milano , med Isabella av Aragon i Tortona . En genomarbetad dansunderhållning arrangerades för firandet av den italienska dansmästaren Bergonzio di Botta. Danserna kopplades samman med en smal berättelse om Jason och Argonauterna , och var och en motsvarade en annan kurs för middagen. Tristano Calco i Milano skrev om evenemanget, och det ansågs så imponerande att många liknande skådespel organiserades någon annanstans.
Balett formades vidare av den franska ballet de cour , som bestod av sociala danser framförda av adeln i takt med musik, tal, vers, sång, tävling, dekor och kostym. När Catherine de 'Medici , en italiensk aristokrat med ett konstintresse, gifte sig med den franska kronarvingaren Henry II , tog hon med sig sin entusiasm för dans till Frankrike och gav ekonomiskt stöd. Katarinas glittrande underhållningar stödde målen för domstolspolitiken och var vanligtvis organiserade kring mytologiska teman. Den första ballet de cour var Ballet de Polonais. Denna balett framfördes 1573 med anledning av den polska ambassadörens besök. Den koreograferades av Balthasar de Beaujoyeulx och innehöll en timslång dans för sexton kvinnor, var och en representerar en fransk provins. Ballet Comique de la Reine (1581), som också var koreograferad och regisserad av Balthasar de Beaujoyeulx , fick i uppdrag av Louise av Lorraine , drottningskonsort av kung Henry III , son till Catherine, att fira äktenskapet med Henrys favorit hertigen de Joyeuse till Marguerite de Lorraine, syster till drottning Louise. Baletten varade i mer än fem timmar och dansades av tjugofyra dansare: tolv naiader och tolv sidor.
Samma år, publicering av Fabritio Caroso 's Il Ballarino till en teknisk manual på banan dans, både prestanda och social, hjälpt till att etablera Italien som ett centrum för teknisk balett utveckling.
1600 -talet - Frankrike och hovdans
Balett utvecklades som en prestationsfokuserad konstform i Frankrike under Louis XIV: s regering , som brann för dans. Hans intresse för balettdans var politiskt motiverat. Han etablerade strikta sociala etiketter genom dans och förvandlade det till ett av de mest avgörande elementen i hovets sociala liv, vilket faktiskt innehade auktoritet över adelsmännen och regerade över staten. Louis invigda ledde till raffinaderi och perfektion av social dans bland aristokrater som ett sätt att visa kungligheter, vilket ytterligare konsoliderar den klassiska balettkonsten med nyetablerade regler och protokoll.
År 1661, Ludvig XIV, fast besluten att öka sin ambition att kontrollera adelsmännen och vända en nedgång i dansstandarder som började på 1600 -talet, grundade Académie Royale de Danse . Innan dess ansåg aristokrater dans, tillsammans med ridning och militär träning som tre stora discipliner för att visa upp sin adel. Ändå ledde Louis grundande av akademin deras uppmärksamhet från militärkonst till domstolens sociala funktioner, från krig till balett, vilket ytterligare skärpte reglerna kring dem.
För att utöka inflytandet från den franska kulturen i hela Europa beordrade Louis Pierre Beauchamp , kungens personliga danslärare och favoritpartner i ballet de cour på 1650 -talet, att skapa ”ett sätt att göra dans förstådd på papper”. Beauchamp utsågs också till Intendant des ballets du roi och blev 1680 direktör för danshögskolan, en tjänst han innehade fram till 1687. Denna order ledde till en intensiv forskning på detta område av många balettmästare, men bara Beauchamps dansnotationssystem fick erkänd. I sitt system kodifierade han de fem grundläggande positionerna för fötterna i balett. Raoul Auger Feuillet, en parisisk balettmästare, antog senare sitt system och lät hans verk publiceras 1700. Hans notationssystem blev betydligt populärt i Europa.
Feuillet koncentrerade sina ansträngningar på den mest inflytelserika dansen vid hovet, kallad "La belle danse", eller även känd som "Den franska ädla stilen". Denna typ av dans var populär på bollar eller banor med mer krävande färdigheter. "Entrée grave", som en av la belle danse högsta form, framfördes vanligtvis av en man eller två män med graciösa och värdiga rörelser, följt av långsam och elegant musik. För närvarande är det bara män som spelade la belle danse och entrée grave . Kvinnor uppträdde vid drottningens baletter och andra sociala tillfällen, men inte vid entrégrav , kungens baletter, vid domstolar eller på Paris scener, inte förrän 1680 -talet. Under den här tiden ansågs män vara mästare och konstmästare och visade sin maskulina, värdiga och ädla dans, en kungsdans. Detta satte också modellen för klassisk balett.
Domstolsbaletter hade en lång historia av att kombinera dans och etikett sedan renässansen, men när det gällde la belle danse fördes etiketter i balett till en helt ny höjd. Varenda etikettregel i Louis domstolar var i detalj i la belle danse och man kunde säkert se andras ädla status genom sina danser. Fem positioner av kropparna som kodifierats av Beauchamp, följt av Feuillet, beskrev kroppen som en miniatyrplan, med huvudet som den centrala punkten, som samordnade dess lemmar som att kungen styrde över hans stat. En dansare som utför en äkta adel skulle utföra olika fem positioner än en som utför en bonde eller lägre rankade karaktärer. Bevis på adel indikerades också genom användning av masker, smink, kostymer, särskilt skor i la belle danse .
Jean-Baptiste Lully , en italiensk violinist, dansare, koreograf och kompositör, som anslöt sig till Ludvig XIV: s hov 1652, spelade en viktig roll för att upprätta den allmänna riktningsbaletten som skulle följa under nästa århundrade. Stött och beundrad av kung Louis XIV, kastade Lully ofta kungen i sina baletter. Titeln Sun King för den franska monarken, har sitt ursprung i Louis XIV: s roll i Lullys Ballet de la Nuit (1653). Den fjortonåriga Ludvig XIV dansade fem roller i denna 12-timmarsbalett. Denna balett var överdådig och innehöll en scen där en uppsättning av ett hus brann ner, inklusive häxor, varulvar, zigenare, herdar, tjuvar och gudinnorna Venus och Diana. Balettens huvudtema var dock inte mörker och nattskräck, men fokus var på Louis som framträdde i slutet som solen och satte stopp för natten. Lullys främsta bidrag till baletten var hans nyanserade kompositioner. Hans förståelse för rörelse och dans tillät honom att komponera specifikt för balett, med musikaliska formuleringar som kompletterade fysiska rörelser. Lully samarbetade också med den franska dramatikern Molière . Tillsammans tog de en italiensk teaterstil, commedia dell'arte , och anpassade den till sitt arbete för en fransk publik och skapade komedi-baletten . Bland deras största produktioner, med Beauchamp som koreograf, fanns Le Bourgeois Gentilhomme (1670).
1669 grundade Louis XIV Académie d'Opéra med Pierre Perrin som regissör. Louis XIV gick i pension 1670, till stor del på grund av överdriven viktökning. Tidigare, 1661, hade han grundat en skola, Adacemie Royale de danse . Beauchamp var den första balettmästaren i Opéra och skapade danserna för det nya företagets första produktion Pomone med musik av Robert Cambert . Senare, efter att Perrin gått i konkurs, återupprättade kungen Opéra som Académie royale de Musique och gjorde Lully till regissör. Beauchamp var en av de främsta koreograferna. I denna position skapade Lully, med sin librettist Philippe Quinault , en ny genre, tragédie en musique , varav varje akt innehöll en avledning som var en miniatyrbalettscen. Med nästan alla sina viktiga skapelser samlade Jean-Baptiste Lully musik och drama med italienska och franska danselement. Hans arbete skapade ett arv som skulle definiera balettens framtid.
Popularitet i hela Europa
Frankrikes hov var på vissa sätt den ledande källan till fashionabel kultur för många andra kungliga domstolar i Europa. Underhållningsstilar imiterades, inklusive de kungliga baletterna. Domstolar i Spanien, Portugal, Polen, Tyskland och på andra håll blev alla publik och deltagare i baletter. Förutom Frankrike blev Italien ett viktigt inflytande på konstformen, främst Venedig .
Professionella balettgrupper började organisera och turnera i Europa och uppträdde för en aristokratisk publik. I Polen var kung Władysław IV Vasa (1633–1648) värd för italienska operaproduktioner, som inkluderade balettartister i vissa scener. De berömda europeiska balettmästarna som arbetade för den polska domstolen inkluderar Jean Favier , Antoine Pitrot , Antonio Sacco och Francesco Caselli .
1700 -talet
Frankrike och utveckling som en konstform
1700 -talet var en period av framsteg inom balettens tekniska standarder och perioden då baletten blev en seriös dramatisk konstform i nivå med operan. Centralt i detta framsteg var Jean-Georges Noverre , Lettres sur la danse et les ballets (1760), som fokuserade på att utveckla ballet d'action , där dansarnas rörelser är utformade för att uttrycka karaktär och hjälpa till berättelsen. Noverre ansåg att: balett borde vara teknisk men också känslomässigt rör publiken, tomter måste förenas, landskapet och musiken måste stödja handlingen och vara enad i historien, och att pantomime måste vara enkelt och begripligt.
Reformer gjordes i balettkomposition av kompositörer som Christoph Willibald Gluck . Slutligen delades baletten upp i tre formella tekniker sérieux , demi-caractère och comique . Balett började också presenteras i operor som mellanspel som kallas divertissements.
Utanför Frankrike
Venedig fortsatte att vara ett danscentrum i Europa, särskilt under karnevalen i Venedig , när dansare och besökare från hela kontinenten skulle resa till staden för ett livligt kulturutbyte. Stadens Teatro San Benedetto blev ett känt landmärke till stor del på grund av baletterna som framfördes där. Italienska baletttekniker förblev det dominerande inflytandet i stora delar av södra och östra Europa tills ryska tekniker ersatte dem i början av 1900 -talet.
Balettföreställningar spred sig till Östeuropa under 1700 -talet, till områden som Ungern, där de hölls på privata teatrar på aristokratiska slott. Professionella företag etablerades som uppträdde i hela Ungern och även turnerade utomlands. Budapest National Theatre tjänar alltmer en roll som ett hem för dansarna.
Några av tidens ledande dansare som uppträdde i hela Europa var Louis Dupré , Charles Le Picque med Anna Binetti , Gaetano Vestris och Jean-Georges Noverre .
1800 -talet
Den ballerina blev den mest populära dans artist i Europa under första hälften av 19-talet, så småningom vänder strålkastarljuset bort från manliga dansare. I många föreställningar spelades baletthjältar av en kvinna, som Principal Boy i pantomime .
Ballettföretagens professionalism blev fokus för en ny generation balettmästare och dansare. Wien var en viktig källa för inflytelserika balettcoacher. Den första balettmästare Ungerns nationalteater och Kungliga Operan var Wien födda Frigyes Campilli , som arbetade i Budapest i 40 år.
1800 -talet var en period av stor social förändring, som återspeglades i balett genom ett skifte från de aristokratiska känslor som hade dominerat tidigare perioder genom romantisk balett . Ballerinor som Geneviève Gosselin , Marie Taglioni och Fanny Elssler experimenterade med nya tekniker som pointework som gav ballerina framträdande som den perfekta scenfiguren. Taglioni var känd som "Christian Dancer", eftersom hennes bild var ljus och ren (förknippad med hennes roll som sylfen i La Sylphide). Hon utbildades främst av sin far, Filipo Taglioni. År 1834 anlände Fanny Elssler till Parisoperan och blev känd som "Pagan Dancer" på grund av de eldiga egenskaperna hos Cachuchadansen som gjorde henne känd. Professionella librettister började tillverka berättelserna i baletter. Lärare som Carlo Blasis kodifierade balettteknik i den grundläggande form som fortfarande används idag. Ballettboxad tåsko uppfanns för att stödja pointe -arbete.
Romantisk rörelse
Den romantiska rörelsen inom konst, litteratur och teater var en reaktion mot formella begränsningar och industrialiseringens mekanik. [22] Den tidsandan ledde koreografer att komponera romantisk balett som verkade ljus, luftig och gratis som skulle fungera som en kontrast till spridningen av reduktionistisk vetenskap genom många aspekter av det dagliga livet som hade i ord Edgar Allan Poe "drivit hamadryad från skog ". Dessa "overkliga" baletter framställde kvinnor som ömtåliga, jordiska varelser, eteriska varelser som utan problem kunde lyftas och nästan tycktes sväva i luften. Ballerinor började bära kostymer med pastell, flytande kjolar som blottade skinnbenen. Berättelserna kretsade kring otrevliga, folkloristiska andar. Ett exempel på en sådan romantisk balett är La Sylphide , en av de äldsta romantiska baletterna som fortfarande utförs idag.
En stam av den romantiska rörelsen var en ny utforskning av folklore och traditionell etnisk kultur. Detta inflytande sågs i framväxten av europeisk folkdans och västerländska skildringar av afrikanska, asiatiska och Mellanöstern på europeiska scener. I baletter från denna period skapades ofta icke-europeiska karaktärer som skurkar eller som dumma avledningar för att passa den orientalistiska västerländska förståelsen av världen. Den nationaloperan i Ukraina , en scenkonst teater med en inhemsk opera företag, grundades i Kiev 1867. Det ingår också en liten bosatt trupp av balettdansörer, som skulle utföra i huvudsak folk stil dans under operaproduktioner. År 1893 växte detta till en trupp som var tillräckligt stor för att arrangera stora baletter. Folkdans och baletter med ukrainska berättelser hörde till de tidiga produktionerna.
Många ledande europeiska professionella balettföretag som överlever idag etablerades på nya teatrar i Europas huvudstäder under mitten till slutet av 1800-talet, inklusive Kiev-baletten , den ungerska nationalbaletten , National Theatre Ballet (Prague) och Wien State Ballet (tidigare Wiener Staatsoperbalett ). Dessa teatrar kombinerade vanligtvis stora opera-, drama- och balettföretag under samma tak. Kompositörer, dramatiker och koreografer kunde sedan skapa verk som utnyttjade förmågan att samarbeta mellan dessa performance -trupper.
Ryssland
Medan Frankrike var avgörande för tidig balett, tog andra länder och kulturer snart konstformen, framför allt Ryssland. Ryssland har en erkänd balettradition, och rysk balett har haft stor betydelse i sitt land genom historien. Efter 1850 började baletten avta i Paris, men den blomstrade i Danmark och Ryssland tack vare mästare som August Bournonville , Jules Perrot , Arthur Saint-Léon , Enrico Cecchetti och Marius Petipa . I slutet av artonhundratalet var orientalism på modet. Kolonialismen väckte medvetenhet om asiatiska och afrikanska kulturer, men förvrängdes med desinformation och fantasi. Öst uppfattades ofta som en avlägsen plats där allt var möjligt, förutsatt att det var påkostat, exotiskt och dekadent. Petipa vädjade till populär smak med Faraos dotter (1862), och senare Talisman (1889) och La Bayadère (1877). Petipa är mest ihågkommen för sitt samarbete med Tjajkovskij . Han använde sin musik för sin koreografi av The Nutcracker (1892, även om detta är öppet för viss debatt bland historiker), The Sleeping Beauty (1890) och den definitiva återupplivningen av Swan Lake (1895, med Lev Ivanov ). Dessa verk hämtades alla från europeisk folklore.
De kvinnliga dansarnas klassiska tutu som den känns igen idag började dyka upp vid denna tidpunkt. Den bestod av en kort, styv kjol som stöds av lager av krinolin eller tyll som avslöjade det akrobatiska benarbetet, kombinerat med en bred kile som tjänade till att bevara blygsamhet.
Argentina
Balettföretag från Europa började lukrativa turnéer på teatrar i Nord-, Central- och Sydamerika under mitten av 1800-talet. Den prestigefyllda Colon Theatre i Buenos Aires, Argentina hade gästat utländska balettartister på scenen, med turnéföretag från Europa som presenterade full balett redan 1867. Vid 1880 -talet hade Colon Theatre ett eget professionellt balettkompani. Det skulle dock fortfarande dröja flera decennier innan de flesta länder utanför Europa kunde göra anspråk på sina egna professionella balettföretag.
1900 -talet och modernism
Ryssland och baletterna Russes
Sergei Diaghilev tog med baletten tillbaka till Paris när han öppnade sitt företag, Ballets Russes . Den bestod av dansare från det ryska exilgemenskapen i Paris efter revolutionen.
Diaghilev och kompositören Igor Stravinsky slog samman sina talanger för att väcka rysk folklore till liv i The Firebird och Petrushka koreograferade av Fokine. Diaghilevs nästa koreografiska uppdrag gick till Nijinsky. Hans första balett var L'apres-midi d'un Faune (Afternoon of a Faun) till musik av Debussy. Det var anmärkningsvärt för sina tvådimensionella former och brist på balettteknik. Det orsakade kontroverser genom att skildra faun som gnuggade halsduken på en av pigorna på sig själv, i simulerad onani. Ballets Russes mest kontroversiella verk var dock The Rite of Spring , koreograferat av Nijinsky med musik av Stravinsky. Balettens moderna musik, duvtrampning och temat för mänskliga offer chockade publiken så mycket att de gjorde upplopp.
Efter Petipas "guldålder" började Michel Fokine sin karriär i Sankt Petersburg men flyttade till Paris och arbetade med Diaghilev och Ballets Russes.
Rysk balett fortsatte utvecklingen under sovjetiskt styre. Det fanns lite begåvning kvar i landet efter revolutionen, men det räckte för att frö en ny generation. Efter stagnation på 1920-talet, i mitten av 1930-talet, dök den nya generationen av dansare och koreografer upp på scenen. Den tekniska perfektionen och precisionen i dansen främjades (och krävdes) av Agrippina Vaganova , som hade blivit undervisad av Petipa och Cecchetti och ledde Vaganova Ballet Academy , skolan för att förbereda dansare för Kirovbaletten i Sankt Petersburg/Leningrad.
Balett var populärt bland allmänheten. Både de Moskvabaserade Bolshoi och de Sankt Petersburg (dåvarande Leningrad) baserade Kirov-balettkompanierna var aktiva. Ideologiskt tryck tvingade fram skapandet av många socialistiska realistiska verk, varav de flesta gjorde lite intryck på allmänheten och togs bort från repertoaren för båda företagen senare.
Vissa delar av den eran var dock anmärkningsvärda. Den Romeo och Julia av Prokofjev och Lavrovsky är ett mästerverk. De Flames of Paris , samtidigt som det visar alla fel socialistiska realist konst, har banat väg för aktiv användning av corps de ballet i utförandet och krävde fantastisk virtuositet. Den balettversion av Pushkin dikt, The Fountain of Bakhchisarai med musik från Boris Asafiev och koreografi av Rostislav Zakharov var också en hit.
Den välkända baletten Cinderella , för vilken Prokofiev tillhandahållit musiken, är också produkten av den sovjetiska baletten. Under Sovjettiden var dessa bitar mest okända utanför Sovjetunionen och senare utanför östblocket . Men efter Sovjetunionens kollaps fick de mer erkännande.
Den nordamerikanska premiären 1999 av The Fountain of Bakhchisarai av Kirov Ballet i New York var till exempel en enastående framgång. Sovjettiden för den ryska baletten lade stor vikt vid teknik, virtuositet och styrka. Det krävde styrka vanligtvis över normen för samtida västerländska dansare. När man tittar på restaurerade gamla filmer kan man bara förundras över talangen hos deras prima ballerina som Galina Ulanova , Natalya Dudinskaya och Maya Plisetskaya och koreografer som Pyotr Gusev .
Ryska företag, särskilt efter andra världskriget, deltog i flera turnéer över hela världen som revitaliserade baletten i väst.
Maiden Tower skrivet av Afrasiyab Badalbeyli är den första baletten i den muslimska östern.
Förenta staterna
Efter flytten av Ballets Russes till Frankrike började baletten ha ett bredare inflytande, särskilt i USA.
Från Paris, efter meningsskiljaktigheter med Diaghilev, åkte Fokine till Sverige och sedan USA och bosatte sig i New York. Diaghilev trodde att traditionell balett erbjöd lite mer än snygghet och atletisk uppvisning. För Fokine var det inte tillräckligt. Förutom teknisk virtuositet krävde han drama, uttryck och historisk äkthet. Koreografen måste undersöka scenens period och kulturella sammanhang och avvisa den traditionella tutu till förmån för korrekt periodkostym.
Fokine koreograferade Sheherazade och Cleopatra . Han bearbetade också Petrouchka och The Firebird . Ett av hans mest kända verk var The Dying Swan , framförd av Anna Pavlova . Utöver sina talanger som ballerina hade Pavlova teatergåvorna för att uppfylla Fokines vision om balett som drama. Legenden säger att Pavlova identifierade sig så mycket med svanrollen att hon begärde sin svandräkt från sin dödsbädd.
George Balanchine utvecklade toppmodern teknik i Amerika genom att öppna en skola i New York. Han anpassade baletten till nya medier, filmer och tv. Balanchine var en produktiv arbetare och omdefinierade klassiker som Swan Lake och Sleeping Beauty samt skapade nya baletter. Han producerade originaltolkningar av William Shakespeares dramer som Romeo och Julie och A Midsummer Night's Dream , och även av Franz Léhars The Merry Widow .
1967 bröt Balanchines juveler med berättartraditionen och dramatiserade ett tema snarare än en handling. Denna inriktning passar med de statligt sponsrade finansieringskällorna i USA som försökte uppmuntra till "frihet och frittänkande" i motsats till den narrativdrivna dansen, som ansågs vara för nära kopplad till socialismen, särskilt sovjetkommunismen . Idag, delvis tack vare Balanchine, är balett en av de mest välbevarade danserna i världen.
Barbara Karinska var en rysk emigree och en skicklig sömmerska som samarbetade med Balanchine för att lyfta kostymdesignkonsten från en sekundär roll till en integrerad del av en balettföreställning. Hon introducerade bias cut och en förenklad klassisk tutu som tillät dansaren mer rörelsefrihet. Med noggrann uppmärksamhet på detaljer dekorerade hon sin tutus med pärlor, broderi, virkning och applikationer.
Neoklassisk balett
George Balanchine anses ofta ha varit den första pionjären inom det som nu kallas neoklassisk balett , en dansstil mellan klassisk balett och dagens samtida balett. Tim Scholl, författare till From Petipa to Balanchine , anser Balanchines Apollo (1928) som den första nyklassiska baletten. Det representerade en återgång till form som svar på Serge Diaghilevs abstrakta baletter. Apollo och andra verk framförs än idag, främst av New York City Ballet . Andra företag kan dock betala en avgift för prestationsrättigheter för George Balanchines verk.
Frederick Ashton är en annan framstående koreograf i samband med den neoklassiska stilen. Tre av hans verk har blivit standardpjäser i den internationella repertoaren: Sylvia (1952), Romeo och Julie (1956) och Ondine (1958), varav det sista skapades som ett fordon för att visa upp Margot Fonteyn .
Samtida
En dansare som tränade med Balanchine och absorberade mycket av denna nyklassiska stil var Mikhail Baryshnikov . Efter Baryshnikovs utnämning till konstnärlig ledare för American Ballet Theatre 1980 arbetade han med olika moderna koreografer, framför allt Twyla Tharp . Tharp koreograferade Push Comes To Shove för ABT och Baryshnikov 1976; 1986 skapade hon In The Upper Room för sitt eget företag. Båda dessa stycken ansågs vara innovativa för deras användning av tydligt moderna rörelser som blandades med användningen av pointe -skor och klassiskt utbildade dansare - för deras användning av samtida balett.
Tharp arbetade också med Joffrey Ballet -företaget, grundat 1957 av Robert Joffrey . Hon koreograferade Deuce Coupe 1973 med popmusik och en blandning av modern och balettteknik. Joffrey Ballet fortsatte att framföra många samtida stycken, många koreograferade av medgrundaren Gerald Arpino .
Idag finns det många samtida balettföretag och koreografer. Dessa inkluderar Madrid Ballet ; Royal Ballet of Flanders ; Alonzo King och hans sällskap, Alonzo King LINES Ballet ; Nacho Duato och Compañia Nacional de Danza ; William Forsythe, som har arbetat mycket med Frankfurtbaletten och idag driver The Forsythe Company ; och Jiří Kylián , tidigare konstnärlig ledare för Nederlands Dans Theatre . Traditionellt "klassiska" företag, som Kirov -baletten och Paris Opera -balett , utför också regelbundet samtida verk.
Utveckling av balettmetod
Flera välkända balettmetoder är uppkallade efter sina upphovsmän. Till exempel är två rådande system från Ryssland kända som Vaganova -metoden efter Agrippina Vaganova , och Legat -metoden, efter Nikolai Legat . Den Cecchetti metoden uppfanns av italienska dansare Enrico Cecchetti (1850-1928), och Bournonville metoden, som uppfanns av August Bournonville (1805-1879), används främst i Bournonvilles hemland Danmark.
Se även
Referenser
Vidare läsning
- Anderson, Jack (1992). Ballet & Modern Dance: A Concise History (2: a upplagan). Princeton, NJ: Princeton Book Company, förlag. ISBN 0-87127-172-9.
- Andre, Paul; Arkadyev, V. (1999) Great History of Russian Ballet: Its Art & Koreography (1999).
- Bland, Alexander (1976). En historia om balett och dans i västvärlden . New York: Praeger Publishers. ISBN 0-275-53740-4.
- Caddy, Davinia. (2012). The Ballets Russes and Beyond: Music and Dance in Belle-Epoque Paris. Cambridge: Cambridge University Press.
- Cohen, Selma Jeanne, grundare (1998). International Encyclopedia of Dance . New York: Oxford University Press.
- Cross, Samuel H. (1944) "Den ryska baletten före Dyagilev." Slavisk och östeuropeisk granskning. American Series 3.4 (1944): 19–49. i JSTOR
- Ezrahi, Christina. (2012) Swans of the Kreml: Ballet and Power in Soviet Russia (University of Pittsburgh Press); undersöker motståndskraften för konstnärlig kreativitet i en historia om baletterna Bolshoi och Marinsky/Kirov
- Franko, Mark (1993). Dans som text: Barokkroppens ideologier . Cambridge: Cambridge University Press.
- Homans, Jennifer, (2010). Apollo's Angels: A History of Ballet . New York: Random House.
- Johnson, Alfred Edwin. (1913) The Russian Ballet (Houghton Mifflin) online
- Kassing, Gayle. (2007). Dansens historia: en interaktiv konstmetod . Champaign, IL: Human Kinetics.
- Lee, Carol (2002). Balett i västerländsk kultur: En historia om dess ursprung och utveckling . New York: Routledge. ISBN 0-415-94256-X.
- Lifar, Serge. (1954). En historia om rysk balett från dess ursprung till idag (Hutchinson)
- McGowan, Margaret M. (1978). L'art du ballet de cour en France, 1581–1643 . Paris: Centre National de la Recherche Scientifique.
- Propert, Walter Archibald. (1972) Den ryska baletten i Västeuropa, 1909-1920. B. Blom
- Roslavleva, Natalia. (1966). Era of the Russian Ballet, New York: EP Dutton & Co., Inc.
- Sadie, Stanley, red. (1992). Den nya Grove opera -ordboken (4 volymer). London: Macmillan. ISBN 978-1-56159-228-9.
- Surit͡s, E. I͡A och E. I︠A︡ Surit︠s︡. (1990) Sovjetiska koreografer på 1920 -talet (Duke Univ Press, 1990).
- Wiley, Roland John. (1990) Ett sekel rysk balett: dokument och konton, 1810-1910 (Oxford University Press)