Annie Hall -Annie Hall

För High Sheriff of Derbyshire, se Annie Hall (hög sheriff) .

Annie Hall
Anniehallposter.jpg
Teaterutgivningsaffisch
Regisserad av Woody Allen
Skriven av Woody Allen
Marshall Brickman
Producerad av Charles H. Joffe
Jack Rollins (okrediterad)
Medverkande
Filmkonst Gordon Willis
Redigerad av Ralph Rosenblum
Wendy Greene Bricmont
Musik av Se Soundtrack
Produktions
företag
Levererad av United Artists
Utgivningsdatum
Speltid
 93 minuter
Land Förenta staterna
språk Engelska
tyska
Budget 4 miljoner dollar
Biljettkontor 38,3 miljoner dollar

Annie Hall är en amerikansk satirisk romantisk komedi-dramafilm från1977regisserad av Woody Allen från ett manus som han skrev tillsammans med Marshall Brickman och producerad av Allens manager, Charles H. Joffe . Filmen spelar Allen som Alvy Singer, som försöker ta reda på orsakerna till misslyckandet i hans förhållande till den kvinnliga huvudrollen, som spelades av Diane Keaton i en roll skriven speciellt för henne.

Huvudfotografering för filmen började den 19 maj 1976, på South Fork på Long Island , och fortsatte regelbundet under de kommande tio månaderna. Allen har beskrivit resultatet, som markerade hans första samarbete med filmfotografen Gordon Willis , som "en stor vändpunkt", i att det till skillnad från de farser och komedier som var hans verk till den punkten, introducerade det en ny nivå av allvar. Akademiker har noterat kontrasten i inställningarna i New York City och Los Angeles, stereotypen av könsskillnader i sexualitet, presentationen av judisk identitet och elementen i psykoanalys och modernism .

Annie Hall visades på Los Angeles Film Festival den 27 mars 1977 innan den släpptes officiellt i USA den 20 april 1977. Filmen fick mycket beröm, nominerades till Big Five Academy Awards och vann fyra: Academy Pris för bästa film , två för Allen ( bästa regissör och, med Brickman, bästa originalmanus ) och bästa skådespelerska för Keaton. Filmen vann dessutom fyra BAFTA -utmärkelser och en Golden Globe , den senare tilldelades Keaton. Filmens nordamerikanska kassakvitton på 38 251 425 dollar är fjärde bästa av Allens verk när de inte justeras för inflation.

Anses vara en av de bästa filmerna som någonsin gjorts , rankas den som 31: a på AFI: s lista över de bästa filmerna i amerikansk film , 4: a på deras lista över största komedifilmer och 28: a på Bravos "100 roligaste filmer". Filmkritikern Roger Ebert kallade det "nästan allas favoritfilm från Woody Allen". Filmens manus utsågs också till det roligaste som någonsin skrivits av Writers Guild of America i sin lista över "101 roligaste manus". År 1992 valde United States Library of Congress filmen för bevarande i National Film Registry som "kulturellt, historiskt eller estetiskt betydelsefull".

Komplott

Komikern Alvy Singer försöker förstå varför hans förhållande till Annie Hall slutade för ett år sedan. När han växte upp i Brooklyn, irriterade han sin mamma med omöjliga frågor om existensens tomhet, men han var för tidig med sin oskyldiga sexuella nyfikenhet.

Annie och Alvy, i en rad för The Sorrow and the Pity , hör en annan man som hånar Federico Fellinis och Marshall McLuhans arbete ; Alvy föreställer sig att McLuhan själv kliver in på sin inbjudan att kritisera mannens förståelse. Den natten visar Annie inget intresse för sex med Alvy. Istället diskuterar de hans första fru, vars glädje inte gav honom något nöje. Hans andra äktenskap var med en författare i New York som inte gillade sport och inte kunde nå orgasm.

Med Annie är det annorlunda. De två har kul att laga en måltid med kokt hummer tillsammans. Han retar henne om de ovanliga männen i hennes förflutna. Han träffade henne spela tennisdubbel med vänner. Efter spelet ledde besvärliga småprat henne till att först erbjuda honom en tur upp till stan och sedan ett glas vin på hennes balkong. Där avslöjas det som verkade som ett milt utbyte av triviala personuppgifter i "mentala undertexter" som en eskalerande flört. Deras första dejt följer Annies sångprövning för en nattklubb (" It Had to be You "). Efter deras älskling den natten är Alvy "ett vrak", medan hon slappnar av med en led .

Snart erkänner Annie att hon älskar honom, medan han köper hennes böcker om döden och säger att hans känslor för henne är mer än bara kärlek. När hon flyttar in hos honom blir det väldigt spänt. Så småningom hittar han hennes arm i arm med en av hennes högskoleprofessorer och de två börjar argumentera om detta är den "flexibilitet" de hade diskuterat. De bryter slutligen upp, och han söker efter förhållandenas sanning, frågar främlingar på gatan om kärlekens natur, ifrågasätter hans formativa år och föreställer sig en tecknad version av sig själv som bråkar med en tecknad film som Annie skildrar som den onda drottningen i snövit .

Alvy återvänder till dejting, men ansträngningen skäms av neuros och dåligt sex som avbryts när Annie insisterar på att han kommer omedelbart för att döda en spindel i hennes badrum. En försoning följer, tillsammans med ett löfte om att stanna tillsammans, vad som än må. Men deras separata diskussioner med sina terapeuter gör det uppenbart att det finns en outtalad och outbrytbar skillnad. När Alvy accepterar ett erbjudande om att dela ut ett pris på tv, flyger de ut till Los Angeles, med Alvys vän, Rob. På hemresan är de dock överens om att deras förhållande inte fungerar. Efter att ha tappat henne till sin skivproducent, Tony Lacey, försöker Alvy utan framgång återuppliva lågan med ett äktenskapsförslag. Tillbaka i New York iscensätter han ett spel av deras förhållande men ändrar slutet: nu accepterar hon.

Det sista mötet för dem är en wistful coda på New Yorks Upper West Side när de båda har gått vidare till någon ny. Alvy röst återkommer med en summering: kärlek är viktigt, särskilt om det är neurotiskt . Annie sjunger " Ser ut som gamla tider " och krediterna rullar.

Kasta

Truman Capote , avbildad här 1959, hade en roll i filmen.

Truman Capote har en cameo. Alvy gör grin om människor som går förbi. Han säger "Det finns vinnaren av Truman Capote-likadana tävlingen" när Truman Capote går genom ramen. Flera skådespelare som senare fick en högre profil hade små delar i filmen: John Glover som Annies pojkvän till skådespelaren Jerry; Jeff Goldblum som en man som "glömde [sitt] mantra " på Tony Laceys julfest; Beverly D'Angelo som skådespelerska i Robs tv -program; och Sigourney Weaver , i sin filmdebut, i den avslutande sekvensen som Alvys dejt på biografen.

Stil och teknik

Tekniskt sett markerade filmen ett framsteg för regissören. Han valde Gordon Willis som sin filmfotograf - för Allen "en mycket viktig lärare" och en "teknisk trollkarl" och sa: "Jag räknar verkligen Annie Hall som det första steget mot mognad på något sätt i att göra filmer." På den tiden betraktades det som en "udda parning" av många, Keaton bland dem. Regissören var känd för sina komedier och farser, medan Willis var känd som "mörkrets prins" för arbete med dramatiska filmer som The Godfather . Trots detta blev de två vänner under inspelningen och fortsatte samarbetet om flera senare filmer, inklusive Zelig , vilket gav Willis hans första Oscar för bästa film .

Willis beskrev produktionen för filmen som "relativt lätt". Han sköt i olika stilar; "hett gyllene ljus för Kalifornien , grått mulet för Manhattan och ett fyrtiotal Hollywood -glansigt för ... drömmarsekvenser", varav de flesta klippts. Det var hans förslag som fick Allen att filma dubbelterapiscenerna i en uppsättning dividerad med en vägg istället för den vanliga split screen -metoden. Han försökte långa tagningar, med några skott, oförkortade, som varade en hel scen, vilket för Ebert bidrar till filmens dramatiska kraft: "Få tittare märker nog hur mycket av Annie Hall som består av människor som pratar, bara pratar. De går och prata, sitt och prata, gå till krympningar, gå på lunch, älska och prata, prata med kameran eller starta inspirerade monologer som Annies fria förening när hon beskriver sin familj för Alvy. Detta tal av Diane Keaton är som nästan perfekt som ett sådant tal sannolikt kan vara ... allt gjort i ett tag av lysande brinksmanship. " Han citerar en studie som beräknade den genomsnittliga skottlängden för Annie Hall till 14,5 sekunder, medan andra filmer som gjordes 1977 hade en genomsnittlig skottlängd på 4–7 sekunder. Peter Cowie föreslår att "Allen bryter upp sina utökade skott med mer ortodoxa skärningar fram och tillbaka i konversationsbitar så att filmens framåtgående momentum upprätthålls." Bernd Herzogenrath noterar innovationen i användningen av delad skärm under middagscenen för att kraftfullt överdriva kontrasten mellan den judiska och den icke-judiska familjen.

Även om filmen inte är väsentligen experimentell, undergräver den på flera punkter den berättande verkligheten. James Bernardoni noterar Allens sätt att öppna filmen genom att vända mot kameran, vilket omedelbart inkräktar på publikens engagemang i filmen. I en scen lyssnar Allens karaktär, i kö för att se en film med Annie, en man bakom honom levererar felinformerade pontifikationer om betydelsen av Fellinis och Marshall McLuhans arbete. Allen drar själv McLuhan från kameran för att personligen rätta till mannens fel. Senare i filmen, när vi ser Annie och Alvy i deras första utökade samtal, förmedlar "mentala undertexter" till publiken karaktärernas nervösa inre tvivel. En animerad scen - med konstverk baserade på serietidningen Inside Woody Allen - visar Alvy och Annie i sken av den onda drottningen från Snow White . Även om Allen använder var och en av dessa tekniker bara en gång, bryts den " fjärde väggen " flera andra gånger när tecken riktar kameran direkt. I en stoppar Alvy flera förbipasserande för att ställa frågor om kärlek, och i en annan rycker han på axlarna för att skriva ett lyckligt slut på sitt förhållande till Annie i sin självbiografiska första pjäs som förlåtlig "önskan-uppfyllelse". Allen valde att låta Alvy bryta den fjärde väggen , förklarade han, "för att jag kände att många i publiken hade samma känslor och samma problem. Jag ville prata direkt med dem och konfrontera dem."

Produktion

Skrift

Idén till vad som skulle bli Annie Hall utvecklades när Allen gick runt i New York City med medförfattaren Marshall Brickman . Paret diskuterade projektet på alternativa dagar, ibland blev de frustrerade och avvisade idén. Allen skrev ett första utkast till ett manus inom en fyra dagars period och skickade det till Brickman för att göra ändringar. Enligt Brickman koncentrerades detta utkast på en man i fyrtioårsåldern, någon vars liv bestod av "flera strängar". Den ena var en relation med en ung kvinna, en annan var en oro för banaliteten i det liv som vi alla lever, och den tredje en besatthet för att bevisa sig själv och testa sig själv för att ta reda på vilken typ av karaktär han hade. Allen själv blev fyrtio år 1975, och Brickman föreslår att "framsteg i ålder" och "oro för döden" hade påverkat Allens filosofiska, personliga förhållningssätt för att komplettera hans "kommersiella sida". Allen tog det medvetna beslutet att "offra några av skrattet för en berättelse om människor". Han insåg att han för första gången hade modet att överge säkerheten för en komplett bred komedi och hade viljan att producera en film med djupare mening som skulle vara en närande upplevelse för publiken. Han påverkades också av Federico Fellinis komediedrama 8½ (1963), skapad vid en liknande personlig vändpunkt och färgades på samma sätt av varje regissörs psykoanalys .

Brickman och Allen skickade manuset fram och tillbaka tills de var redo att be United Artists om 4 miljoner dollar. Många element från de tidiga utkasten överlevde inte. Det var ursprungligen ett drama centrerat om ett mordmysterium med en komisk och romantisk delplan. Enligt Allen inträffade mordet efter en scen som finns kvar i filmen, sekvensen där Annie och Alvy saknar Ingmar Bergman -filmen Face to Face (1976). Även om de bestämde sig för att släppa mordplanen, gjorde Allen och Brickman ett mordmysterium många år senare: Manhattan Murder Mystery (1993), med Diane Keaton i huvudrollen. Utkastet som Allen presenterade för filmens redaktör, Ralph Rosenblum , avslutades med orden "slutar att skjutas".

Allen föreslog Anhedonia , en term för oförmågan att uppleva nöje, som en arbetstitel, och Brickman föreslog alternativ inklusive It Had to Be Jew , Rollercoaster Named Desire och Me and My Goy . En reklambyrå, anställd av United Artists, anammade Allens val av ett dunkelt ord genom att föreslå studion att ta ut tidningsannonser som såg ut som falska tabloidrubriker som "Anhedonia Strikes Cleveland!". Men Allen experimenterade med flera titlar över fem testvisning, inklusive Anxiety och Annie and Alvy , innan han slog sig ner på Annie Hall .

Gjutning

Flera referenser i filmen till Allens eget liv har bjudit in spekulationer om att det är självbiografiskt. Både Alvy och Allen var komiker. Hans födelsedag visas på svarta tavlan i en skolscen, och "Alvy" var ett av Allens smeknamn i barndomen; vissa drag i hans barndom finns hos Alvy Singer; Allen gick till New York University och det gjorde Alvy också. Diane Keatons riktiga efternamn är "Hall" och "Annie" var hennes smeknamn, och hon och Allen var en gång romantiskt inblandade. Allen är dock snabb med att skingra dessa förslag. "De saker som människor insisterar på är självbiografiska är nästan alltid det inte," sa Allen. "Det är så överdrivet att det är praktiskt taget meningslöst för de människor som dessa små nyanser baseras på. Folk fick det i huvudet att Annie Hall var självbiografiskt, och jag kunde inte övertyga dem om att det inte var det". I motsats till olika intervjuare och kommentatorer säger han att Alvy inte är den karaktär som ligger närmast honom själv; han identifierade sig mer med modern (Eve, spelad av Geraldine Page ) i hans nästa film, Interiors . Trots detta har Keaton uppgett att förhållandet mellan Alvy och Annie delvis var baserat på hennes förhållande till regissören.

Rollen som Annie Hall skrevs speciellt för Keaton, som hade arbetat med Allen på Play It Again, Sam (1972), Sleeper (1973) och Love and Death (1975). Hon betraktade karaktären som en "vänlig version" av sig själv-båda var "halvartikulerade, drömde om att vara sångerska och led av osäkerhet"-och blev förvånad över att vinna en Oscar för sitt framträdande. Filmen markerar också det andra filmsamarbetet mellan Allen och Tony Roberts, deras tidigare projekt är Play It Again, Sam .

Federico Fellini var Allens första val att dyka upp i biolobbyscenen eftersom hans filmer diskuterades, men Allen valde kulturvetaren Marshall McLuhan efter att både Fellini och Luis Buñuel tackade nej till filmen. Vissa castmedlemmar, hävdar biograf John Baxter, blev besvikna över Allens behandling av dem. Regissören "agerade kallt" mot McLuhan, som var tvungen att återvända från Kanada för omplacering, och Mordecai Lawner , som spelade Alvys far, hävdade att Allen aldrig pratade med honom. Men under produktionen inledde Allen ett tvåårigt förhållande med Stacey Nelkin , som visas i en enda scen.

Filmning, redigering och musik

Woody Allen såg Coney Island Thunderbolt när han spanade platser och skrev det i manuset som Alvys barndomshem.

Huvudfotografering började den 19 maj 1976 på South Fork på Long Island med scenen där Alvy och Annie kokar levande hummer; inspelningen fortsatte regelbundet under de kommande tio månaderna och avvek ofta från manuset. Det fanns inget skrivet om Alvys barndomshem som låg under en berg-och-dalbana, men när Allen spanade på platser i Brooklyn med Willis och art director Mel Bourne såg han "den här berg-och-dalbanan och ... såg huset under den. Och jag tänkte, vi måste använda det här. " På samma sätt finns det händelsen där Alvy sprider en kokainkälla med en oavsiktlig nysning: även om det inte finns i manuset, kom skämtet från en repetitionshändelse och stannade i filmen. I publiktestning var detta skratt så långvarigt att en mycket längre paus måste läggas till så att följande dialog inte går förlorad.

Redaktör Ralph Rosenblums första samling av filmen 1976 lämnade Brickman besviken. "Jag kände att filmen sprang i nio olika riktningar", påminde Brickman. "Det var som ett första utkast till en roman ... från vilken två eller tre filmer möjligen kunde sättas ihop." Rosenblum karakteriserade det första snittet, på två timmar och tjugo minuter, som "de surrealistiska och abstrakta äventyren hos en neurotisk judisk komiker som återupplevde sitt starkt bristfälliga liv och därigenom satiriserade mycket av vår kultur ... en visuell monolog, en mer sofistikerad och mer filosofisk version av Take the Money and Run ”. Brickman tyckte att det var "nondramatiskt och i slutändan ointressant, en slags cerebral övning." Han föreslog en mer linjär berättelse.

Det nuvarande förhållandet mellan Alvy och Annie var inte det narrativa fokuset för denna första snitt, men Allen och Rosenblum kände igen den som den dramatiska ryggraden och började omarbeta filmen "i riktning mot det förhållandet." Rosenblum erinrade om att Allen "inte tvekade att klippa bort mycket av de första tjugo minuterna för att etablera Keaton snabbare." Enligt Allen, "satt jag inte med Marshall Brickman och sa:" Vi ska skriva en bild om ett förhållande. " Jag menar att hela konceptet för bilden förändrades när vi klippte den. "

Eftersom filmen budgeterades för två veckors efterproduktion fotograferades i slutet av 1976 tre separata skott för det sista segmentet, men endast en del av detta material användes. Berättelsen som avslutar filmen, med skämtet om "vi behöver alla äggen", kom till och spelades in bara två timmar före en testvisning.

Krediterna kallar filmen "A Jack Rollins and Charles H. Joffe Production"; de två männen var Allens chefer och fick samma kredit på hans filmer från 1969 till 1993. Men för denna film tog Joffe producentkrediter och fick därför Oscar för bästa film . Titelsekvensen har en svart bakgrund med vit text i Windsor Light Condensed typsnitt, en design som Allen skulle använda på sina efterföljande filmer. Stig Björkman ser en viss likhet med Ingmar Bergmans enkla och konsekventa titeldesign, även om Allen säger att hans eget val är en kostnadsbesparande enhet.

Mycket lite bakgrundsmusik hörs i filmen, en avgång för Allen påverkad av Ingmar Bergman. Diane Keaton uppträder två gånger i jazzklubben: "It Had to be You" och "Serems Like Old Times" (den senare reprisen i voiceover på avslutningsscenen). De andra undantag inkluderar en pojke kör "Christmas Medley" spelas medan tecknen kör igenom Los Angeles, den Molto allegro från Mozarts 's Jupiter Symphony (höras som Annie och Alvy enhet genom landskapet), Tommy Dorsey : s prestanda "Sleepy Lagoon ", och anodyne -omslaget till Savoy Brown -låten" A Hard Way to Go "som spelar på en fest i herrgården till Paul Simons karaktär.

Ljudspår

Släpp

Biljettkontor och släpp

Annie Hall visades på Los Angeles Film Festival den 27 mars 1977 innan den släpptes officiellt i USA den 20 april 1977. Filmen tjänade slutligen 38 251 425 dollar (163 miljoner dollar i 2020 dollar) i USA mot 4 $ miljoner budget, vilket gör den till den 11: e högsta intäkterna för 1977. På råa siffror, rankas den för närvarande som Allens fjärde mest intjänade film, efter Manhattan , Hannah och hennes systrar och midnatt i Paris ; när inflationen justeras gör bruttosiffran till Allens största biljettträff. Den släpptes första gången på Blu-ray den 24 januari 2012 tillsammans med Allens film Manhattan (1979). Båda utgåvorna inkluderar filmernas ursprungliga teatervagnar.

Reception

Kritiskt svar

Diane Keaton fick kritik och många utmärkelser för hennes framträdande.

Annie Hall möttes av utbredd kritik när det släpptes. Tim Radford från The Guardian kallade filmen "Allens hittills mest fokuserade och vågade film". The New York Times " Vincent Canby föredra Annie Hall till Allens andra regi ansträngning, ta pengarna och springa , eftersom den förstnämnda är mer 'human' medan den senare är mer en 'cartoon'. Flera kritiker har jämfört filmen positivt med Bergmans scener från ett äktenskap (1973), däribland Joseph McBride in Variety , som tyckte att den var Allens "mest tredimensionella film hittills" med en ambition som är lika med Bergmans bästa även som medstjärnorna blir den "samtida motsvarigheten till ... Tracy - Hepburn ."

Mer kritiskt kommenterade Peter Cowie att filmen "lider av sitt överflöd av kulturella referenser och sidor". John Simon skrev för tidningen New York och kallade filmen "otrevlig komedi, dålig filmskapande och pinsam självuppenbarelse" och skrev att Keatons prestanda var "i dålig smak att titta på och oanständighet att visa", säger att delen borde ha varit spelad av Robin Mary Paris, skådespelerskan som visas kort i scenen där Alvy Singer har skrivit en pjäs med två karaktärer naken baserat på sig själv och Annie Hall. Simons recension av Annie Hall "Det är en film så formlös, vidsträckt, repetitiv och mållös att den verkar tigga om glömska. Vid detta är den framgångsrik."

Filmen har fortsatt att få positiva recensioner. I sin tillbakablick 2002 lade Roger Ebert den till sin lista över Great Movies och kommenterade med förvåning att filmen hade "en omedelbar bekantskap" trots sin ålder, och Slant- författaren Jaime N. Christley fann enlinjerna "fortfarande tarmstötande efter 35 år ". En senare Guardian- kritiker, Peter Bradshaw , utsåg den till den bästa komedifilmen genom tiderna och kommenterade att "den här fantastiskt roliga, outhärdligt sorgliga filmen är ett mirakel av komiskt skrivande och inspirerat filmskapande". John Marriott från Radio Times trodde att Annie Hall var filmen där Allen "hittade sin egen singulära röst, en röst som ekar över händelser med en blandning av överflöd och introspektion", med hänvisning till den "komiska glädje" som härrör från "livligt spelande av Diane Keaton som den otrevliga oskyldiga från Mellanvästern, och Woody själv som den fumlande New York -neuroten ". Empire magazine betygsatte filmen fem av fem stjärnor och kallade den en "klassiker". 2017 skrev Claire Dederer, " Annie Hall är det tjugonde århundradets största komiska film [...] eftersom den erkänner den oåterkalleliga nihilismen som lurar i centrum för all komedi."

Den japanska filmaren Akira Kurosawa citerade Annie Hall som en av hans favoritfilmer.

På recensionsaggregatorn Rotten Tomatoes har filmen ett betyg på 96% baserat på 83 recensioner, med ett genomsnittligt betyg på 9,1/10. Webbplatsens kritiska konsensus lyder: "Fylld med gripande framträdanden och förödande humor representerar Annie Hall ett kvantsprång för Woody Allen och förblir en amerikansk klassiker." Metacritic gav filmen en poäng på 92 av 100 baserat på 20 kritiska recensioner, vilket indikerar "universell hyllning".

Kritisk analys

Kärlek och sexualitet

Woody Allen i New York City 2006

Sociologerna Virginia Rutter och Pepper Schwartz anser att Alvy och Annies förhållande är en stereotyp av könsskillnader i sexualitet. Kärlekens karaktär är ett upprepande ämne för Allen och medstjärnan Tony Roberts beskrev den här filmen som "historien om alla som blir förälskade, och sedan blir av kärlek och fortsätter." Alvy söker efter kärlekens syfte genom sitt försök att komma över sin depression om bortgången av hans förhållande till Annie. Ibland siktar han igenom sina minnen av förhållandet, vid en annan tidpunkt stoppar han människor på trottoaren, med en kvinna som säger att "Det är aldrig något du gör. Så är människor. Kärleken bleknar", ett förslag om att det inte var någons fel, de växte bara isär och slutet var oundvikligt. I slutet av filmen accepterar Alvy detta och bestämmer att kärleken i slutändan är "irrationell och galen och absurd", men en livsnödvändighet. Christopher Knight anser att Alvys strävan efter att ha träffat Annie är köttslig, medan hennes är på en känslomässig ton.

Richard Brody från The New Yorker noterar filmens "Eurocentric art-house self-medvetenhet" och Alvy Singers "psykoanalytiska besatthet för att blotta sina sexuella begär och frustrationer, romantiska katastrofer och neurotiska hämningar".

Judisk identitet

Sångare identifieras med den stereotypa neurotiska judiska hanen, och skillnaderna mellan Alvy och Annie är ofta relaterade till uppfattningarna och verkligheterna för judisk identitet. Vincent Brook konstaterar att "Alvy äter middag med familjen WASP -y Hall och föreställer sig att de måste se honom som en Hasidisk judisk , komplett med payot ( öronlås ) och en stor svart hatt." Robert M. Seltzer och Norman J. Cohen belyser scenen där Annie påpekar att Annies mormor "hatar judar. Hon tror att de bara tjänar pengar, men det är hon. Är hon någonsin, säger jag dig.", Avslöjar hyckleriet i sin mormors stereotypa amerikanska syn på judar genom att hävda att "ingen stigma knyts till kärleken till pengar i Amerika". Bernd Herzogenrath anser också att Allens skämt, "Jag skulle vilja men vi behöver äggen", till doktorn i slutet när han föreslår att han ska läggas in på en mentalinstitution, är en paradox för inte bara personalen i den urbana neurotiska juden utan även av filmen själv.

Woody Allen persona

Christopher Knight påpekar att Annie Hall är inramad genom Alvys erfarenheter. "I allmänhet kommer det vi vet om Annie och om förhållandet att filtreras genom Alvy, en påträngande berättare som kan stoppa berättelsen och kliva ur den för att vädja om publikens tolkningsfördel." Han föreslår att eftersom Allens filmer suddar huvudpersonen med "tidigare och framtida huvudpersoner liksom med regissören själv", gör det "skillnad om vi är mest lyhörda för regissörens eller karaktärens inramning av händelser". Trots berättelsens inramning är "skämtet på Alvy". Emanuel Levy tror att Alvy Singer blev synonymt med den offentliga uppfattningen av Woody Allen i USA. Annie Hall ses som den definitiva Woody Allen -filmen för att visa neurotisk humor.

Plats

Upper East Side i New York City

Annie Hall "är lika mycket en kärlekssång till New York City som till karaktären", vilket återspeglar Allens tillbedjan av ön Manhattan . Det var ett förhållande han utforskade upprepade gånger, särskilt i filmer som Manhattan (1979) och Hannah and Her Sisters (1986). Annie Halls lägenhet, som fortfarande finns på East 70th Street mellan Lexington Avenue och Park Avenue, är genom Allens egen bekännelse hans favoritblock i staden. Peter Cowie hävdar att filmen visar "en romantiserad vy" av stadsdelen, med kameran "kvar" på Upper East Side [... och där] rädslan för brott inte stör sina karaktärer. " Däremot presenteras Kalifornien mindre positivt, och David Halle noterar den uppenbara "invidious intellektuella jämförelsen" mellan New York City och Los Angeles. Medan Manhattans biografer visar klassiska och utländska filmer, har Los Angeles teatrar mindre prestigefyllda biljetter som The House of Exorcism och Messias of Evil . Robs demonstration av att lägga till konserverat skratt till tv visar "mediumets cyniska konstverk". New York City fungerar som en symbol för Alvy personlighet ("dyster, klaustrofobisk och socialt kall, men också en intellektuell fristad full av nervös energi") medan Los Angeles är en symbol för frihet för Annie.

Psykoanalys och modernism

Annie Hall har citerats som en film som använder både terapi och analys för komisk effekt. Sam B. Girgus anser Annie Hall vara en berättelse om minne och retrospektion, som "dramatiserar en återkomst via berättande lust till de förtryckta och omedvetna på ett sätt som liknar psykoanalys". Han hävdar att filmen utgör ett självmedvetet påstående om hur berättande lust och humor interagerar i filmen för att reformera idéer och uppfattningar och att Allens distribution av freudianska begrepp och humor bildar ett "skepsismönster mot ytlig mening som tvingar vidare tolkning". Girgus tror att bevis på Sigmund Freuds genomträngning i filmen demonstreras i början genom en hänvisning till ett skämt i Skämt och deras relation till det omedvetna , och gör ett annat skämt om en psykiater och patient, vilket Girgus hävdar också är symboliskt för dynamiken mellan humor och det omedvetna i filmen. Ytterligare freudianska begrepp behandlas senare i filmen med Annies återkallelse av en dröm till sin psykoanalytiker där Frank Sinatra kväver henne med en kudde, vilket anspelar på Freuds tro på drömmar som "visuella representationer av ord eller idéer".

Peter Bailey i sin bok The Reluctant Film Art of Woody Allen , hävdar att Alvy uppvisar en "genial förnedring av konsten" som innehåller en "betydande ojämnhet", genom att han i sin självföraktning inbjuder publiken att tro att han är på nivå med dem. Bailey hävdar att Allens enheter i filmen, inklusive undertexter som avslöjar Annies och Alvy tankar "förlänga och förstärka Annie Hall " s Winsome etos vanlig handel och FRIMODIGHET". Han funderar på att filmen är full av antimimetiska emblem som McLuhans magiska utseende som ger knäpp humor och att "skillnaden mellan mentala projektioner av verklighet och verklighet" driver filmen. Hans uppfattning är att självreflekterande filmanordningar intelligent dramatiserar skillnaden mellan yta och substans, med visuella emblem som "oavbrutet distillerar distinktionen mellan världen mentalt konstruerad och verkligheten".

I sin diskussion om filmens relation till modernism , finner Thomas Schatz filmen en olöst "undersökning av processen för mänsklig interaktion och interpersonell kommunikation" och "upprättar omedelbart [en] självreferentiell hållning" som uppmanar åskådaren "att läsa berättelsen som något annat än en sekventiell utveckling mot någon transcendent sanning ". För honom är Alvy ”offer för en tendens till överbestämning av mening - eller i modernistiska termer” de tecknas tyranni ” - och hans engagemang med Annie kan ses som ett försök att upprätta en spontan, intellektuellt obekämpad relation, ett försök som är dömd till misslyckande. "

Utmärkelser och utmärkelser

Academy Awards
1. Bästa bild , Charles H. Joffe
2. Bästa regissör , Woody Allen
3. Bästa skådespelerska i en ledande roll , Diane Keaton
4. Bästa originalmanus , Woody Allen och Marshall Brickman
Golden Globe Awards
1. Bästa skådespelerska – filmmusik eller komedi , Diane Keaton
BAFTA Awards
1. Bästa film
2. Bästa regi , Woody Allen
3. Bästa skådespelerska , Diane Keaton
4. Bästa redigering , Ralph Rosenblum och Wendy Greene Bricmont
5. Bästa manus , Woody Allen och Marshall Brickman

Annie Hall vann fyra Oscars vid 50th Academy Awards den 3 april 1978 och nominerades för fem (de fem stora ) totalt. Producenten Charles H. Joffe fick statyn för bästa film, Allen för bästa regi och, tillsammans med Brickman, för bästa originalmanus och Keaton för bästa skådespelerska . Allen nominerades också till bästa skådespelare. Många hade förväntat sig att Star Wars skulle vinna de stora utmärkelserna, bland annat Brickman och Executive Producer Robert Greenhut .

Filmen hedrades också fem gånger vid BAFTA -priserna. Tillsammans med topppriset för bästa film och priset för filmredigering vann Keaton för bästa skådespelerska , Allen vann för bästa regi och bästa originalmanus tillsammans med Brickman. Filmen fick bara ett Golden Globe -pris, för bästa filmskådespelerska i en musikal eller komedi (Diane Keaton), trots nomineringar till tre andra utmärkelser: Bästa film (musikal eller komedi), bästa regissör och bästa filmskådespelare i en musikal eller Komedi (Woody Allen).

År 1992 valde United States Library of Congress filmen för bevarande i sitt National Film Registry som innehåller "kulturellt, historiskt eller estetiskt betydelsefulla" filmer. Filmen nämns ofta bland de största komedierna genom tiderna. American Film Institute listar det 31: a i amerikansk biohistoria. År 2000 utsåg de den till den näst största romantiska komedin inom amerikansk film. Keatons uppträdande av "Ser ut som gamla tider" rankades 90: a på deras lista över bästa låtar som ingår i en film, och hennes rad "La-dee-da, la-dee-da." utsågs till det 55: e största filmcitatet. Manuset utsågs till den sjätte största manuset av Writers Guild of America, West medan IGN utsåg den till den sjunde största komedifilmen genom tiderna. År 2000 röstade läsarna av tidningen Total Film den som den fyrtio andra största komedifilmen genom tiderna och den sjunde största romantiska komedifilmen genom tiderna. Flera listor som rankar Allens bästa filmer har satt Annie Hall bland hans största verk.

I juni 2008 avslöjade AFI sina tio Topp 10 - de bästa tio filmerna i tio klassiska amerikanska filmgenrer - efter att ha röstat över 1500 personer från det kreativa samhället och Annie Hall placerades tvåa i den romantiska komedgenren. AFI rankade också Annie Hall på flera andra listor. I november 2008 röstades Annie Hall in på nr 68 på Empire magazine's lista över The 500 Greatest Movies of All Time . Det är också rankat som nummer 2 på Rotten Tomatoes 25 bästa romantiska komedier, näst efter The Philadelphia Story . 2012 listades filmen som den 127: e bästa filmen genom tiderna av Sight & Sound -kritikernas undersökning. Filmen utsågs också till 132: e bästa filmen av Sight & Sound -regissörernas undersökning. I oktober 2013 röstades filmen av Guardian -läsarna till den näst bästa filmen i regi av Woody Allen. I november 2015 utsågs filmen till det roligaste manuset av Writers Guild of America i sin lista över 101 roligaste manus .

American Film Institute erkännande

Filmen är erkänd av American Film Institute i dessa listor:

1992 - National Film Registry .

År 2006 rankade tidningen Premiere Keaton i Annie Hall som 60: a i sin lista över "100 bästa framträdanden genom tiderna" och noterade:

Det är svårt att spela ditzy. ... Annies geni är att hon trots sin slarviga backhand, hemska körning och nervösa tics också är en komplicerad, intelligent kvinna. Keaton visar briljant denna dikotomi av hennes karaktär, särskilt när hon jammar iväg på en första dejt med Alvy (Woody Allen), medan undertexten lyder "Han tror nog att jag är en yoyo." Jojo? Knappast.

Arv och inflytande

Diane Keatons klädstil som Annie Hall; ett inflytande på modevärlden under slutet av 1970 -talet

Även om filmen fick kritikerros och flera utmärkelser, blev Allen själv besviken på den och sa i en intervju: "När Annie Hall började började den filmen inte vara det jag slutade med. Filmen skulle vara vad händer i en killes sinne ... Ingen förstod något som hände. Förhållandet mellan mig själv och Diane Keaton var allt som någon brydde sig om. Det var inte det jag brydde mig om ... I slutändan var jag tvungen att minska filmen till bara mig och Diane Keaton, och det förhållandet, så jag blev ganska besviken på den filmen ”. Allen har upprepade gånger avböjt att göra en uppföljare, och i en intervju från 1992 uttalade han att " Sequelism har blivit en irriterande sak. Jag tycker inte att Francis Coppola borde ha gjort Godfather III eftersom Godfather II var ganska bra. När de gör en uppföljare är det bara en törst efter mer pengar, så jag gillar inte den idén så mycket ”.

Diane Keaton har uttalat att Annie Hall var hennes favoritroll och att filmen betydde allt för henne. På frågan om hon var mest förknippad med rollen gällde henne som skådespelerska, svarade hon: "Jag är inte hemsökt av Annie Hall. Jag är glad att jag är Annie Hall. Om någon vill se mig på det sättet är det bra med mig ". Kostymdesignern Ruth Morley , som arbetade med Keaton, skapade en look som hade inflytande på modevärlden under slutet av 70-talet, med kvinnor som antog stilen: lager överdimensionerade, manish blazers över västar, böljande byxor eller långa kjolar, en mans slips, och stövlar. Utseendet kallades ofta " Annie Hall -looken". Vissa källor tyder på att Keaton själv huvudsakligen var ansvarig för utseendet, och Ralph Lauren har ofta hävdat kredit, men endast en jacka och en slips köptes från Ralph Lauren för användning i filmen. Allen erinrade om att Lauren och Keatons klädstil nästan inte hamnade i filmen. "Hon kom in", återkallade han 1992, "och kostymdamen på Annie Hall sa:" Säg att hon inte ska bära det. Hon kan inte bära det. Det är så galet. " Och jag sa: 'Lämna henne. Hon är ett geni. Låt oss bara lämna henne ensam, låt henne bära vad hon vill. ' "

Filmens manus toppade Writers Guild of America: s lista över 101 roligaste manus någonsin och överträffade Some Like it Hot (1959), Groundhog Day (1993), Airplane! (1980) och Tootsie (1982). James Bernardoni säger att filmen är "en av de få romantiska komedidrama i New Hollywood-eran och en som med rätta har tagit sin plats bland klassikerna i den omvända genren" och liknar den seriokomiska meditationen om parförhållandet med George Cukor 's Adam's Rib (1949), med Katharine Hepburn och Spencer Tracy i huvudrollerna . Sedan den släpptes har andra romantiska komedier inspirerat till jämförelse. När Harry Met Sally ... (1989), Chasing Amy (1997), Burning Annie (2007), 500 Days of Summer (2009) och Allens film från 2003, Anything Else , är bland dem, medan filmregissören Rian Johnson sa i en intervju för boken, The Film That Changed My Life , som Annie Hall inspirerade honom att bli filmregissör. Karen Gillan uppgav att hon såg Annie Hall som en del av sin forskning för sin huvudroll i Not Another Happy Ending . År 2018 släppte Matt Starr och Ellie Sachs en kortfilmsinspelning med äldre medverkande.

Notera

Referenser

Bibliografi

externa länkar