Klassisk skulptur - Classical sculpture

Leochares : Belvedere Apollo . Romersk kopia av 130–140 e.Kr. efter ett grekiskt bronsoriginal 330–320 f.Kr. Vatikanmuseerna

Klassisk skulptur (vanligtvis med små bokstäver "c") hänvisar generellt till skulptur från antika Grekland och antika Rom , liksom de helleniserade och romaniserade civilisationerna under deras styre eller inflytande, från cirka 500 f.Kr. till omkring 200 e.Kr. Det kan också referera mer exakt en period inom den antika grekiska skulpturen från cirka 500 f.Kr. till början av den hellenistiska stilen omkring 323 f.Kr., i detta fall vanligtvis med ett stort "C". Termen "klassisk" används också ofta för en stilistisk tendens i senare skulptur, inte begränsad till verk i nyklassisk eller klassisk stil.

Huvudämnet för den antika grekiska skulpturen från dess tidigaste dagar var människofiguren, vanligtvis manlig och naken (eller nästan så). Bortsett från huvudet på porträttskulpturer var kropparna starkt idealiserade men uppnådde en oöverträffad grad av naturalism. Förutom fristående statyer innehåller termen klassisk skulptur reliefarbete (som de berömda Elgin Marbles of Parthenon) och den plattare basrelieffstil . Medan skulpturala verk betonade den mänskliga formen, användes reliefer för att skapa genomarbetade dekorativa scener.

Även om tillverkningen av stora eller monumentala skulpturer nästan upphörde under den tidiga medeltiden och i den bysantinska konsten , återupplivades den mycket i den italienska renässansen när romerska exempel grävdes ut, och klassisk skulptur förblev ett stort inflytande fram till åtminstone 1800 -talet.

Forntida grekisk skulptur

Det finns flera perioder:

Huvudartikel: Forntida grekisk skulptur

Arkaisk period

Den viktigaste skulpturala formen under den arkaiska perioden var kouros (plural: kouroi ), den stående manliga naken (Se till exempel Biton och Kleobis). Kouros återspeglar egyptiskt inflytande och står upprätt med vänster ben något framåt och armarna vid sidorna. Även om kouroi har hittats i många gamla grekiska territorier, var de särskilt framträdande i Attica och Boiotia. Övervägande av dessa hittades i Apollos helgedomar med mer än hundra från helgedomen Apollo Ptoion, Boeotia, ensam. Dessa fristående skulpturer var vanligtvis marmor, men formen återges också i kalksten, trä, brons, elfenben och terrakotta. De är vanligtvis livsstora, men tidiga kolossala exempel är upp till 3 meter höga.

Arkaiska grekiska skulptörer tycks ha påverkats stilistiskt av egyptierna, även om skillnader uppträdde tidigt. I synnerhet tenderade manliga figurer i det arkaiska Grekland att vara representerade i naken, medan detta var ovanligt under alla perioder av forntida egyptisk konst (utom när slavar eller fiender avbildades). Liksom i egyptisk konst framställdes kvinnliga ämnen alltid klädda; kvinnlig nakenhet skulle inte dyka upp förrän långt senare. De uppböjda och minutiöst uppåtriktade läpparna och den tomma blicken som identifieras som det ”arkaiska leendet” visas på många definierande verk under den arkaiska perioden.

Under denna period hade den senare tyngden på naturalistisk ben- och muskelanatomi ännu inte utvecklats, vilket kan ses i att observera detaljer som knän och andra kritiska leder. Vissa detaljer verkar vara "snittade" snarare än fullt modellerade, en relik från äldre traditioner. När den arkaiska stilen gradvis förvandlades till det som kallas den klassiska stilen, kan en tydlig utveckling som visar mer och mer teknisk kunskap och skicklighet upptäckas.

Klassisk period

Under den klassiska perioden förändrades både skulpturens stil och funktion. Poser blev mer naturalistiska (se Delphis vagn för ett exempel på övergången till mer naturalistisk skulptur), och grekiska skulptörers tekniska skicklighet för att skildra den mänskliga formen i olika poser ökade kraftigt. Från omkring 500 f.Kr. började statyer skildra riktiga människor. Statyerna av Harmodius och Aristogeiton restes i Aten för att fira mordet på den sista Peisistratid -tyrannen, Hipparchus . De sades vara de första offentliga monumenten för att skildra verkliga människor.

När grekiska konstnärer började studera mänsklig rörelse och anatomi upptäckte de att levande människor tenderar att visa en "viktförskjutning" eller kontrast när de står.

Den första grekiska statyn som uppvisade contrapposto är den berömda Kritios Boy, daterad cirka 480 f.Kr. Contrapposto blev snart ett avgörande inslag i grekisk skulpturell teknik, som kulminerade i Polykleitos Canon. Canon är ett teoretiskt verk som diskuterar idealiska matematiska proportioner för människokroppens delar och föreslår för skulptur av människofiguren en dynamisk motvikt - mellan de avslappnade och spända kroppsdelarna och mellan de riktningar som delarna rör sig i. Polykleitos försökte bevisa riktigheten i sina beräkningar genom att implementera sina regler i en staty som bara heter: Canon. Även om själva statyn är förlorad för historien, manifesteras dess principer i Doryphoros ("spjutbärare"), som antog extremt dynamisk och sofistikerad kontrapposto i sin korsbalans mellan styva och lösa lemmar.

Grekiska tempel gjordes speciellt för att passa de stora kultstatyerna. De trodde att att placera helgedomar runt de områden som sades vara heliga skulle glädja gudarna. Under den klassiska perioden skapade skulptörer inte bara verk för tempel utan också statyer för att visa hyllning till avlidna nära och kära. Skulpturerna skulle ofta visa den avlidne personen i en avslappnad pose. Framgångsrika idrottare och rika familjer skulle beställa statyer av sig själva för att templen skulle visa respekt för gudarna. Under 500 -talet f.Kr. blev porträtt populära och byster med generaler, filosofer och politiska ledare dök upp.

Den höga kvaliteten på grekiskt arbete väckte italiensk intresse och påverkade starkt både etruskisk och senare romersk konst. Den entusiasm som Rom hälsade på grekisk konst har visat sig vara viktig inte bara på grund av överföringen av klassisk grekisk stil, utan också för att de flesta av de nuvarande klassiska grekiska verken överlever främst i form av romerska marmor kopior av grekiska bronsoriginaler. Eftersom brons alltid har varit en värdefull metall, var de flesta originalen troligen för länge sedan smälta, och de få äkta överlevande har hittats av mestadels i samband med skeppsvrak.

Emellertid huggade grekerna marmor, och ett antal klassiska grekiska marmor har överlevt; de berömda Parthenon Marbles (även känd som Elgin Marbles), varade in situ fram till början av 1800 -talet. Faktum är att många av de överlevande klassiska grekiska marmorerna kommer från ett arkitektoniskt sammanhang.

  • Polykleitos : Doryphoros . Gjuten i Pushkin Museum , Moskva.

  • Tillskrivs Euphranor : Paris eller Perseus . Atikythera skeppsbrott, ca. 340–330 f.Kr. National Archaeological Museum, Aten.

  • Phidias verkstad: Liggande Dionysos , från Parthenon östra fronten, ca. 447–433 f.Kr. brittiskt museum

  • Aphrodite Braschi , gratis kopia (1: a århundradet f.Kr.) efter en votivstaty av Praxitele i Cnidus ( Aphrodite av Cnidus -typ, ca 350–340 f.Kr.). Glyptothek, München

Hellenistisk period

Övergången från den klassiska till den hellenistiska perioden inträffade under 400 -talet f.Kr. Skulpturen blev mer och mer naturalistisk. Vanliga människor, kvinnor, barn, djur och inhemska scener blev acceptabla motiv för skulptur, som beställdes av rika familjer för att pryda sina hem och trädgårdar. Realistiska porträtt av män och kvinnor i alla åldrar togs fram, och skulptörer kände sig inte längre skyldiga att framställa människor som ideal om skönhet eller fysisk perfektion. De flesta grekiska män skulpterades stående med höfterna något åt ​​sidan. När människor står på detta sätt använder de fler muskler.

Romersk skulptur

Huvudartikel: romersk skulptur
Augustus av Prima Porta , staty av kejsaren Augustus , 1: a århundradet. Vatikanmuseerna

Studiet av romersk skulptur kompliceras av dess relation till grekisk skulptur . Många exempel på även de mest kända grekiska skulpturerna, som Apollo Belvedere och Barberini Faun , är bara kända från romerska kejserliga eller hellenistiska "kopior". Vid en tidpunkt togs denna imitation av konsthistoriker som ett tecken på en smalhet i den romerska konstnärliga fantasin, men i slutet av 1900 -talet började romersk konst omvärderas på sina egna villkor: några intryck av den grekiska skulpturens natur kan i faktum baseras på romersk konstnärskap.

Styrkorna hos den romerska skulpturen finns i porträtt, där de var mindre intresserade av idealet än grekerna eller forntida egyptierna, och producerade mycket karaktäristiska verk och i berättande reliefscener. Exempel på romersk skulptur finns rikligt bevarade, i total kontrast till romersk måleri, som praktiserades mycket men nästan har gått förlorat. Latin och några grekiska författare , särskilt Plinius den äldre i bok 34 i hans naturhistoria , beskriver statyer, och några av dessa beskrivningar matchar befintliga verk. Medan en hel del romersk skulptur, särskilt i sten, överlever mer eller mindre intakt, är den ofta skadad eller fragmentarisk; bronsstatyer i naturlig storlek är mycket mer sällsynta eftersom de flesta har återvunnits för sin metall.

De flesta statyer var faktiskt mycket mer verklighetstrogna och ofta färgglada när de ursprungligen skapades; råstenytorna som finns idag beror på att pigmentet har gått förlorat genom århundradena.

Porträtt

Huvudartikel: Romersk porträtt

Porträtt är en dominerande genre av romersk skulptur, som kanske växer från den traditionella romerska betoningen på familj och förfäder; entrén ( atrium ) till ett romerskt elithus visade förfäder porträttbyster . Under den romerska republiken ansågs det vara ett tecken på karaktär att inte överblicka fysiska brister och särskilt framställa män som robusta och oroade av fåfänga: porträttet var en erfarenhetskarta. Under den kejserliga eran blev mer idealiserade statyer av romerska kejsare allestädes närvarande, särskilt i samband med Roms statsreligion . Gravstenar till och med den blygsamt rika medelklassen uppvisar ibland porträtt av den annars okända avlidne huggen i relief .

Färg

Modern föreställning om hur den klassiska statyn kan ha färgats ( Vatikanmuseet )

Forntida statyer och basreliefer överlever och visar den blanka ytan av materialet av vilket de är gjorda, och människor förknippar i allmänhet klassisk konst med vit marmorskulptur. Men det finns bevis för att många statyer målades i ljusa färger. Det mesta av färgen vittrade bort med tiden. Små rester togs också bort under rengöringen. I vissa fall kvarstod dock små spår som kunde identifieras. En vandringsutställning med 20 färgade kopior av grekiska och romerska verk, tillsammans med 35 originalstatyer och reliefer, hölls i Europa och USA under 2007–2008, Gods in Color: Painted Sculpture of Classical Antiquity . Detaljer som om färgen applicerades i en eller två lager, hur fint pigmenten maldes eller exakt vilket bindemedium som skulle ha använts i varje fall - alla element som skulle påverka utseendet på en färdig bit - är inte kända.

Inflytande

Grekisk-romersk skulptur hade ett stort inflytande på västerländsk konst. Med den etablerade den grekisk-romerska stilen möjligheten och potentialen för realism i konsten. På grund av skulpturens relativa hållbarhet har den lyckats överleva och fortsätta att påverka och informera konstnärer i olika kulturer och epoker, från Europa till Asien, och idag, hela världen.

Medan den klassiska konsten gradvis föll i onåd i Europa efter det västra romerska rikets fall, visade det sig att dess återupptäckt under den tidiga italienska renässansen var avgörande. En av de viktigaste skulptörerna i den klassiska väckelsen var Donatello . Många andra skulptörer som Michelangelo gjorde också verk som kan anses klassiska. Modern klassicism kontrasterade på många sätt med den klassiska skulpturen från 1800-talet som kännetecknades av åtaganden för naturalismen ( Antoine-Louis Barye ) -den melodramatiska ( François Rude ) sentimentaliteten ( Jean-Baptiste Carpeaux )-eller ett slags ståtlig grandiositet ( Lord Leighton ) Flera olika riktningar i den klassiska traditionen togs när seklet vände, men studiet av levande modell och traditionen efter renässansen var fortfarande grundläggande för dem.

Se även

Referenser

  • Henig, Martin (red, Ch 3, "Sculpture" av Anthony Bonanno), A Handbook of Roman Art , Phaidon, 1983, ISBN  0714822140

externa länkar