Skulptur -Sculpture

Den döende Gallien , eller The Capitoline Gallien, en romersk marmorkopia av ett hellenistiskt verk från slutet av 300-talet f.Kr. Capitoline Museums , Rom
Assyriska lamassuportens väktare från Khorsabad , cirka 800–721 f.Kr.
Netsuke av tigress med två ungar, mitten av 1800-talets Japan, elfenben med skalinlägg

Skulptur är den gren av bildkonsten som verkar i tre dimensioner . Skulptur är det tredimensionella konstverket som fysiskt presenteras i dimensionerna höjd, bredd och djup. Det är en av de plastiska konsterna . Hållbara skulpturala processer använde ursprungligen snidning (borttagning av material) och modellering (tillägg av material, som lera), i sten , metall , keramik , trä och andra material, men sedan modernismen har det varit nästan fullständig frihet för material och process. . En mängd olika material kan bearbetas genom borttagning, såsom snidning, sammanfogas genom svetsning eller modellering, eller gjutas eller gjutas .

Skulptur i sten överlever mycket bättre än konstverk i förgängliga material, och representerar ofta majoriteten av de överlevande verken (annat än keramik ) från antika kulturer, även om omvänt traditioner av skulptur i trä kan ha försvunnit nästan helt. Men de flesta antika skulpturer var ljust målade, och detta har gått förlorat.

Skulptur har varit central i religiös hängivenhet i många kulturer och fram till de senaste århundradena var stora skulpturer, för dyra för privatpersoner att skapa, vanligtvis ett uttryck för religion eller politik. De kulturer vars skulpturer har överlevt i mängder inkluderar kulturerna i det antika Medelhavet, Indien och Kina, såväl som många i Central- och Sydamerika och Afrika.

Den västerländska traditionen av skulptur började i antikens Grekland , och Grekland anses allmänt ha producerat stora mästerverk under den klassiska perioden. Under medeltiden representerade gotisk skulptur den kristna trons vånda och passioner . Återupplivandet av klassiska modeller under renässansen producerade berömda skulpturer som Michelangelos staty av David . Modernistisk skulptur flyttade bort från traditionella processer och betoningen på skildringen av människokroppen, med tillverkningen av konstruerade skulpturer och presentationen av hittade föremål som färdiga konstverk.

Typer

En grundläggande skillnad är mellan skulptur "i rundan", fristående skulptur som statyer , som inte är fästa (förutom möjligen vid basen) på någon annan yta, och de olika typerna av reliefer , som åtminstone delvis är fästa på en bakgrund yta. Lättnad klassificeras ofta efter graden av projektion från väggen till låg- eller basrelief , höglättnad och ibland en mellanliggande relief . Sänkt relief är en teknik som är begränsad till det gamla Egypten . Relief är det vanliga skulpturala mediet för stora figurgrupper och berättande ämnen, som är svåra att genomföra i omgången, och är den typiska tekniken som används både för arkitektonisk skulptur , som fästs på byggnader, och för småskalig skulptur som dekorerar andra föremål, som i mycket keramik , metallarbete och smycken . Reliefskulpturer kan också dekorera steler , upprättstående plattor, vanligtvis av sten, ofta även innehållande inskriptioner.

En annan grundläggande skillnad är mellan subtraktiva snidningstekniker, som tar bort material från ett befintligt block eller klump, till exempel av sten eller trä, och modelleringstekniker som formar eller bygger upp verket från materialet. Tekniker som gjutning , stämpling och formning använder en mellanliggande matris som innehåller designen för att producera verket; många av dessa tillåter tillverkning av flera exemplar.

Friluftsbuddhistiska klippreliefer vid Longmen Grottoes , Kina

Termen "skulptur" används ofta främst för att beskriva stora verk, som ibland kallas monumental skulptur , vilket betyder endera eller båda av skulptur som är stor, eller som är fäst vid en byggnad. Men termen täcker riktigt många typer av små verk i tre dimensioner med samma teknik, inklusive mynt och medaljer , hårdstensristningar , en term för små sniderier i sten som kan ta detaljerat arbete.

Den mycket stora eller "kolossala" statyn har haft en bestående dragningskraft sedan antiken ; den största hittills på 182 m (597 fot) är 2018 års Indian Statue of Unity . En annan storslagen form av porträttskulptur är ryttarstatyn av en ryttare till häst, som har blivit sällsynt under de senaste decennierna. De minsta formerna av porträttskulpturer i naturlig storlek är "huvudet", som visar just det, eller bysten, en representation av en person från bröstet och upp. Små former av skulptur inkluderar statyetten , normalt en staty som inte är mer än 18 inches (46 cm) hög, och för reliefer plaketten, medaljen eller myntet.

Modern och samtida konst har lagt till ett antal icke-traditionella former av skulptur, inklusive ljudskulptur , ljusskulptur , miljökonst , miljöskulptur , gatukonstskulptur , kinetisk skulptur (som involverar aspekter av fysisk rörelse ), landkonst och platsspecifik konst . Skulptur är en viktig form av offentlig konst . En samling skulpturer i trädgårdsmiljö kan kallas en skulpturträdgård . Det finns också en uppfattning om att byggnader är en typ av skulptur, där Constantin Brâncuși beskriver arkitektur som "bebodd skulptur".

Ändamål och ämnen

Moai från Påskön , där koncentrationen av resurser på stora skulpturer kan ha haft allvarliga politiska effekter.

Ett av de vanligaste syftena med skulptur är i någon form av association med religion. Kultbilder är vanliga i många kulturer, även om de ofta inte är de kolossala statyerna av gudar som kännetecknade antik grekisk konst , som Zeusstatyn vid Olympia . De faktiska kultbilderna i egyptiska tempels innersta helgedomar , av vilka inga har överlevt, var tydligen ganska små, även i de största templen. Detsamma gäller ofta inom hinduismen , där den mycket enkla och uråldriga formen av lingam är den vanligaste. Buddhismen förde skulpturen av religiösa figurer till Östasien, där det inte tycks ha funnits någon tidigare motsvarande tradition, även om enkla former som bi och cong förmodligen hade religiös betydelse.

Små skulpturer som personliga ägodelar går tillbaka till den tidigaste förhistoriska konsten, och användningen av mycket stora skulpturer som offentlig konst , särskilt för att imponera på betraktaren med makten hos en härskare, går tillbaka åtminstone till den stora sfinxen för cirka 4 500 år sedan. Inom arkeologi och konsthistoria anses uppkomsten, och ibland försvinnandet, av stora eller monumentala skulpturer i en kultur som av stor betydelse, även om spårningen av uppkomsten ofta kompliceras av den förmodade existensen av skulptur i trä och andra förgängliga material som det inte finns några uppgifter om. resterna;

Totempålen är ett exempel på en tradition av monumental skulptur i trä som inte lämnar några spår efter arkeologin . Förmågan att samla resurser för att skapa monumental skulptur, genom att transportera vanligtvis mycket tunga material och ombesörja betalning av vad som brukar betraktas som heltidsanställda skulptörer, anses vara ett tecken på en relativt avancerad kultur vad gäller social organisation. Nya oväntade upptäckter av forntida kinesiska bronsåldersfigurer vid Sanxingdui , några mer än dubbelt så stor som mänsklig storlek, har stört många idéer om tidig kinesisk civilisation, eftersom endast mycket mindre bronser tidigare var kända.

Vissa otvivelaktigt avancerade kulturer, som civilisationen i Indusdalen , verkar inte ha haft någon monumental skulptur alls, även om de producerar mycket sofistikerade figurer och sigill. Mississippiankulturen verkar ha utvecklats mot sin användning, med små stenfigurer, när den kollapsade . Andra kulturer, som det antika Egypten och Påsköns kultur , verkar ha ägnat enorma resurser åt mycket storskalig monumental skulptur från ett mycket tidigt stadium.

Medalj av Johannes VIII Palaeologus , ca. 1435, av Pisanello , den första porträttmedaljen, ett medium huvudsakligen gjort för att samla.

Insamlingen av skulpturer, inklusive den från tidigare perioder, går tillbaka cirka 2 000 år i Grekland, Kina och Mesoamerika, och många samlingar var tillgängliga för halvoffentlig visning långt innan det moderna museet uppfanns . Från 1900-talet utökades det relativt begränsade utbudet av ämnen som finns i stora skulpturer kraftigt, med abstrakta ämnen och användningen eller representationen av alla typer av ämnen som nu är vanliga. Idag tillverkas mycket skulpturer för intermittent visning i gallerier och museer, och möjligheten att transportera och lagra de allt större verken är en faktor i deras konstruktion. Små dekorativa figurer , oftast i keramik, är lika populära idag (även om de är konstigt försummade av modern och samtida konst ) som de var i rokokon , eller i antikens Grekland när Tanagra-figurer var en stor industri, eller i östasiatiska och förcolumbianska konst . Små skulpterade beslag för möbler och andra föremål går långt tillbaka i antiken, som i Nimrud-elfenbenen , Begram-elfenbenen och fynden från Tutankhamons grav .

Porträttskulptur började i Egypten, där Narmer-paletten visar en linjal från 3200-talet f.Kr., och Mesopotamien , där vi har 27 överlevande statyer av Gudea , som styrde Lagash ca. 2144–2124 f.Kr. I antikens Grekland och Rom var uppförandet av en porträttstaty på en offentlig plats nästan det högsta hedersbetyget, och elitens ambition, som också kan avbildas på ett mynt. I andra kulturer som Egypten och Främre Orienten var offentliga statyer nästan uteslutande förbehållet härskaren, med andra rika människor endast porträtterade i deras gravar. Härskare är vanligtvis de enda personer som ges porträtt i förcolumbianska kulturer, med början med Olmec-kolossala huvuden för cirka 3 000 år sedan. Östasiatiska porträttskulpturer var helt religiösa, med ledande prästerskap firades med statyer, särskilt grundarna av kloster, men inte härskare eller förfäder. Medelhavstraditionen återupplivades, till en början endast för gravbilder och mynt, under medeltiden, men expanderade kraftigt under renässansen, som uppfann nya former som den personliga porträttmedaljen .

Djur är, med människofiguren, det tidigaste ämnet för skulptur, och har alltid varit populära, ibland realistiska, men ofta imaginära monster; i Kina är djur och monster nästan de enda traditionella ämnena för stenskulpturer utanför gravar och tempel. Växtriket är viktigt endast i smycken och dekorativa reliefer, men dessa bildar nästan all den stora skulpturen av bysantinsk konst och islamisk konst , och är mycket viktiga i de flesta eurasiska traditioner, där motiv som palmetten och vinrankan har passerat österut och västerut i över två årtusenden.

En form av skulptur som finns i många förhistoriska kulturer runt om i världen är speciellt förstorade versioner av vanliga verktyg, vapen eller kärl skapade i opraktiska dyrbara material, för antingen någon form av ceremoniell användning eller visning eller som offer. Jade eller andra typer av grönsten användes i Kina, Olmec Mexiko och neolitiska Europa , och i tidiga Mesopotamien tillverkades stora keramikformer i sten. Brons användes i Europa och Kina för stora yxor och blad, som Oxborough Dirk .

Material och tekniker

Sumerisk manlig dyrkare, alabaster med skalögon, 2750−2600 f.Kr.

Materialen som används i skulptur är olika och förändras genom historien. De klassiska materialen, med enastående hållbarhet, är metall, särskilt brons , sten och keramik, med trä, ben och horn mindre hållbara men billigare alternativ. Ädelmaterial som guld , silver , jade och elfenben används ofta för små lyxverk, och ibland i större, som i kryselefantstatyer . Vanligare och billigare material användes för skulptur för bredare konsumtion, inklusive lövträ (som ek , box/buxbom och lime/lind ); terrakotta och annan keramik , vax (ett mycket vanligt material för modeller för gjutning och mottagning av avtryck av cylindertätningar och graverade ädelstenar), och gjutna metaller som tenn och zink (spelter). Men ett stort antal andra material har använts som en del av skulpturer, i etnografiska och antika verk lika mycket som moderna.

Skulpturer målas ofta , men tappar ofta sin färg till tid eller restauratörer. Många olika målningstekniker har använts för att göra skulptur, inklusive tempera , oljemålning , förgyllning , husfärg, aerosol, emalj och sandblästring.

Många skulptörer söker nya sätt och material för att göra konst. En av Pablo Picassos mest kända skulpturer inkluderade cykeldelar . Alexander Calder och andra modernister använde sig spektakulärt av målat stål . Sedan 1960-talet har även akryl och annan plast använts. Andy Goldsworthy gör sina ovanligt flyktiga skulpturer av nästan helt naturliga material i naturliga miljöer. Vissa skulpturer, såsom isskulptur , sandskulptur och gasskulptur , är medvetet kortlivad. Nya skulptörer har använt målat glas , verktyg, maskindelar, hårdvara och konsumentförpackningar för att utforma sina verk. Skulptörer använder ibland hittade föremål , och kinesiska forskares stenar har uppskattats i många århundraden.

Sten

Modern rekonstruktion av det ursprungliga målade utseendet på en senarkaisk grekisk marmorfigur från Aphaeas tempel , baserad på analys av pigmentspår, ca. 500 f.Kr

Stenskulptur är en uråldrig verksamhet där bitar av grov natursten formas genom kontrollerat borttagande av sten . På grund av materialets beständighet kan bevis hittas för att även de tidigaste samhällena ägnade sig åt någon form av stenarbete, även om inte alla delar av världen har så överflöd av bra sten för snidning som Egypten, Grekland, Indien och större delen av Europa . Petroglyphs (även kallade stengravyrer) är kanske den tidigaste formen: bilder skapade genom att ta bort en del av en klippa ytbehandlar som återstår in situ , genom att snitta, hacka, hugga och slipa. Monumental skulptur omfattar stora verk, och arkitektonisk skulptur, som är fäst vid byggnader. Hårdstensristning är snidningen för konstnärliga ändamål av halvädelstenar som jade , agat , onyx , bergkristall , sard eller karneol , och en allmän term för ett föremål tillverkat på detta sätt. Alabaster eller mineralgips är en mjuk mineral som är lätt att tälja för mindre arbeten och ändå relativt hållbar. Graverade ädelstenar är små snidade ädelstenar, inklusive cameos , som ursprungligen användes som tätningsringar .

Kopieringen av en originalstaty i sten, vilket var mycket viktigt för antika grekiska statyer, som nästan alla är kända från kopior, åstadkoms traditionellt genom att " peka ", tillsammans med mer frihandsmetoder. Peka innebar att sätta upp ett rutnät av strängrutor på en träram som omger originalet, och sedan mäta positionen på rutnätet och avståndet mellan rutnätet och statyn för en serie individuella punkter, och sedan använda denna information för att rista in i blocket från som kopian är gjord.

Metall

Ludwig Gies , gjutjärnsplakett , 8 x 9,8 cm, Refugees , 1915

Brons och relaterade kopparlegeringar är de äldsta och fortfarande de mest populära metallerna för gjutna metallskulpturer; en gjuten bronsskulptur kallas ofta helt enkelt en "brons". Vanliga bronslegeringar har den ovanliga och önskvärda egenskapen att expandera något precis innan de stelnar och fyller på så sätt de finaste detaljerna i en form. Deras styrka och brist på sprödhet (duktilitet) är en fördel när figurer i aktion ska skapas, speciellt jämfört med olika keramik- eller stenmaterial (se marmorskulptur för flera exempel). Guld är den mjukaste och mest ädla metallen och mycket viktig i smycken ; med silver är det mjukt nog att bearbetas med hammare och andra verktyg samt gjutas; repoussé och chasing är bland de tekniker som används inom guld- och silversmide .

Gjutning är en grupp av tillverkningsprocesser genom vilka ett flytande material (brons, koppar, glas, aluminium, järn) (vanligtvis) hälls i en form, som innehåller en ihålig hålighet av önskad form, och sedan får stelna. Det fasta gjutgodset kastas sedan ut eller bryts ut för att slutföra processen, även om ett sista steg av "kallt arbete" kan följa på den färdiga gjutningen. Gjutning kan användas för att bilda varma flytande metaller eller olika material som kallhärdar efter blandning av komponenter (såsom epoxi , betong , gips och lera ). Gjutning används oftast för att göra komplexa former som annars skulle vara svåra eller oekonomiska att göra med andra metoder. Den äldsta bevarade avgjutningen är en mesopotamisk koppargroda från 3200 f.Kr. Specifika tekniker inkluderar gjutning av förlorat vax , gjutning av gipsform och sandgjutning .

Svetsning är en process där olika metallbitar smälts samman för att skapa olika former och mönster. Det finns många olika former av svetsning, såsom Oxy-fuel-svetsning , Sticksvetsning , MIG-svetsning och TIG-svetsning . Oxy-fuel är förmodligen den vanligaste svetsmetoden när det kommer till att skapa stålskulpturer eftersom det är det enklaste att använda för att forma stålet samt göra rena och mindre märkbara skarvar av stålet. Nyckeln till Oxy-fuel-svetsning är att värma upp varje metallbit som ska fogas jämnt tills alla är röda och har en glans. När den glansen är på varje del, kommer den glansen snart att bli en "pool" där metallen blir flytande och svetsaren måste få poolerna att gå ihop och smälta ihop metallen. När poolerna väl har svalnat är platsen där poolerna förenas en sammanhängande metallbit. Används också flitigt i Oxy-fuel skulptur skapande är smide. Smide är processen att värma metall till en viss punkt för att mjuka upp den tillräckligt för att formas till olika former. Ett mycket vanligt exempel är att värma upp änden av en stålstav och slå den röda uppvärmda spetsen med en hammare på ett städ för att bilda en spets. Mellan hammarsvängningarna roterar förfalskaren stången och bildar gradvis en skärpt spets från den trubbiga änden av en stålstav.

Glas

Glas kan användas för skulptur genom ett brett spektrum av arbetstekniker, även om användningen av det för stora verk är en ny utveckling. Den kan snidas, dock med avsevärd svårighet; den romerska Lycurgus Cup är allt annat än unik. Det finns olika sätt att gjuta glas : varmgjutning kan göras genom att hälla smält glas i formar som har skapats genom att pressa in former i sand, snidad grafit eller detaljerade gips-/kiselformar. Ugnsgjutning innebär att värma upp glasbitar i en ugn tills de är flytande och flyter in i en väntande form under den i ugnen. Hett glas kan också blåsas och/eller varmskulptas med handverktyg antingen som en fast massa eller som en del av ett blåst föremål. Nyare tekniker involverar mejsling och limning av plattglas med polymersilikater och UV-ljus.

En snidad träbodhisattva från Kinas Song-dynasti 960–1279, Shanghai Museum

Krukmakeri

Keramik är ett av de äldsta materialen för skulptur, liksom lera är det medium där många skulpturer gjutna i metall ursprungligen modelleras för gjutning. Skulptörer bygger ofta små preliminära verk som kallas maquetter av tillfälliga material som gips av Paris , vax, obränd lera eller plasticine . Många kulturer har producerat keramik som kombinerar en funktion som ett kärl med en skulpturell form, och små figurer har ofta varit lika populära som de är i modern västerländsk kultur. Frimärken och formar användes av de flesta forntida civilisationer, från antikens Rom och Mesopotamien till Kina.

Träsnideri

Detalj av Jesu Kristi korsfästelse, spanska, trä och polykrom, 1793.

Träsnideri har använts extremt mycket, men överlever mycket sämre än de andra huvudmaterialen, eftersom de är känsliga för förfall, insektsskador och brand. Den utgör därför ett viktigt dolt element i många kulturers konsthistoria. Utomhus träskulptur håller inte länge i de flesta delar av världen, så att vi inte har en aning om hur totempålstraditionen utvecklades . Många av de viktigaste skulpturerna i Kina och Japan i synnerhet är i trä, och den stora majoriteten av afrikansk skulptur och den i Oceanien och andra regioner.

Trä är lätt, så passande för masker och annan skulptur avsedd att bäras, och kan ta mycket fina detaljer. Det är också mycket lättare att arbeta än sten. Det har mycket ofta målats efter snidning, men färgen slits mindre bra än träet och saknas ofta i bevarade bitar. Målat trä beskrivs ofta tekniskt som "trä och polykrom ". Vanligtvis appliceras ett lager gesso eller gips på träet, och sedan appliceras färgen på det.

Skulptörernas sociala status

Nürnbergskulptör Adam Kraft , självporträtt från St Lorenz-kyrkan , 1490-talet

Över hela världen har skulptörer vanligtvis varit hantverkare vars verk är osignerat; i vissa traditioner, till exempel Kina, där skulpturen inte delade prestige som litterär målning , har detta påverkat själva skulpturens status. Även i det antika Grekland , där skulptörer som Phidias blev kända, verkar de ha behållit ungefär samma sociala status som andra hantverkare, och kanske inte mycket större ekonomiska belöningar, även om vissa signerade sina verk. Under medeltiden signerade konstnärer som Gislebertus från 1100-talet ibland sina verk och var eftertraktade av olika städer, särskilt från Trecento och framåt i Italien, med figurer som Arnolfo di Cambio och Nicola Pisano och hans son Giovanni . Guldsmeder och juvelerare, som sysslade med dyrbart material och ofta fördubblade sig som bankirer, tillhörde mäktiga skrån och hade betydande status, ofta medborgarposter. Många skulptörer praktiserade också i andra konster; Andrea del Verrocchio målade också, och Giovanni Pisano , Michelangelo och Jacopo Sansovino var arkitekter . Några skulptörer hade stora verkstäder. Till och med under renässansen uppfattades verkets fysiska karaktär av Leonardo da Vinci och andra som att det drog ner skulpturens status inom konsten, även om Michelangelos rykte kanske satte denna långvariga idé till ro.

Från högrenässansen kunde konstnärer som Michelangelo, Leone Leoni och Giambologna bli rika och adlade och gå in i prinskretsen, efter en period av skarpa diskussioner om skulpturens och måleriets relativa status. Mycket dekorativ skulptur på byggnader förblev ett yrke, men skulptörer som producerade enskilda stycken erkändes på samma nivå som målare. Från 1700-talet eller tidigare lockade skulptur också medelklassstudenter, även om det var långsammare att göra det än att måla. Kvinnliga skulptörer tog längre tid på sig än kvinnliga målare och var mindre framträdande fram till 1900-talet.

Anti-skulptur rörelser

Aniconism har sitt ursprung med judendomen , som inte accepterade figurativ skulptur förrän på 1800-talet, innan den expanderade till kristendomen , som till en början accepterade stora skulpturer. Inom kristendomen och buddhismen blev skulpturen mycket betydelsefull. Kristen österländsk ortodoxi har aldrig accepterat monumental skulptur, och islam har konsekvent förkastat nästan all figurativ skulptur, förutom mycket små figurer i reliefer och vissa djurfigurer som fyller en användbar funktion, som de berömda lejonen som stödjer en fontän i Alhambra . Många former av protestantism godkänner inte heller religiös skulptur. Det har varit mycket ikonoklasm ​​av skulptur av religiösa motiv , från de tidiga kristna och bildstormen från den protestantiska reformationen till talibanernas förstörelse av Buddhas i Bamyan 2001 .

Historia

Förhistoriska perioder

Europa

Venus av Hohle Fels ( även känd som Venus av Schelklingen ; är en övre paleolitisk Venusfigur huggen från elfenben från en mammutbete som hittades 2008 nära Schelklingen , Tyskland . Den dateras till mellan 35 000 och 40 000 år sedan, tillhörande den tidiga Aurignacian . , i början av övre paleolitikum , som är förknippad med den antagna tidigaste förekomsten av Homo sapiens i Europa ( Cro-Magnon ). Tillsammans med Löwenmensch är det det äldsta obestridda exemplet på övre paleolitisk konst och figurativ förhistorisk konst i allmänhet .

De tidigaste obestridda exemplen på skulptur tillhör den aurignacianska kulturen , som var belägen i Europa och sydvästra Asien och verksam i början av övre paleolitikum . Förutom att producera några av de tidigaste kända grottkonsten , utvecklade människorna i denna kultur fint tillverkade stenverktyg, tillverkade hängen, armband, elfenbenspärlor och benflöjter, såväl som tredimensionella figurer.

Den 30 cm höga Löwenmensch som finns i Hohlenstein Stadel-området i Tyskland är en antropomorf lejon-människa figur utskuren av ulligt mammutelfenben . Det har daterats till omkring 35–40 000  BP, vilket gör det, tillsammans med Venus of Hohle Fels , till det äldsta kända obestridda exemplet på skulptur.

Mycket bevarad förhistorisk konst är små bärbara skulpturer, med en liten grupp kvinnliga Venusfigurer som Venus från Willendorf (24–26 000  f.Kr.) som finns i centrala Europa. Den simmande renen för omkring 13 000 år sedan är en av de finaste av ett antal magdaleniska sniderier i ben eller horn av djur inom den övre paleolitiska konsten, även om de är i mindre antal av graverade bitar, som ibland klassificeras som skulptur. Två av de största förhistoriska skulpturerna finns vid Tuc d'Audobert-grottorna i Frankrike, där en mästerlig skulptör för omkring 12–17 000 år sedan använde ett spatelliknande stenverktyg och fingrar för att modellera ett par stora bisonoxar i lera mot en kalksten sten.

Med början av mesolitikum i Europa minskade figurativ skulptur kraftigt, och förblev ett mindre vanligt inslag i konsten än reliefdekoration av praktiska föremål fram till romartiden, trots vissa verk som Gundestrup-grytan från den europeiska järnåldern och bronsåldern Trundholm solvagn .

Forntida Mellanöstern

Från den forntida Främre Orienten kommer den överlivsstora stenen Urfa Man från det moderna Turkiet från cirka 9 000 f.Kr. och ' Ain Ghazal-statyerna från cirka 7200 och 6500 f.Kr. Dessa är från moderna Jordanien , gjorda av kalkgips och vass, och ungefär hälften i naturlig storlek; det finns 15 statyer, några med två huvuden sida vid sida, och 15 byster. Små lerfigurer av människor och djur finns på många platser i Mellanöstern från pre-keramikneolitikum, och representerar början på en mer eller mindre kontinuerlig tradition i regionen.

Forntida Mellanöstern

Cylindertätning med dess avtryck på lera; serpoparder och örnar, Urukperioden, 4100–3000 f.Kr

Protoliteratperioden i Mesopotamien , dominerad av Uruk , såg produktionen av sofistikerade verk som Warka - vasen och cylindertätningar . Guennol lejoninnan är en enastående liten kalkstensfigur från Elam omkring 3000–2800 f.Kr., delvis människa och delvis lejoninna. Lite senare finns det ett antal figurer av storögda präster och tillbedjare, mestadels i alabaster och upp till en fot hög, som besökte tempelkultbilder av gudomen, men mycket få av dessa har överlevt. Skulpturer från den sumeriska och akkadiska perioden hade i allmänhet stora, stirrande ögon och långa skägg på männen. Många mästerverk har också hittats på den kungliga kyrkogården i Ur (ca 2650 f.Kr.), inklusive de två figurerna av en bagge i ett snår , koppartjuren och ett tjurhuvud på en av lyrorna i Ur .

Från de många efterföljande perioderna innan det nyassyriska imperiets tillträde på 1000-talet f.Kr., fortlever mesopotamisk konst i ett antal former: cylindertätningar , relativt små figurer i rundan och reliefer av olika storlekar, inklusive billiga plattor av gjutna keramik för hemmet, en del religiös och en del tydligen inte. Burney -reliefen är en ovanligt utarbetad och relativt stor (20 x 15 tum, 50 x 37 cm) terrakottaplakett av en naken bevingad gudinna med fötterna på en rovfågel och medföljande ugglor och lejon. Den kommer från 1700- eller 1800-talet f.Kr. och kan även vara gjuten. Stenstelor , votivoffer , eller sådana som förmodligen firar minne av segrar och visar fester, finns också från tempel, som till skillnad från mer officiella saknar inskriptioner som skulle förklara dem ; den fragmentariska gamstelen är ett tidigt exempel på den inskrivna typen, och den assyriska svarta obelisken av Shalmaneser III en stor och solid sen.

Erövringen av hela Mesopotamien och mycket omgivande territorium av assyrierna skapade en större och rikare stat än regionen hade känt tidigare, och mycket storslagen konst i palats och offentliga platser, utan tvekan delvis avsedd att matcha prakten av konsten i angränsande egyptiska riket. Till skillnad från tidigare stater kunde assyrierna använda lätthuggen sten från norra Irak, och gjorde det i stor mängd. Assyrierna utvecklade en stil med extremt stora scheman av mycket fint detaljerade narrativa lågreliefer i sten för palats, med scener av krig eller jakt; British Museum har en enastående samling, inklusive Lion Hunt of Ashurbanipal och Lachish-relieferna som visar en kampanj. De producerade väldigt lite skulpturer i rundan, förutom kolossala skyddsfigurer av lamassu med människohuvud, som är skulpterade i hög relief på två sidor av ett rektangulärt block, med huvudena effektivt i rundan (och även fem ben, så att båda vyerna verkar fullständiga). Redan innan de dominerade regionen hade de fortsatt cylindertätningstraditionen med design som ofta är exceptionellt energisk och raffinerad.

Forntida Egypten

Den monumentala skulpturen i det antika Egypten är världsberömd, men raffinerade och delikata små verk finns i mycket större antal. Egyptierna använde den distinkta tekniken försänkt relief , som är väl lämpad för mycket starkt solljus. Huvudfigurerna i relieferna följer samma figurkonvention som i målning, med delade ben (där de inte sitter) och huvudet visas från sidan, men bålen framifrån, och en standarduppsättning av proportioner som utgör figuren, med 18 "nävar" för att gå från marken till hårfästet på pannan. Detta dyker upp så tidigt som Narmer-paletten från dynasti I. Däremot används inte konventionen där som på andra ställen för mindre figurer som visas engagerade i någon aktivitet, såsom fångar och lik. Andra konventioner gör statyer av män mörkare än kvinnor. Mycket konventionella porträttstatyer förekommer redan från dynasti II, före 2 780 f.Kr., och med undantag för konsten från Ahkenatens Amarna -period och vissa andra perioder såsom dynasti XII, de idealiserade dragen hos härskare, liksom andra egyptiska konstnärliga konventioner , förändrades lite förrän efter den grekiska erövringen.

Egyptiska faraoner betraktades alltid som gudar, men andra gudar är mycket mindre vanliga i stora statyer, förutom när de representerar faraon som en annan gudom; men de andra gudarna visas ofta i målningar och reliefer. Den berömda raden av fyra kolossala statyer utanför huvudtemplet i Abu Simbel visar var och en av Rameses II , ett typiskt schema, men här exceptionellt stort. Små figurer av gudar, eller deras djurpersonifieringar, är mycket vanliga och finns i populära material som keramik. De flesta större skulpturer överlever från egyptiska tempel eller gravar; senast av dynastin IV (2680–2565 f.Kr.) var idén om Ka-statyn fast etablerad. Dessa lades i gravar som en viloplats för ka- delen av själen , och så har vi ett stort antal mindre konventionella statyer av välbeställda administratörer och deras fruar, många i trä eftersom Egypten är en av få platser i värld där klimatet tillåter trä att överleva under årtusenden. De så kallade reservhuvudena , vanliga hårlösa huvuden, är särskilt naturalistiska. Tidiga gravar innehöll också små modeller av slavar, djur, byggnader och föremål som båtar som var nödvändiga för att den avlidne skulle kunna fortsätta sin livsstil i eftervärlden, och senare Ushabti -figurer.

Europa

Antikens Grekland

Charioteer of Delphi , antik grekisk bronsskulptur , 500-talet f.Kr., närbild av huvuddetalj

Den första särskiljande stilen av antika grekiska skulpturer utvecklades under den tidiga bronsålderns kykladisk period (3:e årtusendet f.Kr.), där marmorfigurer, vanligtvis kvinnliga och små, representeras i en elegant förenklad geometrisk stil. Mest typiskt är en stående ställning med armarna i kors framför, men andra figurer visas i olika ställningar, inklusive en komplicerad figur av en harpist som sitter på en stol.

De efterföljande minoiska och mykenska kulturerna utvecklade skulpturen ytterligare, under inflytande från Syrien och på andra håll, men det är under den senare arkaiska perioden från omkring 650 fvt som kouros utvecklades. Dessa är stora stående statyer av nakna ungdomar, som finns i tempel och gravar, med korean som den klädda kvinnliga motsvarigheten, med omständligt klädt hår; båda har det " åldriga leendet ". De verkar ha tjänat ett antal funktioner, kanske ibland representerande gudar och ibland personen begravd i en grav, som med Kroisos Kouros . De är tydligt influerade av egyptiska och syriska stilar, men de grekiska konstnärerna var mycket mer redo att experimentera inom stilen.

Under 600-talet utvecklades den grekiska skulpturen snabbt, blev mer naturalistisk och med mycket mer aktiva och varierande gestalter i berättande scener, men fortfarande inom idealiserade konventioner. Skulpterade frontoner lades till tempel , inklusive Parthenon i Aten, där resterna av frontonen från omkring 520 med figurer i omgången lyckligtvis användes som utfyllnad för nya byggnader efter den persiska plundringen 480 f.Kr., och återställdes från 1880-talet i fräscht ovädert skick. Andra betydande rester av arkitektonisk skulptur kommer från Paestum i Italien, Korfu , Delfi och Aphaea-templet i Aegina (mycket nu i Munich ). De flesta grekiska skulpturer inkluderade ursprungligen åtminstone någon färg; Ny Carlsberg Glyptotek Museum i Köpenhamn, Danmark, har gjort omfattande forskning och återskapande av de ursprungliga färgerna.

Klassisk
Hög Klassisk högrelief från Elgin Marbles , som ursprungligen dekorerade Parthenon , ca. 447–433 f.Kr

Det finns färre originallämningar från den första fasen av den klassiska perioden, ofta kallad den svåra stilen ; fristående statyer gjordes nu mestadels i brons, som alltid hade värde som skrot. Stilen Severe varade från cirka 500 i reliefer, och strax efter 480 i statyer, till cirka 450. De relativt stela ställningarna av figurer slappnade av, och asymmetriska vändningsställningar och sneda vyer blev vanliga och medvetet sökte. Detta kombinerades med en bättre förståelse för anatomi och den harmoniska strukturen hos skulpterade figurer, och strävan efter naturalistisk representation som mål, som inte hade funnits tidigare. Utgrävningar vid Zeustemplet i Olympia sedan 1829 har avslöjat den största gruppen av lämningar, från cirka 460, av vilka många finns i Louvren .

Den "Högklassiska" perioden varade bara några decennier från cirka 450 till 400, men har haft ett betydelsefullt inflytande på konsten och har behållit en speciell prestige, trots ett mycket begränsat antal ursprungliga överlevnad. De mest kända verken är Parthenon Marbles , traditionellt (sedan Plutarchus ) utförda av ett team ledd av den mest kända antika grekiska skulptören Phidias , verksam från omkring 465–425, som på sin egen tid var mer känd för sin kolossala kryselefantiska staty av Zeus vid Olympia (ca 432), ett av den antika världens sju underverk , hans Athena Parthenos (438), kultbilden av Parthenon , och Athena Promachos , en kolossal bronsfigur som stod bredvid Parthenon; alla dessa är förlorade men är kända från många framställningar. Han krediteras också som skaparen av några bronsstatyer i naturlig storlek som bara är kända från senare kopior vars identifiering är kontroversiell, inklusive Ludovisi Hermes .

Den höga klassiska stilen fortsatte att utveckla realism och sofistikering i den mänskliga figuren, och förbättrade skildringen av draperi (kläder), och använde den för att öka effekten av aktiva poser. Ansiktsuttrycken var vanligtvis mycket återhållsamma, även i stridsscener. Sammansättningen av grupper av figurer i reliefer och på pediment kombinerade komplexitet och harmoni på ett sätt som hade ett permanent inflytande på västerländsk konst. Lättnaden kan verkligen vara mycket hög, som i Parthenon-illustrationen nedan, där det mesta av krigarens ben är helt fristående från bakgrunden, liksom de saknade delarna; relief denna höga gjorde skulpturer mer utsatta för skador. Den sena klassiska stilen utvecklade den fristående kvinnliga nakenstatyn, förmodligen en innovation av Praxiteles , och utvecklade allt mer komplexa och subtila poser som var intressanta när de betraktades från ett antal vinklar, såväl som mer uttrycksfulla ansikten; båda trenderna skulle tas mycket längre under den hellenistiska perioden.

Hellenistisk
Den hellenistiska periodens pergamenestil, från Pergamonaltaret, tidigt 200-tal

Den hellenistiska perioden är konventionellt daterad från Alexander den Stores död 323 f.v.t., och slutar antingen med Roms slutliga erövring av de grekiska kärnområdena av Rom 146 fvt eller med det slutliga nederlaget för den sista kvarvarande efterträdarstaten till Alexanders imperium efter Slaget vid Actium år 31 f.Kr., vilket också markerar slutet på det republikanska Rom . Den är alltså mycket längre än de tidigare perioderna, och omfattar åtminstone två stora faser: en "Pergamene"-stil av experimenterande, överflöd och viss sentimentalitet och vulgaritet, och på 200-talet f.Kr. en klassisk återgång till en mer stram enkelhet och elegans; bortom sådana generaliseringar är dejting typiskt mycket osäkert, särskilt när man bara känner till senare kopior, vilket vanligtvis är fallet. Den ursprungliga Pergamene-stilen var inte särskilt associerad med Pergamon , som den har fått sitt namn från, men de mycket rika kungarna i den staten var bland de första som samlade och kopierade klassisk skulptur och beställde också mycket nytt arbete, inklusive det berömda Pergamonaltaret vars skulptur nu mestadels finns i Berlin och som exemplifierar den nya stilen, liksom mausoleet i Halikarnassus (ett annat av de sju underverken), den berömda Laocoön och hans söner i Vatikanmuseerna , ett sent exempel, och bronsoriginalet till The Dying Gallien (illustrerad överst), som vi vet var en del av en grupp som faktiskt beställdes för Pergamon omkring 228 f.Kr., från vilken Ludovisi Gallien också var en kopia. Gruppen som kallas Farnese Bull , möjligen ett original i marmor från 200-talet, är fortfarande större och mer komplex,

Små grekiska terrakottafigurer var mycket populära som prydnadsföremål i hemmet

Hellenistisk skulptur utökade kraftigt utbudet av representerade ämnen, delvis som ett resultat av större allmänt välstånd, och uppkomsten av en mycket rik klass som hade stora hus dekorerade med skulptur, även om vi vet att några exempel på ämnen som verkar passa hemmet bäst , som barn med djur, placerades i själva verket i tempel eller andra offentliga platser. För en mycket mer populär heminredningsmarknad fanns Tanagra-figurer och de från andra centra där små keramikfigurer tillverkades i industriell skala, några religiösa men andra visar djur och elegant klädda damer. Skulptörer blev mer tekniskt skickliga på att representera ansiktsuttryck som förmedlar en mängd olika känslor och porträtt av individer, samt att representera olika åldrar och raser. Relieferna från mausoleet är ganska atypiska i det avseendet; det mesta arbetet var fristående, och gruppkompositioner med flera figurer som kunde ses i omgången, som Laocoon- och Pergamon-gruppen som firade segern över gallerna blev populära, efter att ha varit sällsynta tidigare. Barberini -faunen , som visar en satyr som svävar ut i sömnen, förmodligen efter en drink, är ett exempel på periodens moraliska avslappning och beredskapen att skapa stora och dyra skulpturer av ämnen som inte uppfyller det heroiska.

Efter erövringarna av Alexander var den hellenistiska kulturen dominerande vid domstolarna i större delen av Främre Orienten, och en del av Centralasien , och antogs alltmer av europeiska eliter, särskilt i Italien, där grekiska kolonier till en början kontrollerade större delen av södern. Hellenistisk konst, och konstnärer, spreds mycket brett, och var särskilt inflytelserik i den expanderande romerska republiken och när den mötte buddhismen i de östligaste förlängningarna av det hellenistiska området. Den massiva så kallade Alexandersarkofagen som hittats i Sidon i det moderna Libanon, tillverkades förmodligen där i början av perioden av utländska grekiska konstnärer för en helleniserad persisk guvernör. Periodens rikedom ledde till en kraftigt ökad produktion av lyxiga former av små skulpturer, inklusive graverade ädelstenar och cameos, smycken och guld- och silverföremål.

Europa efter grekerna

Romersk skulptur
Avsnitt av Trajanus kolumn , CE 113, med scener från Dacian Wars

Den tidiga romerska konsten var influerad av konsten från Grekland och av de angränsande etruskerna , själva starkt påverkade av deras grekiska handelspartners. En etruskisk specialitet var gravbilder i naturlig storlek i terrakotta , vanligtvis liggande ovanpå ett sarkofaglock som stod upprätt på ena armbågen i ställningen som en restaurang under den perioden. När den expanderande romerska republiken började erövra grekiskt territorium, först i södra Italien och sedan hela den hellenistiska världen med undantag för den parthiska fjärran östern, blev officiella och patricierskulpturer till stor del en förlängning av den hellenistiska stilen, från vilken specifikt romerska element är svåra att lösa upp, särskilt som så mycket grekisk skulptur bara finns kvar i kopior av den romerska perioden. På 200-talet f.Kr. var "de flesta av skulptörerna som arbetade i Rom" grekiska, ofta förslavade i erövringar som den i Korinth (146 fvt), och skulptörer fortsatte att vara mestadels greker, ofta slavar, vars namn mycket sällan registreras. Ett stort antal grekiska statyer importerades till Rom, vare sig det var som byte eller resultatet av utpressning eller handel, och tempel dekorerades ofta med återanvända grekiska verk.

En infödd italiensk stil kan ses i gravmonumenten, som mycket ofta innehöll porträttbyster, av välmående medelklassromare, och porträtt är utan tvekan den främsta styrkan hos romersk skulptur. Det finns inga överlevanden från traditionen med masker av förfäder som bars i processioner vid de stora familjernas begravningar och i övrigt visades i hemmet, men många av de byster som överlever måste föreställa förfädersfigurer, kanske från de stora familjegravarna som t.ex. Scipios grav eller den senare mausolean utanför staden. Det berömda bronshuvudet som förmodligen är av Lucius Junius Brutus är mycket varierande daterat, men tas som en mycket sällsynt överlevnad av kursiv stil under republiken, i det föredragna mediet brons. På samma sätt ses stränga och kraftfulla huvuden på mynt från den sena republiken, och under den kejserliga perioden var mynt såväl som byster som skickades runt riket för att placeras i basilikan i provinsstäderna den huvudsakliga visuella formen av kejserlig propaganda; till och med Londinium hade en nästan kolossal staty av Nero , fastän mycket mindre än den 30 meter höga kolossen av Nero i Rom, nu förlorad.

Augustan statlig grekisk-romersk stil på Ara Pacis , 13 f.Kr

Romarna försökte i allmänhet inte konkurrera med fristående grekiska verk av heroiska bedrifter från historien eller mytologin, utan producerade från tidigt historiska verk i relief, som kulminerade i de stora romerska triumfkolonnerna med kontinuerliga narrativa reliefer som slingrade sig runt dem, varav de Till minne av Trajanus (113 e.Kr.) och Marcus Aurelius (år 193) överlever i Rom, där Ara Pacis ("Fredens altare", 13 f.Kr.) representerar den officiella grekisk-romerska stilen när den är mest klassisk och raffinerad. Bland andra stora exempel är de tidigare återanvända relieferna på Konstantinbågen och basen av Antoninus Pius kolumn (161), Campana-relieferna var billigare keramikversioner av marmorreliefer och smaken för relief var från kejsartiden utökad till att sarkofagen. Alla former av lyxiga små skulpturer fortsatte att vara nedlåtande, och kvaliteten kunde vara extremt hög, som i silver Warren Cup , glas Lycurgus Cup och stora cameos som Gemma Augustea , Gonzaga Cameo och " Great Cameo of France ". För en mycket bredare del av befolkningen producerades formgjuten reliefdekoration av keramikkärl och små statyetter i stor mängd och ofta av hög kvalitet.

Efter att ha gått igenom en "barockfas" från slutet av 200-talet, på 300-talet, övergav romersk konst till stor del, eller blev helt enkelt oförmögen att producera, skulptur i den klassiska traditionen, en förändring vars orsaker fortfarande diskuteras mycket. Även de viktigaste kejserliga monumenten visade nu stubbiga, storögda gestalter i en hård frontalstil, i enkla kompositioner som betonade makt på bekostnad av nåden. Kontrasten illustreras berömt i Konstantins båge från 315 i Rom, som kombinerar sektioner i den nya stilen med rundlar i den tidigare fullständiga grekisk-romerska stilen hämtade från andra håll, och de fyra tetrarkerna (ca 305) från den nya huvudstaden i Konstantinopel , nu i Venedig. Ernst Kitzinger fann i båda monumenten samma "stubbiga proportioner, vinklade rörelser, en ordning av delar genom symmetri och upprepning och en återgivning av drag och draperier genom snitt snarare än modellering... Stilens kännetecken vart den än dyker upp består av en eftertrycklig hårdhet, tyngd och kantighet - kort sagt ett nästan fullständigt förkastande av den klassiska traditionen".

Denna revolution i stil föregick kort tid den period då kristendomen antogs av den romerska staten och den stora majoriteten av folket, vilket ledde till slutet för stora religiösa skulpturer, med stora statyer som nu bara används för kejsare. Rika kristna fortsatte dock att beställa reliefer för sarkofager, som i sarkofagen av Junius Bassus , och mycket små skulpturer, särskilt i elfenben, fortsatte av kristna, som bygger på stilen från den konsulära diptiken .

Tidig medeltid och bysantinsk
Silvermonster på en chape , skotskt eller anglosaxiskt, St Ninian's Isle Treasure, ca. 800?
Gero Cross , ca. 965–970, Köln, Tyskland. Det första stora exemplet på återupplivandet av stor skulptur

De tidiga kristna var emot monumentala religiösa skulpturer, men de fortsatte romerska traditioner i porträttbyster och sarkofagreliefer , såväl som mindre föremål som den konsulära diptyken. Sådana föremål, ofta i värdefulla material, var också de viktigaste skulpturtraditionerna (så vitt det är känt) för de barbariska civilisationerna under migrationsperioden, som man såg i föremålen som hittades i 600-talets begravningsskatt i Sutton Hoo , och smyckena av skytisk konst och hybridproduktioner av kristen och djurstil av Insular konst . Efter den fortsatta bysantinska traditionen återupplivade karolingisk konst elfenbenssnideri, ofta i paneler för skattbindningar av storslagna upplysta manuskript , såväl som crozierhuvuden och andra små beslag.

Även om den bysantinska konsten producerade fantastiska elfenbensreliefer och dekorativa arkitektoniska sniderier, återvände aldrig till monumental skulptur, eller ens mycket liten skulptur i rundan. Men i västerlandet under de karolingiska och ottoniska perioderna började en produktion av monumentala statyer, i domstolar och stora kyrkor. Detta spred sig gradvis; i slutet av 900- och 1000-talet finns det uppgifter om flera till synes naturliga skulpturer i anglosaxiska kyrkor, förmodligen av ädel metall runt en träram, som den gyllene madonnan i Essen . Inget anglosaxiskt exempel har överlevt, och överlevnad av stora icke-arkitektoniska skulpturer från före 1 000 är exceptionellt sällsynta. Det finaste är Gero Cross , från 965–970, som är ett krucifix , som uppenbarligen var den vanligaste typen av skulptur; Karl den Store hade satt upp en i Palatinska kapellet i Aachen omkring år 800. Dessa fortsatte att växa i popularitet, särskilt i Tyskland och Italien. Den nordiska världens runstenar , de piktiska stenarna i Skottland och möjligen de höga korsrelieferna från det kristna Storbritannien, var nordliga skulpturtraditioner som överbryggade kristnandets period.

romansk
The Brunswick Lion , 1166, den första stora ihåliga avgjutningen av en figur sedan antiken, 1,78 meter hög och 2,79 meter lång

Från omkring år 1000 skedde en allmän återfödelse av konstnärlig produktion i hela Europa, ledd av allmän ekonomisk tillväxt inom produktion och handel, och den nya stilen av romansk konst var den första medeltida stilen som användes i hela Västeuropa. De nya katedralerna och pilgrimskyrkorna dekorerades allt mer med arkitektoniska stenreliefer och nya fokus för skulptur utvecklades, som tympanon över kyrkdörrar på 1100-talet och den bebodda huvudstaden med figurer och ofta berättarscener. Enastående klosterkyrkor med skulptur inkluderar i Frankrike Vézelay och Moissac och i Spanien Silos .

Den romanska konsten präglades av en mycket kraftfull stil i både skulptur och måleri. Kolumnhuvudstäderna var aldrig mer spännande än under denna period, då de ofta var ristade med kompletta scener med flera figurer. Det stora träkrucifixet var en tysk innovation redan i början av perioden, liksom fristående statyer av den tronande Madonnan, men den höga reliefen var framför allt periodens skulpturala form. Kompositioner hade vanligtvis lite djup och behövde vara flexibla för att klämma in sig i formerna av versaler och kyrkliga typanums; spänningen mellan en tätt omslutande ram, från vilken kompositionen ibland flyr, är ett återkommande tema i den romanska konsten. Figurer varierade fortfarande ofta i storlek i förhållande till deras betydelse porträtt existerade knappast.

Föremål i ädla material som elfenben och metall hade en mycket hög status under perioden, mycket mer än monumental skulptur - vi känner namnen på fler tillverkare av dessa än målare, illuminatorer eller arkitekt-murare. Metallarbete, inklusive dekoration i emalj , blev mycket sofistikerat, och många spektakulära helgedomar gjorda för att hålla reliker har överlevt, varav den mest kända är de tre kungarnas helgedom vid Kölnerdomen av Nicholas av Verdun . Gloucester-ljusstaken i brons och mässingstypsnittet från 1108–17 nu i Liège är fantastiska exempel, mycket olika i stil, på metallgjutning, den förra mycket intrikat och energisk, tecknad på manuskriptmålning, medan typsnittet visar Mosan-stilen som mest klassisk och majestätisk. Bronsdörrarna, en triumfpelare och andra beslag vid Hildesheim-katedralen , Gniezno -dörrarna och dörrarna till Basilica di San Zeno i Verona är andra betydande överlevnadsobjekt. Akvamanilen , en behållare för vatten att tvätta med, verkar ha introducerats till Europa på 1000-talet och tog ofta fantastiska zoomorfa former ; överlevande exempel är mestadels i mässing. Många vaxavtryck från imponerande sigill finns kvar på charter och dokument, även om romanska mynt i allmänhet inte är av stort estetiskt intresse.

Klosterkorset är ett ovanligt stort elfenbenskrucifix , med komplex snidning inklusive många figurer av profeter och andra, som har tillskrivits en av de relativt få konstnärer vars namn är känt, mästare Hugo , som också belyst manuskript. Som många delar var den ursprungligen delvis färgad. Lewis -schackmännen är välbevarade exempel på små elfenben, av vilka många pjäser eller fragment finns kvar från croziers , plack, bröstkors och liknande föremål.

Gotisk
Fransk elfenben Jungfru och barn, slutet av 1200-talet, 25 cm hög, böjd för att passa formen på elfenbensbeten

Den gotiska perioden definieras i huvudsak av gotisk arkitektur och passar inte helt in i stilutvecklingen inom skulptur vare sig dess början eller slut. Fasaderna på stora kyrkor, framför allt runt dörrar, fortsatte att ha stora typanumer, men också rader av skulpterade figurer spridda runt sig. Statyerna på den västra (kungliga) portalen vid Chartres katedral (ca 1145) visar en elegant men överdriven pelarformad förlängning, men statyerna på den södra korsarmsportalen , från 1215 till 1220, visar en mer naturalistisk stil och ökande avskildhet från väggen bakom , och viss medvetenhet om den klassiska traditionen. Dessa trender fortsatte i den västra portalen vid Reims katedral några år senare, där figurerna nästan är i varv, vilket blev vanligt när gotiken spred sig över Europa.

I Italien utvecklade Nicola Pisano (1258–1278) och hans son Giovanni en stil som ofta kallas proto-renässans , med omisskännlig inflytande från romerska sarkofager och sofistikerade och myllrande kompositioner, inklusive en sympatisk hantering av nakenhet, i reliefpaneler på deras predikstol . Sienas katedral (1265–68) , Fontana Maggiore i Perugia och Giovannis predikstol i Pistoia 1301. En annan återupplivning av klassisk stil ses i Claus Sluters och hans anhängares internationella gotiska verk i Bourgogne och Flandern omkring 1400. Skulptur sengotisk skulptur fortsatte i norr, med ett mode för mycket stora träskulpterade altartavlor med allt mer virtuosa snideri och ett stort antal agiterade uttrycksfulla gestalter; de flesta överlevande exemplen finns i Tyskland, efter mycket ikonoklasm ​​på andra håll. Tilman Riemenschneider , Veit Stoss och andra fortsatte stilen långt in på 1500-talet, och absorberade gradvis italienska renässansinfluenser.

Gravbilder i naturlig storlek i sten eller alabaster blev populära för de rika, och stora gravar på flera nivåer utvecklades, med Scaliger-gravarna i Verona så stora att de måste flyttas utanför kyrkan. På 1400-talet fanns det en industri som exporterade Nottingham alabaster altareliefer i grupper av paneler över stora delar av Europa för ekonomiska församlingar som inte hade råd med stenbord. Små sniderier, för en huvudsakligen lekmanna- och ofta kvinnlig marknad, blev en betydande industri i Paris och några andra centra. Typer av elfenben inkluderade små hängivna polyptyker , singelfigurer, särskilt av Jungfrun , spegelfodral, kammar och utarbetade skrin med scener från romanser , som används som förlovningspresenter. De mycket rika samlade extravagant utarbetade juveler och emaljerade metallarbeten, både sekulära och religiösa, som Duc de Berry 's Holy Thorn Reliquary, tills de fick ont ​​om pengar, när de smältes ner igen för kontanter.

Renässans

Michelangelo , Påven Julius II:s grav, ca. 1545, med statyer av Rakel och Lea till vänster och höger om hans Moses

Den egentliga renässansskulpturen tas ofta till att börja med den berömda tävlingen om dörrarna till dopkyrkan i Florens 1403, från vilken de provmodeller som inlämnats av vinnaren, Lorenzo Ghiberti , och Filippo Brunelleschi överlever. Ghibertis dörrar är fortfarande på plats, men förmörkades utan tvekan av hans andra par för den andra ingången, de så kallade Gates of Paradise , som tog honom från 1425 till 1452, och är bländande självsäkra klassiska kompositioner med varierande reliefdjup som tillåter omfattande bakgrunder . De mellanliggande åren hade sett Ghibertis tidiga assistent Donatello utvecklas med säregna statyer inklusive hans Davids i marmor (1408–09) och brons (1440-tal), och hans ryttarstaty av Gattamelata, såväl som reliefer. En ledande figur under den senare perioden var Andrea del Verrocchio , mest känd för sin ryttarstaty av Bartolomeo Colleoni i Venedig; hans elev Leonardo da Vinci designade en hästskulptur 1482 The Horse for Milan , men lyckades bara göra en 24-fots (7,3 m) lermodell som förstördes av franska bågskyttar 1499, och hans andra ambitiösa skulpturplaner blev aldrig färdiga.

Perioden präglades av en stor ökning av beskydd av skulptur av staten för offentlig konst och av de rika för sina hem; särskilt i Italien är offentlig skulptur fortfarande ett avgörande inslag i utseendet på historiska stadskärnor. Kyrkoskulpturer flyttade mestadels inuti precis som utanför offentliga monument blev vanliga. Porträttskulpturer, vanligtvis i byster, blev populär i Italien omkring 1450, med napolitanen Francesco Laurana som specialiserade sig på unga kvinnor i meditativa poser, medan Antonio Rossellino och andra oftare avbildade män med knöliga ansikten, men även små barn. Porträttmedaljen som uppfanns av Pisanello föreställde också ofta kvinnor ; reliefplaketter var en annan ny liten form av skulptur i gjuten metall .

Michelangelo var en aktiv skulptör från omkring 1500 till 1520, och hans stora mästerverk inklusive hans David , Pietà , Moses och verk för graven av påven Julius II och Medici Chapel kunde inte ignoreras av efterföljande skulptörer. Hans ikoniska David (1504) har en kontrapostoställning , lånad från klassisk skulptur. Den skiljer sig från tidigare framställningar av ämnet genom att David avbildas före sin strid med Goliat och inte efter jättens nederlag. Istället för att visas som segrare, som Donatello och Verocchio hade gjort, ser David spänd ut och stridsberedd.

Manierist

Adriaen de Vries , Mercury and Psyche Northern Manierist brons i naturlig storlek, tillverkad 1593 för Rudolf II, den heliga romerska kejsaren .

Liksom i måleriet var den tidiga italienska maneristiska skulpturen till stor del ett försök att hitta en originalstil som skulle toppa prestationerna under den höga renässansen , vilket i skulpturen i huvudsak betydde Michelangelo, och mycket av kampen för att uppnå detta utspelades i uppdrag att fylla andra platser på Piazza della Signoria i Florens, bredvid Michelangelos David . Baccio Bandinelli tog över projektet med Hercules och Cacus från mästaren själv, men det var lite mer populärt än det är nu och illvilligt jämfört av Benvenuto Cellini med "en säck meloner", även om det hade en långvarig effekt i uppenbarligen introducerar reliefpaneler på statyernas piedestal för första gången. Liksom andra verk av hans och andra mannerister tar den bort mycket mer av det ursprungliga blocket än vad Michelangelo skulle ha gjort. Cellinis brons Perseus med huvudet av Medusa är förvisso ett mästerverk, designat med åtta synvinklar, en annan maneristisk egenskap, men är verkligen sätt jämfört med Davids av Michelangelo och Donatello. Ursprungligen guldsmed, hans berömda guld- och emaljsaltkällare ( 1543) var hans första skulptur och visar hans talang när den är som bäst. Som dessa exempel visar, utökade perioden utbudet av sekulära ämnen för stora verk bortom porträtt, med mytologiska figurer särskilt gynnade; tidigare hade dessa mest hittats i små verk.

Små bronsfigurer för samlarskåp , ofta mytologiska ämnen med nakenbilder, var en populär renässansform där Giambologna , ursprungligen flamländsk men baserad i Florens, utmärkte sig under senare delen av århundradet, och skapade också skulpturer i naturlig storlek, varav två anslöt sig till samling på Piazza della Signoria. Han och hans anhängare utarbetade eleganta avlånga exempel på figura serpentinata , ofta av två sammanflätade figurer, som var intressanta från alla vinklar.

Barock och rokoko

I barockskulpturen fick grupper av figurer ny betydelse, och det fanns en dynamisk rörelse och energi av mänskliga former - de spiralerade runt en tom central virvel eller sträckte sig utåt i det omgivande rummet. Barockskulpturer hade ofta flera idealiska betraktningsvinklar och återspeglade en allmän fortsättning på renässansens övergång från reliefen till skulptur skapad i rundan och designad för att placeras mitt i ett stort utrymme - utarbetade fontäner som Berninis Fontana dei Quattro Fiumi (Rom, 1651), eller de i Versailles trädgårdar var en barockspecialitet. Barockstilen passade perfekt för skulptur, med Gian Lorenzo Bernini som tidens dominerande figur i verk som The Ecstasy of St Theresa (1647–1652). Mycket barockskulptur lade till extra skulpturala element, till exempel dold belysning eller vattenfontäner, eller sammansmält skulptur och arkitektur för att skapa en transformerande upplevelse för betraktaren. Konstnärer såg sig själva som i den klassiska traditionen, men beundrade hellenistisk och senare romersk skulptur, snarare än den från de mer "klassiska" perioderna som de ses idag.

Den protestantiska reformationen gjorde ett nästan totalt stopp för religiös skulptur i stora delar av norra Europa, och även om sekulär skulptur, särskilt för porträttbyster och gravmonument , fortsatte, har den holländska guldåldern ingen betydande skulptural komponent utanför guldsmedsarbetet. Delvis i direkt reaktion var skulpturen lika framträdande i den romerska katolicismen som under senmedeltiden. Statyer av härskare och adeln blev allt populärare. Under 1700-talet fortsatte mycket skulptur på barocklinjer – Fontana di Trevi färdigställdes först 1762. Rokokostilen var bättre lämpad för mindre verk, och hittade utan tvekan sin idealiska skulpturala form i tidigt europeiskt porslin och inredningsdekorationer i trä eller gips som t.ex. som de i franska inhemska interiörer och österrikiska och bayerska pilgrimskyrkor .

Nyklassisk

Den nyklassicistiska stilen som kom i slutet av 1700-talet lade stor vikt vid skulptur. Jean-Antoine Houdon exemplifierar den genomträngande porträttskulpturen som stilen kunde producera, och Antonio Canovas nakenbilder den idealistiska aspekten av rörelsen. Den nyklassiska perioden var en av de stora åldrarna för offentlig skulptur, även om dess "klassiska" prototyper var mer sannolikt att vara romerska kopior av hellenistiska skulpturer. Inom skulpturen är de mest välbekanta representanterna italienaren Antonio Canova , engelsmannen John Flaxman och dansken Bertel Thorvaldsen . Det europeiska neoklassiska sättet fick också fäste i USA, där dess höjdpunkt inträffade något senare och exemplifieras i Hiram Powers skulpturer .

Asien

Grekisk-buddhistisk skulptur och Asien

En av de första representationerna av Buddha , 1:a–2:a århundradet CE, Gandhara

Grekisk-buddhistisk konst är den konstnärliga manifestationen av grekisk-buddhismen , en kulturell synkretism mellan den klassiska grekiska kulturen och buddhismen , som utvecklades under en period av nära 1000 år i Centralasien, mellan erövringarna av Alexander den store på 300-talet f.Kr. och de islamiska erövringarna på 700-talet e.Kr. Grekisk-buddhistisk konst kännetecknas av den hellenistiska konstens starka idealistiska realism och de första representationerna av Buddha i mänsklig form, som har hjälpt till att definiera den konstnärliga (och särskilt skulpturala) kanonen för buddhistisk konst över hela den asiatiska kontinenten fram till idag. Även om datering är osäkert, verkar det som att starkt hellenistiska stilar levde kvar i öster under flera århundraden efter att de hade avtagit runt Medelhavet, så sent som på 500-talet e.Kr. Vissa aspekter av grekisk konst antogs medan andra inte spreds utanför det grekisk-buddhistiska området; i synnerhet den stående figuren, ofta med en avslappnad ställning och ett böjt ben, och de flygande cupiderna eller segrarna, som blev populära över Asien som apsaras . Grekisk lövdekoration var också inflytelserik, med indiska versioner av den korintiska huvudstaden .

Ursprunget till den grekisk-buddhistiska konsten återfinns i det hellenistiska grekisk-baktriska kungariket (250–130 f.v.t.), beläget i dagens Afghanistan , varifrån den hellenistiska kulturen strålade in i den indiska subkontinenten i och med etableringen av det lilla indo-grekiska kungariket ( 180–10 f.Kr.). Under indo-grekerna och sedan Kushanerna blomstrade samspelet mellan den grekiska och buddhistiska kulturen i området Gandhara , i dagens norra Pakistan, innan den spred sig vidare in i Indien, och påverkade konsten Mathura , och sedan den hinduiska konsten i Gupta-imperiet , som skulle sträcka sig till resten av Sydostasien. Inflytandet av den grekisk-buddhistiska konsten spred sig också norrut mot Centralasien , vilket starkt påverkade konsten i Tarimbassängen och Dunhuang-grottorna och slutligen den skulpterade figuren i Kina, Korea och Japan.

Kina

Sittande Bodhisattva Guanyin , trä och pigment, 1000-talet, Northern Song-dynastin .

Kinesiska rituella bronser från Shang- och västra Zhou-dynastierna kommer från en period på över tusen år från ca. 1500 f.Kr., och har utövat ett fortsatt inflytande över kinesisk konst . De är gjutna med komplex mönstrad och zoomorfisk dekoration, men undvik den mänskliga figuren, till skillnad från de enorma figurerna som nyligen upptäcktes vid Sanxingdui . Den spektakulära terrakottaarmén samlades för graven av Qin Shi Huang , den första kejsaren av ett enat Kina från 221 till 210 fvt, som en storslagen kejserlig version av figurerna som länge placerats i gravar för att göra det möjligt för den avlidne att njuta av samma livsstil i efterlivet som när de levde, ersätter faktiska uppoffringar från mycket tidiga perioder. Mindre figurer i keramik eller trä placerades i gravar under många århundraden efteråt, och nådde en topp av kvalitet i Tang-dynastins gravfigurer . Traditionen med ovanligt stora keramikfigurer höll i sig i Kina, genom Tang sancai gravfigurer till senare buddhistiska statyer som den nästan naturliga storleken av Yixian glaserade keramikluohans och senare figurer för tempel och gravar. Dessa kom att ersätta tidigare motsvarigheter i trä.

Infödda kinesiska religioner använder vanligtvis inte kultbilder av gudar, eller representerar dem ens, och stora religiösa skulpturer är nästan helt buddhistiska, mestadels från 400- till 1300-talet, och initialt använder de grekisk-buddhistiska modeller som anländer via Sidenvägen . Buddhismen är också sammanhanget för all stor porträttskulptur; i total kontrast till vissa andra områden, i det medeltida Kina betraktades till och med målade bilder av kejsaren som privata. Kejserliga gravar har spektakulära vägar kantade av verkliga och mytologiska djur i en skala som matchar Egypten, och mindre versioner pryder tempel och palats.

Små buddhistiska figurer och grupper producerades till en mycket hög kvalitet i en mängd olika medier, liksom reliefdekoration av alla möjliga föremål, särskilt i metall och jade . Under de tidigare perioderna skars stora mängder skulpturer ur den levande klippan i pilgrimsfärdsgrottkomplex och som klippreliefer utanför . Dessa var mestadels ursprungligen målade. I anmärkningsvärd kontrast till litterära målare, betraktades skulptörer av alla slag som hantverkare och mycket få namn finns registrerade. Från Mingdynastin och framåt producerades statyetter av religiösa och sekulära personer i kinesiskt porslin och andra medier, vilket blev en viktig exportvara.

Japan

Nara Daibutsu , ca. 752, Nara , Japan

Mot slutet av den långa neolitiska Jōmon-perioden var några keramikkärl "flamkantade" med extravaganta förlängningar av kanten som bara kan kallas skulpturala, och mycket stiliserade keramikhund- figurer producerades, många med den karakteristiska "snöglasögonen". ögon. Under Kofun-perioden på 300- till 600-talet e.Kr. restes haniwa -terrakottafigurer av människor och djur i en förenklad stil utanför viktiga gravar. Buddhismens ankomst på 600-talet förde med sig sofistikerade traditioner inom skulptur, kinesiska stilar förmedlade via Korea. Hōryū-ji från 700-talet och dess innehåll har överlevt mer intakt än något östasiatiskt buddhistiskt tempel från dess datum, med verk inklusive en Shaka Treenighet av 623 i brons, som visar den historiska Buddha flankerad av två bodhisattvor och även Guardian Kings of the Guardian Kings of the 623. Fyra riktningar .

Jōchō sägs vara en av de största buddhistiska skulptörerna inte bara under Heian-perioden utan också i historien om buddhistiska statyer i Japan. Jōchō omdefinierade kroppsformen på Buddha-statyer genom att fullända tekniken "yosegi zukuri" (寄木造り) som är en kombination av flera träslag. Buddhastatyns fridfulla uttryck och graciösa figur som han gjorde fullbordade en japansk skulpturstil av Buddha-statyer som kallas "Jōchō yō" (Jōchō-stil, 定朝様) och bestämde stilen för japanska buddhiststatyer från den senare perioden. Hans prestation höjde dramatiskt busshis (buddhistiska skulptör) sociala status i Japan.

Under Kamakura-perioden etablerade Minamoto -klanen Kamakura-shogunatet och samurajklassen härskade praktiskt taget över Japan för första gången. Jochos efterträdare, skulptörer av Kei-skolan för buddhistiska statyer, skapade realistiska och dynamiska statyer för att passa smaken av samurajer, och japansk buddhistisk skulptur nådde sin topp. Unkei , Kaikei och Tankei var kända, och de gjorde många nya Buddha-statyer vid många tempel som Kofuku-ji , där många Buddha-statyer hade förlorats i krig och bränder.

Nästan alla efterföljande betydande stora skulpturer i Japan var buddhistiska, med några shintomotsvarigheter , och efter att buddhismen sjönk i Japan på 1400-talet blev monumentalskulpturen till stor del arkitektonisk utsmyckning och mindre betydelsefull. Men skulpturarbete inom den dekorativa konsten utvecklades till en anmärkningsvärd nivå av teknisk prestation och förfining i små föremål som inro och netsuke i många material, och metalltosogu eller japanska svärdfästen . På 1800-talet fanns det exportindustrier av små bronsskulpturer av extrem virtuositet, elfenben och porslinsfigurer och andra typer av små skulpturer, som i allt högre grad betonade tekniska prestationer.

indiska subkontinenten

Hindu Gupta terrakotta relief, 500-talet e.Kr., av Krishna Killing the Horse Demon Keshi

Den första kända skulpturen på den indiska subkontinenten är från civilisationen i Indusdalen (3300–1700 f.Kr.), som finns på platser vid Mohenjo-daro och Harappa i dagens Pakistan . Dessa inkluderar den berömda lilla bronsdansösen och den så kallade Priest-kungen . Sådana figurer i brons och sten är dock sällsynta och i stor utsträckning överträffade av keramikfigurer och stensigill, ofta av djur eller gudar mycket fint avbildade. Efter kollapsen av Indus Valley-civilisationen finns det få uppgifter om skulptur fram till den buddhistiska eran, bortsett från en mängd kopparfigurer från (något kontroversiellt) ca. 1500 f.Kr. från Daimabad . Således verkar den stora traditionen av indisk monumental skulptur i sten börja, i förhållande till andra kulturer, och utvecklingen av den indiska civilisationen, relativt sent, med Asokas regeringstid från 270 till 232 f.Kr., och Ashokas pelare som han reste runt Indien, bär hans påbud och toppas av berömda skulpturer av djur, mestadels lejon, varav sex överlever. Stora mängder figurativa skulpturer, mestadels i relief, överlever från tidiga buddhistiska pilgrimsfärdsstupor, framför allt Sanchi ; dessa utvecklades förmodligen ur en tradition med trä som också omfattade hinduismen .

De rosa sandsten hinduiska, jainiska och buddhistiska skulpturerna i Mathura från 1:a till 300-talet e.Kr. speglade både inhemska indiska traditioner och de västerländska influenser som mottogs genom den grekisk-buddhistiska konsten Gandhara, och etablerade effektivt grunden för efterföljande indisk religiös skulptur. Stilen framkallades och spreds till och med större delen av Indien under Gupta-riket (ca 320–550) som är en "klassisk" period för indisk skulptur, som täcker de tidigare Ellora-grottorna , även om Elephanta-grottorna förmodligen är något senare. Senare storskalig skulptur förblir nästan uteslutande religiös, och i allmänhet ganska konservativ, ofta tillbaka till enkla frontala stående poser för gudar, även om de åtföljande andarna som apsaras och yakshi ofta har sinnligt böjda poser. Carving är ofta mycket detaljerad, med en intrikat baksida bakom huvudfiguren i hög relief. De berömda bronserna från Chola -dynastin (ca 850–1250) från södra Indien, många utformade för att bäras i processioner, inkluderar den ikoniska formen av Shiva som Nataraja , med de massiva granitristningarna från Mahabalipuram från den tidigare Pallava -dynastin.

Sydöstra Asien

Khmeröverstycke från 800-talet

Skulpturen i regionen tenderar att kännetecknas av en hög grad av utsmyckning, vilket kan ses i de stora monumenten av hinduiska och buddhistiska khmerskulpturer (800- till 1200-talen) i Angkor Wat och på andra håll, det enorma buddhistiska komplexet från 800-talet i Borobudur i Java och de hinduiska monumenten på Bali . Båda dessa inkluderar många reliefer såväl som figurer i rundan; Borobudur har 2 672 reliefpaneler, 504 Buddha-statyer, många delvis dolda i genombrutna stupor och många stora väktare.

I Thailand och Laos var skulpturen huvudsakligen av Buddhabilder , ofta förgyllda, både stora för tempel och kloster, och små statyetter för privata hem. Traditionell skulptur i Myanmar dök upp före Bagan-perioden . Som på andra håll i regionen har de flesta träskulpturerna från Bagan- och Ava-perioderna gått förlorade.

Traditionella anitistiska skulpturer från Filippinerna domineras av anitistiska mönster som speglar det medium som används och den inblandade kulturen, samtidigt som de framhävs av de miljöer där sådana skulpturer vanligtvis placeras på. Kristna och islamiska skulpturer från Filippinerna har olika motiv jämfört med andra kristna och islamiska skulpturer på andra håll. Under senare perioder dominerade kinesiskt inflytande i Vietnam, Laos och Kambodja, och fler träskulpturer överlevde från hela regionen.

Islam

Elfenben med spår av färg, 1000–1100-talet, Egypten

Islam är berömt anikonisk , så den stora majoriteten av skulpturer är arabeskdekorationer i relief eller genombrutna, baserade på vegetabiliska motiv, men tenderar till geometriska abstrakta former. I den mycket tidiga Mshatta-fasaden (740-talet), nu mestadels i Berlin , finns djur i de täta arabeskerna i hög relief, och figurer av djur och män i mestadels lågrelief finns i samband med dekoration på många senare pjäser i olika material, inklusive metallarbete, elfenben och keramik.

Figurer av djur i rundan var ofta acceptabla för verk som användes i privata sammanhang om föremålet var tydligt praktiskt, så medeltida islamisk konst innehåller många metalldjur som är akvamaniler , rökelsebrännare eller stöd för fontäner, som i stenlejonen som stöder den berömda. i Alhambra , kulminerande i den största medeltida islamiska djurfiguren som är känd, Pisa Griffin . På samma sätt kan lyxiga hårdstenssniderier såsom dolkfästen och -koppar formas som djur, särskilt inom Mughalkonsten . Graden av acceptans av sådana uppmjukningar av strikta islamiska regler varierar mellan perioder och regioner, med det islamiska Spanien , Persien och Indien som ofta leder avslappningen, och är vanligtvis högst i höviska sammanhang.

Afrika

Mask från Gabon
Två Chiwara c. sent 1800-tal tidigt 1900-tal, Art Institute of Chicago . Kvinnliga (vänster) och manliga vertikala stilar

Historiskt sett, med undantag för några monumentala egyptiska skulpturer, skapades de flesta afrikanska skulpturer i trä och andra organiska material som inte har överlevt tidigare än för några århundraden sedan; äldre keramikfigurer finns från en rad områden. Masker är viktiga inslag i många folks konst, tillsammans med mänskliga figurer, ofta mycket stiliserade. Det finns en stor variation av stilar, ofta varierande inom samma ursprungssammanhang beroende på användningen av föremålet, men breda regionala trender är uppenbara; skulptur är vanligast bland "grupper av bofasta odlare i områden som dräneras av Niger- och Kongofloderna " i Västafrika. Direkta bilder av gudar är relativt sällsynta, men i synnerhet masker görs eller gjordes ofta för religiösa ceremonier; idag är många gjorda för turister som "flygplatskonst". Afrikanska masker var ett inflytande på europeisk modernistisk konst, som inspirerades av deras bristande oro för naturalistisk skildring.

Det nubiska kungariket Kush i moderna Sudan stod i nära och ofta fientlig kontakt med Egypten och producerade monumentala skulpturer som mestadels härrörde från stilar i norr. I Västafrika är de tidigaste kända skulpturerna från Nok-kulturen som blomstrade mellan 500 f.Kr. och 500 e.Kr. i det moderna Nigeria, med lerfigurer typiskt med långsträckta kroppar och kantiga former. Senare västafrikanska kulturer utvecklade bronsgjutning för reliefer för att dekorera palats som de berömda Benin-bronserna och mycket fina naturalistiska kungliga huvuden från runt Yoruba -staden Ife i terrakotta och metall från 1100-1300-talen. Akan guldvikter är en form av små metallskulpturer producerade under perioden 1400–1900, några tydligen representerar ordspråk och så med ett berättande element som är sällsynt i afrikansk skulptur, och kungliga regalier inkluderade imponerande guldskulpturer.

Många västafrikanska figurer används i religiösa ritualer och är ofta belagda med material som placeras på dem för ceremoniella offer. De mandetalande folken i samma region gör träbitar med breda, plana ytor och armar och ben är formade som cylindrar. I Centralafrika är dock de främsta utmärkande egenskaperna hjärtformade ansikten som är böjda inåt och visar mönster av cirklar och prickar.

Populationer i de afrikanska stora sjöarna är inte kända för sin skulptur. En stil från regionen är dock stolpskulpturer, snidade i mänskliga former och dekorerade med geometriska former, medan topparna är snidade med figurer av djur, människor och olika föremål. Dessa stolpar är alltså placerade bredvid gravar och förknippas med döden och förfädernas värld. Kulturen som är känd från Great Zimbabwe lämnade mer imponerande byggnader än skulptur men de åtta täljstensfåglarna i Zimbabwe verkar ha haft en speciell betydelse och var monterade på monoliter . Moderna zimbabwiska skulptörer i täljsten har nått betydande internationell framgång . Södra Afrikas äldsta kända lerfigurer är från 400 till 600 e.Kr. och har cylindriska huvuden med en blandning av mänskliga och djuriska drag.

Etiopien och Eritrea

Skapandet av skulpturer i Etiopien och Eritrea kan spåras tillbaka till dess gamla förflutna med kungadömena Dʿmt och Aksum . Kristen konst etablerades i Etiopien med omvandlingen från hedendom till kristendom på 300-talet CE, under kung Ezana av Axum . Kristna bilder dekorerade kyrkor under Asksumite-perioden och senare epoker. Till exempel, vid Lalibela , ristades helgon i naturlig storlek in i Bet Golgata-kyrkan; av tradition tillverkades dessa under Zagwe - härskaren Gebre Mesqel Lalibelas regeringstid på 1100-talet, men de tillverkades troligen på 1400-talet under den Salomoniska dynastin . Church of Saint George, Lalibela , ett av flera exempel på stenhuggen arkitektur i Lalibela som innehåller invecklade ristningar, byggdes dock på 10-13-talen, vilket bevisats av arkeologi.

Sudan

I det forntida Sudan sträcker sig utvecklingen av skulptur från Kerma-kulturens enkla keramik med början omkring 2500 f.Kr. till den monumentala statyen och arkitekturen i kungariket Kush, dess sista fas - den meroitiska perioden - som slutade omkring 350 e.Kr. (med dess erövring av Etiopiens Aksum). Utöver keramikföremål tillverkade Kerma-kulturen också möbler som innehöll skulpturer, som nötkreaturshovar i guld som sängben. Skulptur under kungariket Kush inkluderade statyer i full storlek (särskilt av kungar och drottningar), mindre statyetter (oftast föreställande kungliga tjänare) och reliefer i sten, som var influerade av den samtida antika egyptiska skulpturtraditionen.

Amerika

Skulptur i det som nu är Latinamerika utvecklades i två separata och distinkta områden, Mesoamerika i norr och Peru i söder. I båda områdena var skulpturen till en början av sten, och senare av terrakotta och metall eftersom civilisationerna i dessa områden blev mer tekniskt skickliga. Den mesoamerikanska regionen producerade mer monumentala skulpturer, från de massiva blockliknande verken av Olmec- och Toltec -kulturerna, till de fantastiska lågrelieferna som kännetecknar maya- och aztekkulturerna . I Andinska regionen var skulpturer vanligtvis små, men visar ofta enastående skicklighet.

Förcolumbiansk

Nordamerika

St. James panel, från reredos i Cristo Rey Church, Santa Fe, New Mexico , ca. 1760

I Nordamerika skulpterades trä för totempålar , masker, redskap, krigskanoter och en mängd andra användningsområden, med distinkt variation mellan olika kulturer och regioner. De mest utvecklade stilarna är de från Stilla havets nordvästra kust , där en grupp utarbetade och mycket stiliserade formella stilar utvecklats och utgör grunden för en tradition som fortsätter idag. Förutom de berömda totempålarna kompletterades målade och snidade husfronter med snidade stolpar inifrån och ut, liksom bårhusfigurer och andra föremål. Bland inuiterna i den yttersta norra delen fortsätter traditionella snideristilar i elfenben och täljsten.

Ankomsten av europeisk katolsk kultur anpassade lätt lokala färdigheter till den rådande barockstilen , och producerade enormt utarbetade retablos och andra mestadels kyrkliga skulpturer i en mängd olika hybridstilar. Det mest kända av sådana exempel i Kanada är altarområdet i Notre Dame-basilikan i Montreal, Quebec, som ristades av invånare i bönder . Senare följde konstnärer utbildade i den västerländska akademiska traditionen europeiska stilar tills de i slutet av 1800-talet började dra nytta av inhemska influenser, särskilt i den mexikanska barocken groteska stilen känd som Churrigueresque . Aboriginerna anpassade också kyrkoskulpturen i variationer på Carpenter Gothic ; ett känt exempel är Church of the Holy Cross i Skookumchuck Hot Springs, British Columbia .

Skulpturens historia i USA efter européernas ankomst återspeglar landets 1700-talsgrund i romerska republikanska medborgerliga värderingar och protestantisk kristendom . Jämfört med områden som koloniserats av spanjorerna fick skulpturen en extremt långsam start i de brittiska kolonierna, nästan utan plats i kyrkor, och fick bara impulser av behovet att hävda nationalitet efter självständigheten. Amerikansk skulptur från mitten till slutet av 1800-talet var ofta klassisk, ofta romantisk, men visade en böjelse för en dramatisk, narrativ, nästan journalistisk realism. Offentliga byggnader under 1800-talets sista fjärdedel och 1900-talets första hälft utgjorde ofta en arkitektonisk ram för skulptur, särskilt i relief. På 1930-talet blev den internationella stilen av arkitektur och design och art déco som kännetecknas av Paul Manships och Lee Lawrie och andras arbete populär. På 1950-talet skulle traditionell skulpturutbildning nästan helt ersättas av en Bauhaus- influerad oro för abstrakt design. Minimalistisk skulptur ersatte figuren i offentliga miljöer och arkitekter slutade nästan helt att använda skulptur i eller på sin design. Moderna skulptörer (2000-talet) använder både klassiska och abstrakt inspirerade mönster. Med början på 1980-talet var det en svängning tillbaka mot figurativ offentlig skulptur; år 2000 var många av de nya offentliga verken i USA figurativa till sin design.

Går mot modern konst

1800–början av 1900-talet, tidig modernism och fortsatt realism

Edgar Degas , Little Dancer of Fourteen Years , gjuten 1922 från en mixed-media skulptur modellerad ca. 1879–80, Brons, delvis tonad, med bomull

Den moderna klassicismen kontrasterade på många sätt med den klassiska skulpturen från 1800-talet som kännetecknades av engagemang för naturalismen ( Antoine-Louis Barye ) – den melodramatiska ( François Rude ) sentimentaliteten ( Jean-Baptiste Carpeaux ) – eller ett slags ståtlig grandiositet ( Lord ). Leighton ). Flera olika riktningar i den klassiska traditionen togs när seklet vände, men studiet av den levande modellen och efterrenässanstraditionen var fortfarande grundläggande för dem. Auguste Rodin var den mest kända europeiska skulptören i början av 1900-talet. Han anses ofta vara en skulpturell impressionist , liksom hans elever inklusive Camille Claudel och Hugo Rheinhold , som försöker modellera ett flyktigt ögonblick av det vanliga livet. Modern klassicism visade ett mindre intresse för naturalism och ett större intresse för formell stilisering. Större uppmärksamhet ägnades åt rytmerna av volymer och utrymmen – såväl som större uppmärksamhet åt ytans kontrasterande kvaliteter (öppen, stängd, plan, trasig etc.) medan mindre uppmärksamhet ägnades åt berättande och övertygande detaljer i anatomi eller kostym. . Större uppmärksamhet ägnades åt psykologisk effekt än till fysisk realism, och influenser från tidigare stilar världen över användes.

Tidiga mästare i modern klassicism inkluderade: Aristide Maillol , Alexander Matveyev , Joseph Bernard , Antoine Bourdelle , Georg Kolbe , Libero Andreotti , Gustav Vigeland , Jan Stursa , Constantin Brâncuși . Allt eftersom århundradet fortskred antogs modern klassicism som den nationella stilen för de två stora europeiska totalitära imperierna: Nazityskland och Sovjetryssland , som adjungerade verk av tidigare konstnärer som Kolbe och Wilhelm Lehmbruck i Tyskland och Matveyev i Ryssland. Under de 70 åren av Sovjetunionen utbildades och valdes nya generationer av skulptörer inom sitt system, och en distinkt stil, socialistisk realism , utvecklades, som återgick till 1800-talets betoning på melodrama och naturalism.

Klassisk träning rotades ur konstutbildningen i Västeuropa (och Amerika) 1970 och de klassiska varianterna av 1900-talet marginaliserades i modernismens historia. Men klassicismen fortsatte som grunden för konstutbildning i de sovjetiska akademierna fram till 1990, vilket gav en grund för uttrycksfull figurativ konst i hela östra Europa och delar av Mellanöstern. År 2000 behåller den europeiska klassiska traditionen en stor tilltal till allmänheten men väntar på en pedagogisk tradition för att återuppliva sin samtida utveckling.

En del av det moderna klassiska blev antingen mer dekorativt/art déco ( Paul Manship , Jose de Creeft , Carl Milles ) eller mer abstrakt stiliserat eller mer uttrycksfullt (och gotiskt) ( Anton Hanak , Wilhelm Lehmbruck , Ernst Barlach , Arturo Martini ) – eller vände mer till renässansen ( Giacomo Manzù , Venanzo Crocetti ) eller förblev densamma ( Charles Despiau , Marcel Gimond ).

Modernism

Gaston Lachaise , Flytande figur 1927, brons, nr. 5 från en upplaga av 7, National Gallery of Australia

Modernistiska skulpturrörelser inkluderar kubism , geometrisk abstraktion , De Stijl , suprematism , konstruktivism , dadaism , surrealism , futurism , formalism , abstrakt expressionism , popkonst , minimalism , landkonst och installationskonst bland andra.

Henry Moore , Large Reclining Figure , 1984 (baserad på en mindre modell från 1938), Fitzwilliam Museum, Cambridge
David Smith , CUBI VI, (1963), Israel Museum , Jerusalem .

I början av 1900-talet revolutionerade Pablo Picasso skulpturkonsten när han började skapa sina konstruktioner utformade genom att kombinera olika föremål och material till ett konstruerat stycke skulptur; den skulpturala motsvarigheten till collaget i tvådimensionell konst. Surrealismens tillkomst ledde till att saker ibland beskrevs som "skulptur" som inte skulle ha varit så tidigare, såsom "ofrivillig skulptur" i flera betydelser, inklusive coulage . Under senare år blev Picasso en produktiv keramiker , vilket ledde, med intresse för historisk keramik från hela världen, till ett återupplivande av keramisk konst , med figurer som George E. Ohr och därefter Peter Voulkos , Kenneth Price och Robert Arneson . Marcel Duchamp har sitt ursprung i användningen av det " funna föremålet " (franska: objet trouvé) eller färdiggjord med bitar som Fountain (1917).

På samma sätt banade arbetet av Constantin Brâncuși i början av århundradet vägen för senare abstrakt skulptur. I uppror mot naturalismen hos Rodin och hans samtida från det sena 1800-talet, destillerade Brâncuși ämnen ner till deras väsen, vilket illustreras av de elegant raffinerade formerna i hans Bird in Space- serie (1924).

Brâncușis genomslag , med hans ordförråd av reduktion och abstraktion, ses under hela 1930- och 1940-talen, och exemplifieras av konstnärer som Gaston Lachaise , Sir Jacob Epstein , Henry Moore , Alberto Giacometti , Joan Miró , Julio González , Pablo Lipeschitz , Pablo Serrano på 1940-talet påverkades och utökades abstrakt skulptur av Alexander Calder , Len Lye , Jean Tinguely och Frederick Kiesler som var pionjärer inom kinetisk konst .

Modernistiska skulptörer missade till stor del den enorma boomen inom offentlig konst till följd av efterfrågan på krigsminnesmärken för de två världskrigen, men från 1950-talet blev allmänheten och beställningsorganen mer bekväma med modernistisk skulptur och stora offentliga uppdrag både abstrakta och figurativa blev vanliga. . Picasso fick i uppdrag att göra en maquette för en enorm 50 fot (15 m) hög offentlig skulptur, den så kallade Chicago Picasso (1967). Hans design var tvetydig och något kontroversiell, och vad figuren representerar är inte klart; det kan vara en fågel, en häst, en kvinna eller en helt abstrakt form.

Under det sena 1950-talet och 1960-talet började abstrakta skulptörer experimentera med ett brett utbud av nya material och olika tillvägagångssätt för att skapa sina verk. Surrealistiskt bildspråk, antropomorfisk abstraktion, nya material och kombinationer av nya energikällor och varierade ytor och föremål blev kännetecknande för mycket ny modernistisk skulptur. Samarbetsprojekt med landskapsdesigners, arkitekter och landskapsarkitekter utökade utomhusplatsen och kontextuell integration. Konstnärer som Isamu Noguchi , David Smith , Alexander Calder , Jean Tinguely , Richard Lippold , George Rickey , Louise Bourgeois , Philip Pavia och Louise Nevelson kom att prägla utseendet på modern skulptur.

På 1960-talet dominerade abstrakt expressionism , geometrisk abstraktion och minimalism , som reducerar skulptur till dess mest väsentliga och grundläggande egenskaper. Några verk från perioden är: David Smiths Cubi-verk och Sir Anthony Caros svetsade stålverk, såväl som svetsad skulptur av en stor mängd skulptörer, John Chamberlains storskaliga arbeten och miljöinstallationer i skala. av Mark di Suvero . Andra minimalister inkluderar Tony Smith , Donald Judd, Robert Morris , Anne Truitt , Giacomo Benevelli , Arnaldo Pomodoro , Richard Serra , Dan Flavin , Carl Andre och John Safer som lade till rörelse och monumentalitet till temat linjens renhet.

Under 1960- och 1970-talen gjordes figurativ skulptur av modernistiska konstnärer i stiliserade former av konstnärer som Leonard Baskin , Ernest Trova , George Segal , Marisol Escobar , Paul Thek , Robert Graham i en klassisk artikulerad stil och Fernando Botero med sin målnings "överdimensionerade" figurer till monumentala skulpturer.

Galleri för modernistisk skulptur

Samtida rörelser

Christo och Jeanne-Claude , Umbrellas 1991, Japan
Device to Root Out Evil (1997) skulptur av Dennis Oppenheim på
Palma de Mallorca , Plaça de la Porta de Santa Catalina

Platsspecifika och miljömässiga konstverk representeras av konstnärer: Andy Goldsworthy , Walter De Maria , Richard Long , Richard Serra , Robert Irwin , George Rickey och Christo och Jeanne-Claude ledde samtida abstrakt skulptur i nya riktningar. Konstnärer skapade miljöskulpturer på expansiva platser i projektgruppen " land art in the American West" . Dessa landkonst eller "jordkonst" miljömässiga skulpturverk exemplifierade av konstnärer som Robert Smithson , Michael Heizer , James Turrell ( Roden Crater ). Eva Hesse , Sol LeWitt , Jackie Winsor , Keith Sonnier , Bruce Nauman och Dennis Oppenheim bland andra var pionjärer inom postminimalistisk skulptur.

Även under 1960- och 1970-talen utforskade konstnärer så olika som Eduardo Paolozzi , Chryssa , Claes Oldenburg , George Segal , Edward Kienholz , Nam June Paik , Wolf Vostell , Duane Hanson och John DeAndrea abstraktion, bildspråk och figuration genom videokonst , miljö, ljus skulptur och installationskonst på nya sätt.

Konceptuell konst är konst där konceptet eller idéerna som ingår i verket har företräde framför traditionella estetiska och materiella frågor. Verk inkluderar One and Three Chairs , 1965, är av Joseph Kosuth , och An Oak Tree av Michael Craig-Martin , och de av Joseph Beuys , James Turrell och Jacek Tylicki .

Minimalism

Postminimalism

Samtida genrer

Vissa moderna skulpturformer praktiseras nu utomhus, som miljökonst och miljöskulptur , ofta inför åskådare. Ljusskulptur , gatukonstskulptur och platsspecifik konst tar också ofta nytta av miljön. Isskulptur är en form av tillfällig skulptur som använder is som råvara. Det är populärt i Kina, Japan, Kanada, Sverige och Ryssland. Isskulpturer är dekorativa i vissa kök, särskilt i Asien. Kinetiska skulpturer är skulpturer som är designade för att röra sig, vilket inkluderar mobiler . Snöskulpturer är vanligtvis uthuggna ur ett enda snöblock cirka 6 till 15 fot (1,8 till 4,6 m) på varje sida och väger cirka 20–30 ton. Snön packas tätt i en form efter att ha producerats på konstgjord väg eller samlats upp från marken efter ett snöfall. Ljudskulpturer tar formen av inomhusljudinstallationer, utomhusinstallationer som eoliska harpor, automater eller är mer eller mindre nära konventionella musikinstrument. Ljudskulptur är ofta platsspecifik. Konstleksaker har blivit ett annat format för samtida konstnärer sedan slutet av 1990-talet, som de som producerats av Takashi Murakami och Kid Robot , designade av Michael Lau , eller handgjorda av Michael Leavitt (konstnär) .

Bevarande

Synliga skador på grund av surt regn på en skulptur

Skulpturer är känsliga för miljöförhållanden som temperatur , luftfuktighet och exponering för ljus och ultraviolett ljus . Surt regn kan också orsaka skador på vissa byggnadsmaterial och historiska monument. Detta resulterar när svavelsyra i regnet reagerar kemiskt med kalciumföreningarna i stenarna (kalksten, sandsten, marmor och granit) för att skapa gips , som sedan flagar av. Allvarliga luftföroreningar orsakar också skador på historiska monument.

När som helst har många samtida skulpturer vanligtvis ställts ut på offentliga platser; stöld var inte ett problem eftersom bitar var omedelbart igenkännbara. I början av 2000-talet steg metallens värde till en sådan grad att stöld av massiv bronsskulptur för metallens värde blev ett problem; skulpturer värda miljoner stjäls och smälts ner för metallens relativt låga värde, en liten bråkdel av konstverkets värde.

Form

Kulturell

Metod

Ansökan

Se även

Anteckningar

Referenser

  • Boucher, Bruce, italiensk barockskulptur , 1998, Thames & Hudson (World of Art), ISBN  0-500-20307-5
  • Blunt Anthony , Artistic Theory in Italy, 1450–1660 , OUP, 1940 (refs to 1985 edn), ISBN  0-19-881050-4
  • Boardman, John ed., The Oxford History of Classical Art , OUP, 1993, ISBN  0-19-814386-9
  • Briggs, Philip (2015) [1995]. Etiopien . Chalfont St Peter: Bradt Reseguider. ISBN  978-1-84162-922-3 .
  • Burnett, Andrew, mynt; Interpreting the Past , University of California/British Museum, 1991, ISBN  0-520-07628-1
  • Calkins, Robert G.; Monuments of Medieval Art , Dutton, 1979, ISBN  0-525-47561-3
  • Cherry, John. The Holy Thorn Reliquary , 2010, British Museum Press (British Museum-objekt i fokus), ISBN  0-7141-2820-1
  • Cook, RM , Greek Art , Penguin, 1986 (omtryck av 1972), ISBN  0-14-021866-1
  • De Lorenzi, James (2015). Traditionens väktare: Historiker och historisk skrift i Etiopien och Eritrea . Rochester: University of Rochester Press. ISBN  978-1-58046-519-9 .
  • Dodwell, CR , Anglo-Saxon Art, A New Perspective , 1982, Manchester University Press, ISBN  0-7190-0926-X
  • Frankfort, Henri , The Art and Architecture of the Ancient Orient , Pelican History of Art, 4:e upplagan 1970, Penguin (nu Yale History of Art), ISBN  0-14-056107-2
  • Harkless, Necia Desiree (2006). Nubiska faraoner och meroitiska kungar: Kungariket Kush . Bloomington, Indiana: AuthorHouse. ISBN  1-4259-4496-5 .
  • Harle, JC, The Art and Architecture of the Indian Subcontinent , 2nd edn. 1994, Yale University Press Pelican History of Art, ISBN  0-300-06217-6
  • Henderson, George. Gothic , 1967, Penguin, ISBN  0-14-020806-2
  • Henig, Martin (red.), A Handbook of Roman Art , Phaidon, 1983, ISBN  0-7148-2214-0
  • Paine, Robert Treat , i: Paine, RT, & A. Soper, The Art and Architecture of Japan , 3rd edn 1981, Yale University Press Pelican History of Art, ISBN  0-14-056108-0
  • Hugh Honor och John Fleming, A World History of Art , 1st edn. 1982 (många senare upplagor), Macmillan, London, sidreferenser till 1984 Macmillan 1st edn pocket. ISBN  0-333-37185-2
  • Howgego, Christopher, Ancient History from Coins , Routledge, 1995, ISBN  0-415-08993-X
  • Kitzinger, Ernst , Bysantinsk konst i vardande: huvudlinjerna för stilistisk utveckling inom Medelhavskonsten, 3:e–600-talet , 1977, Faber & Faber, ISBN  0-571-11154-8 (USA: Cambridge UP, 1977)
  • Olson, Roberta JM, italiensk renässansskulptur , 1992, Thames & Hudson (konstens värld), ISBN  978-0-500-20253-1
  • Rawson, Jessica (red.). The British Museum Book of Chinese Art , 2007 (2nd edn), British Museum Press, ISBN  978-0-7141-2446-9
  • Piotrovsky, MB och JM Rogers (red), Heaven on Earth: Art from Islamic Lands , 2004, Prestel, ISBN  3-7913-3055-1
  • Robinson, James, Masterpieces of Medieval Art , 2008, British Museum Press, ISBN  978-0-7141-2815-3
  • Sandars, Nancy K., Prehistoric Art in Europe , Penguin (Pelican, nu Yale, History of Art), 1968 (nb 1:a upplagan; tidiga dateringar nu ersatta)
  • Scholten, Frits (2011).Europeisk skulptur och metallarbete. New York: Metropolitan Museum of Art. ISBN 978-1-58839-441-5.
  • Sickman, Laurence, i: Sickman L., & A. Soper, "The Art and Architecture of China", Pelican History of Art , 3rd edn 1971, Penguin (nu Yale History of Art), LOC 70-125675
  • Simon, Joshua. Neomaterialism , Berlin: Sternberg Press, 2013, ISBN  978-3-943365-08-5
  • Smith, W. Stevenson och Simpson, William Kelly. The Art and Architecture of Ancient Egypt , 3rd edn. 1998, Yale University Press (Penguin/Yale History of Art), ISBN  0-300-07747-5
  • Snyder, James . Northern Renaissance Art , 1985, Harry N. Abrams, ISBN  0-13-623596-4
  • Sobania, Neal W. (2012), "Lalibela", i Akyeampong, Emmanuel; Gates, Henry Louis, Jr., Dictionary of African Biography , Oxford: Oxford University Press, sid. 462, ISBN  978-0-19-538207-5 .
  • Sobania, Neal W. (2012). "Lalibela", i Akyeampong, Emmanuel; Gates, Henry Louis, Jr., Dictionary of African Biography . Oxford: Oxford University Press. ISBN  978-0-19-538207-5 .
  • Strong, Donald, et al., Roman Art , 1995 (2nd edn), Yale University Press (Penguin/Yale History of Art), ISBN  0-300-05293-6
  • Williams, Dyfri. Masterpieces of Classical Art , 2009, British Museum Press, ISBN  978-0-7141-2254-0

externa länkar