Andes hjärta -The Heart of the Andes

Andes hjärta
Andes kyrka.jpg
Konstnär Frederic Edwin kyrka
År 1859
Medium Olja på duk
Mått 167,9 cm × 302,9 cm (66,1 tum × 119,3 tum)
Plats Metropolitans Konstmuseum

Andes hjärta är en stor landskapsmålning på olja på duk av den amerikanska konstnären Frederic Edwin Church (1826–1900).

Den är mer än 1,7 meter hög och nästan tre meter bred och visar ett idealiserat landskap i de sydamerikanska Anderna , där kyrkan reste vid två tillfällen. Dess utställning 1859 var en sensation och etablerade kyrkan som den främsta landskapsmålaren i USA.

Målningen har funnits i samlingen av New Yorks Metropolitan Museum of Art sedan 1909 och är bland kyrkans mest kända verk.

Bakgrund

Alexander von Humboldt och Aimé Bonpland vid foten av Chimborazo ( Friedrich Georg Weitsch , 1810)

1853 och 1857 reste Church till Ecuador och Colombia , finansierat av affärsmannen Cyrus West Field , som ville använda kyrkans målningar för att locka investerare till sina sydamerikanska satsningar. Kyrkan inspirerades av den preussiska naturforskaren och utforskaren Alexander von Humboldt och hans avhandling Kosmos från 1845 . Humboldt var bland de sista av de stora vetenskapliga generalisterna, och hans berömmelse liknade Albert Einstein ett sekel senare. I den andra volymen av Kosmos beskrev Humboldt landskapsmålningens påverkan på studien av den naturliga världen - och hävdade att konsten är bland de högsta uttrycken för kärleken till naturen - och utmanade konstnärer att skildra landskapets "fysiognomi". Kyrkan återkallade Humboldts resor i Sydamerika.

Beskrivning och influenser

Andes hjärta är en sammansättning av den sydamerikanska topografin som observerats under hans resor. Mitt i höger om landskapet finns en skimrande pool som betjänas av ett vattenfall. Det snötäckta berget Chimborazo i Ecuador dyker upp i fjärran; betraktarens öga leds till den av de mörkare, närmare sluttningarna som sjunker från höger till vänster. Beviset för mänsklig närvaro visas av den lätt slitna vägen, en by och kyrka som ligger i den centrala slätten, och närmare förgrunden ses två infödingar framför ett kors. Kyrkan, en varumärkesdetalj i kyrkans målningar, är katolsk och spansk-kolonial, och till synes otillgänglig från betraktarens plats. Kyrkans signatur verkar skuren i barken på det markerade förgrundsträdet till vänster. Ljusspelet på hans signatur har tolkats som konstnärens uttalande om människans förmåga att tämja naturen - ändå verkar trädet vid dålig hälsa jämfört med den levande djungeln som omger den.

Kyrkans landskap överensstämde med det pittoreska estetiska principerna , vilket föreslogs av den brittiska teoretikern William Gilpin , som började med en noggrann observation av naturen förstärkt av särskilda uppfattningar om komposition och harmoni. Sammanställningen av släta och oregelbundna former var en viktig princip och representeras i Andes hjärta av å ena sidan de rundade kullarna och vattenbassängen och å andra sidan av de kontrasterande taggiga bergen och grova träd.

Teorin om den brittiska kritikern John Ruskin var också ett viktigt inflytande på kyrkan. Ruskins moderna målare var en avhandling om fem volymer om konst som enligt den amerikanska konstnären Worthington Whittredge var "i varje landskapsmålares hand" vid mitten av århundradet. Ruskin betonade den nära observationen av naturen och han betraktade konst, moral och den naturliga världen som andligt förenad. Efter detta tema visar målningen landskapet i detalj i alla skalor, från det invecklade bladverket, fåglarna och fjärilarna i förgrunden till den allomfattande skildringen av de naturliga miljöer som kyrkan har studerat. Närvaron av korset antyder fredlig samexistens mellan religion och landskapet.

Utställning

Det finns inget fotografiskt register från utställningen 1859 av Andes hjärta ; dess utställning 1864 är avbildad. De överhängande porträtten och räckena lades till för att de fanns med i konstgalleriet på New Yorks Metropolitan Sanitary Fair.

Andes hjärta ställdes ut offentligt mellan 29 april och 23 maj 1859 i New Yorks Tenth Street Studio Building , stadens första studiobyggnad designad för konstnärer. Church hade ställt ut enstaka målningar tidigare, till exempel Niagara (1857), till mycket framgång. Evenemanget lockade en oöverträffad valdeltagande för en utställning med en målning i USA: mer än 12 000 personer betalade en entréavgift på tjugofem cent för att se målningen. Till och med på den sista dagen i visningen väntade beskyddare i kö i timmar för att komma in i utställningsrummet.

Det finns inget register över utseendet eller arrangemanget av Studio Building-utställningen. Det har allmänt påstås, även om det troligen var falskt, att rummet var dekorerat med palmblad och att gasljus med silverreflektorer användes för att belysa målningen. Mer säkert är att målningens fönsterliknande "ram" hade en bredd på fjorton fot och en höjd på nästan tretton, vilket ytterligare ålagde målaren på betraktaren. Den var sannolikt gjord av brun kastanj , en avvikelse från den rådande förgyllda ramen. Byggnadens bas stod på marken och säkerställde att landskapets horisont skulle visas i betraktarens ögonhöjd. Dragna gardiner monterades, vilket skapade känslan av en utsikt genom ett fönster. Ett takfönster riktat mot duken förhöjde uppfattningen att målningen var upplyst inifrån, liksom de mörka tygerna draperade på studioväggarna för att absorbera ljus. Opera-glasögon tillhandahölls till beskyddare för att möjliggöra granskning av landskapets detaljer och kan ha varit nödvändigt för att se målningen på ett tillfredsställande sätt, med tanke på trängseln i utställningsrummet.

Kyrkans duk hade en stark effekt på tittarna; ett samtida vittne skrev: "kvinnor kände sig svaga. Både män och kvinnor ger efter för den svimlande kombinationen av terror och svindel som de känner igen [d] som det sublima . Många av dem kommer senare att beskriva en känsla av att bli nedsänkt i, eller absorberad av den här målningen, vars dimensioner, presentation och ämne talar om naturens gudomliga kraft. "

Kompletterande upptagande var två broschyrer om målningen: Theodore Winthrop : s A Companion till hjärtat av Anderna och pastor Louis Legrand Nobles kyrkans bild, i hjärtat av Anderna . På samma sätt som reseguider gav broschyrerna en rundtur i målningens varierade topografi. Ett utdrag från Noble lyder:

Föreställ dig själv, sent på eftermiddagen med solen bakom dig, att resa uppför dalen längs floden, i en höjd över det heta landet på cirka fem eller sex tusen fot. Vid den punkt som du har stigit upp, tungt skogsklädda berg stänger in på vardera sidan (inte synlig på bilden - bara foten av varje som skjuter ut i sikte), rikt klädd med träd och hela skogens bihang, med floden flyter mellan dem. ... På den motsatta sidan av floden är vägen som leder in i landet ovanför, en vild tränsbana i det ljusaste solskenet, som slingrar sig in i och förlorar sig i de tjocka skuggiga skogarna. Förgrunden ... bildar i sig en scen av oöverträffad kraft och glans, ...

Church ville att Humboldt, hans intellektuella mentor, skulle se sitt mästerverk. Nära slutet av den första utställningen den 9 maj 1859 skrev han om denna önskan till den amerikanska poeten Bayard Taylor :

"Andes" kommer troligen att vara på väg till Europa innan du återvänder till staden ... [Det huvudsakliga motivet för att ta bilden till Berlin är att ha tillfredsställelsen att för Humboldt lägga ett utskrift av landskapet som glädde hans ögon för sextio år sedan - och som han hade uttalat sig vara den finaste i världen.

Humboldt dog dock den 6 maj så den planerade sändningen till Europa inträffade inte. Denna besvikna kyrka, men han skulle snart träffa sin framtida fru Isabel på New York-utställningen. Senare 1859 ställdes målningen ut i London (4 juli - c. 14 augusti), där den fick liknande popularitet. Återvänder till New York City utställdes det igen från 10 oktober till 5 december. Under de närmaste åren inträffade föreställningar i Boston, Philadelphia, Baltimore, Cincinnati, Chicago och St. Louis. En utställning från 1864 på Metropolitan Sanitary Fair på New Yorks Union Square är bättre dokumenterad än originalet, med fotografier kvar.

Fortplantning

En akvarellkopia förberedd för gravyrens användning, 1859–1860. 52,1 × 94 cm. National Gallery of Art
Graveringen från 1862 av Charles Day & Son. 34,4 x 63,2 cm

Medan målningen var i London, ordnade Churchs agent en gravyr av Charles Day & Son, som skulle möjliggöra en bred distribution av reproduktioner och därmed mer inkomst. Någon gång under denna period gjordes en akvarellkopia av Andes hjärta . Det är inte säkert vem som målat kopian, men kyrkan är sannolikt inte konstnären; gravyren Richard Woodman eller en av hans söner har föreslagits. Akvarellen antas nu ha sitt ursprung i Storbritannien och gjord för användning av gravyren, William Forrest i Edinburgh. Akvarellen finns nu i National Gallery of Art , Washington, DC

Mottagning och arv

Målningen var allmänt hyllad. Poesi skrevs till dess ära, och en kompositör, George William Warren, tillägnade ett stycke till det 1863. Mark Twain beskrev målningen till sin bror Orion Clemens i ett brev från 1860:

Jag har just återvänt från ett besök på den vackraste vackra målningen som denna stad någonsin har sett - Kyrkans 'Andes hjärta' ... Jag har sett den flera gånger, men det är alltid en ny bild - helt ny - du verkar att se ingenting andra gången som du såg den första. Vi tog operaglaset och undersökte dess skönheter noggrant, för det blotta ögat kan inte urskilja de små blommorna längs vägen och mjuka skuggor och solfläckar och halvdolda gräsbuntar och vattenstrålar som utgör några av dess mest förtrollande drag. . Det finns ingen uppslamning av perspektiveffekt om det - det mest avlägsna - det minsta föremålet i det har en markerad och distinkt personlighet - så att du kan räkna själva bladen på träden. När du först ser den tama, vanligt utseende bilden är din första impuls att vända ryggen mot den och säga "Humbug" - men ditt tredje besök kommer att få din hjärna att flämta och anstränga med fåfänga ansträngningar att ta allt under i - och uppskattar det i sin fullhet och förstå hur ett sådant mirakel kunde ha uppfattats och utförts av mänsklig hjärna och mänskliga händer. Du kommer aldrig att bli trött på att titta på bilden, men dina reflektioner - dina ansträngningar att förstå ett begripligt Något - du vet knappast vad - kommer att växa så smärtsamt att du måste gå bort från saken för att få lättnad. Du kanske hittar lättnad, men du kan inte förvisa bilden - den är kvar hos dig fortfarande. Det är i mitt sinne nu - och den minsta funktionen kunde inte tas bort utan att jag upptäckte den.

Den New York Times beskrev målningens "harmoni design" och "kaos av ackord eller färger gradvis stiger på den förtrollade sinne en rik och ordnad skapande, full av välbekanta föremål, men helt nytt i sina kombinationer och dess betydelse."

Church sålde så småningom verket till William Tilden Blodgett för 10 000 dollar - vid det tillfället det högsta priset för ett verk av en levande amerikansk konstnär. Dessutom förbehåller sig Church rätten att åter sälja målningen om han får ett erbjudande om minst 20 000 $. (Den amerikanska landskapsarkitekten Albert Bierstadt överträffade båda priserna när han sålde The Rocky Mountains, Lander's Peak för 25 000 $ 1865.) Blodgett höll målningen till sin död 1875. Den förvärvades av Margaret Worcester Dows, änkan till spannmålshandlare David Dows, och testamenterade till Metropolitan Museum of Art vid hennes död i februari 1909. 1993 höll museet en utställning som försökte återge villkoren för utställningen 1859.

Nya beskrivningar placerar det inom modern temadiskurs, inklusive spänningen mellan konst och vetenskap och amerikansk territoriell expansion . Uppdelningen mellan humaniora och vetenskapliga världsbild var begynnande 1859: Charles Darwin 's Om arternas uppkomst publicerades senare samma år som kyrkans målning.

Referenser

Anteckningar
Källor

externa länkar