Stumfilm -Silent film

En stillbild från 1921 Four Horsemen of the Apocalypse , en av de mest inkomstbringande stumfilmerna.
Charlie Chaplin , allmänt hyllad som en av de mest ikoniska skådespelarna under den tysta eran, ca. 1919

En stumfilm är en film utan synkroniserat inspelat ljud (eller mer generellt, ingen hörbar dialog ). Även om stumfilmer förmedlar berättelse och känslor visuellt, kan olika handlingselement (som en miljö eller en era) eller nyckellinjer i dialog, när det behövs, förmedlas genom användning av titelkort .

Termen "stumfilm" är något av en felaktig benämning, eftersom dessa filmer nästan alltid ackompanjerades av liveljud. Under den tysta eran som fanns från mitten av 1890-talet till slutet av 1920-talet, spelade ofta en pianist , teaterorganist – eller till och med, i stora städer, en liten orkester – musik som ackompanjemang till filmerna. Pianister och organister spelade antingen från noter eller improvisation . Ibland berättade en person även korten mellan rubrikerna för publiken. Även om tekniken för att synkronisera ljud med filmen inte existerade vid den tiden, sågs musik som en viktig del av tittarupplevelsen. "Stumfilm" används vanligtvis som en historisk term för att beskriva en era av film före uppfinningen av synkroniserat ljud, men det gäller naturligtvis även för ljuderans filmer som City Lights , Silent Movie och The Artist som ackompanjeras av en ljudspår endast för musik i stället för dialog.

Termen stumfilm är en retronym — en term skapad för att retroaktivt skilja något från senare utvecklingar. Tidiga ljudfilmer, som började med The Jazz Singer 1927, kallades på olika sätt " talkies ", "ljudfilmer" eller "talande bilder". Idén med att kombinera rörliga bilder med inspelat ljud är äldre än film (det föreslogs nästan omedelbart efter att Edison introducerade fonografen 1877), och några tidiga experiment fick projektionisten att manuellt justera bildhastigheten för att passa ljudet, men på grund av den tekniska utmaningar, införandet av synkroniserad dialog blev praktiskt först i slutet av 1920-talet med perfektionen av Audion-förstärkarröret och tillkomsten av Vitaphone- systemet. Inom ett decennium hade den utbredda produktionen av stumfilmer för populär underhållning upphört, och branschen hade rört sig helt in i ljuderan , där filmer åtföljdes av synkroniserade ljudinspelningar av talad dialog, musik och ljudeffekter .

De flesta tidiga filmer anses vara förlorade eftersom nitratfilmen som användes under den eran var extremt instabil och brandfarlig. Dessutom förstördes många filmer medvetet eftersom de hade ett försumbart fortsatt ekonomiskt värde under denna era. Det har ofta hävdats att omkring 75 procent av stumfilmer som producerats i USA har gått förlorade, även om dessa uppskattningar kan vara felaktiga på grund av brist på numeriska data.

Element och början (1833–1894)

The Horse in Motion , animerad från en tallrik av Eadweard Muybridge , gjord med en rad kameror uppsatta längs en kapplöpningsbana
Roundhay Garden Scene , som har en speltid på drygt två sekunder, spelades in 1888. Det tros vara världens tidigaste bevarade rörliga film. Den äldre damen i svart är Sarah Whitley, svärmor till filmaren Louis Le Prince ; hon dog tio dagar efter att den här scenen filmades.

Filmprojektion utvecklades mestadels från magiska lyktashower , som använde en glaslins och en ihållande ljuskälla (som en kraftfull lykta ) för att projicera bilder från glasbilder på en vägg. Dessa diabilder var ursprungligen handmålade, men efter fotografiets tillkomst på 1800-talet användes ibland stillbilder . Uppfinningen av en praktisk fotoapparat föregick filmen med cirka femtio år.

1833 introducerade Joseph Plateau principen om stroboskopisk animation med sitt Fantascope (mer känt som fenakistiskopet ). Sex år senare introducerade Louis Daguerre det första framgångsrika fotografiska systemet. Till en början var kemikalierna inte tillräckligt ljuskänsliga för att fånga rörliga motiv på rätt sätt. Plateau föreslog en tidig metod för att animera stereoskopiska fotografier 1849, med en stop motion- teknik. Jules Duboscq producerade en förenklad enhet 1852, men den var inte särskilt framgångsrik. Tidiga framgångar inom ögonblicksfotografering i slutet av 1850-talet inspirerade nytt hopp om att utveckla animerade (stereo)fotografisystem, men under de kommande två decennierna använde de få försöken återigen stop-motion-tekniker.

År 1878 använde Eadweard Muybridge en rad med ett dussin kameror för att spela in en springande häst (som andra föreslagit mycket tidigare) och överraskade världen med resultaten, publicerade som The Horse in Motion- kabinettkort med rader av små stillbilder. Många andra började arbeta med kronofotografering och försökte animera och projicera resultaten. Ottomar Anschutz hade stor framgång med sitt Electrotachyscope sedan 1887, med mycket tydliga animerade fotografiska bilder som visades på en liten mjölkglasskärm eller inne i myntfack, tills han började projicera bilderna på en stor skärm 1894. Hans inspelningar varade bara en några sekunder, och inspirerade Edison Company att tävla med filmer som kunde vara i cirka 20 sekunder i deras Kinetoscope peep-box-filmtittare från 1893 och framåt.

Stumfilmseran

SPELA : En minuts film från 1904 av Edison Studios som återupprättar slaget vid Chemulpo Bay , som inträffade den 9 februari samma år utanför kusten av dagens Incheon , Korea .

Arbetet från Muybridge, Marey och Le Prince lade grunden för framtida utveckling av filmkameror, projektorer och transparent celluloidfilm, vilket ledde till utvecklingen av film som vi känner den idag. Den amerikanske uppfinnaren George Eastman , som först hade tillverkat fotografiska torra plattor 1878, gjorde framsteg på en stabil typ av celluloidfilm 1888.

Konsten att spela film växte till full mognad under den "tysta eran" ( 1894 i film1929 i film ). Höjden av den tysta eran (från tidigt 1910-tal inom film till slutet av 1920-talet) var en särskilt fruktbar period, full av konstnärlig innovation. Filmrörelserna i klassisk Hollywood såväl som fransk impressionism , tysk expressionism och sovjetisk montering började under denna period. Stumfilmare var banbrytande för konstformen i den utsträckning att praktiskt taget alla stilar och genrer av filmskapande under 20- och 2000-talen har sina konstnärliga rötter i den tysta eran. Den tysta eran var också en banbrytande sådan ur teknisk synvinkel. Trepunktsbelysning, närbild , långbild , panorering och kontinuitetsredigering blev alla vanliga långt innan stumfilmer ersattes av " talande bilder " eller "snackor" i slutet av 1920-talet. Vissa forskare hävdar att filmens konstnärliga kvalitet minskade under flera år, under början av 1930-talet, tills filmregissörer , skådespelare och produktionspersonal helt anpassade sig till de nya "snackorna" runt mitten av 1930-talet.

Den visuella kvaliteten på stumfilmer – särskilt de som producerades på 1920-talet – var ofta hög, men det finns fortfarande en utbredd missuppfattning att dessa filmer var primitiva eller knappt går att se med moderna standarder. Denna missuppfattning kommer från allmänhetens ovana vid mediet, samt från slarv från branschens sida. De flesta stumfilmer är dåligt bevarade, vilket leder till att de försämras, och välbevarade filmer spelas ofta upp i fel hastighet eller lider av censurklipp och saknade ramar och scener, vilket ger sken av dålig redigering. Många stumfilmer finns bara i andra eller tredje generationens kopior, ofta gjorda av redan skadat och försummat filmlager. En annan utbredd missuppfattning är att stumfilmer saknade färg. Faktum är att färg var mycket vanligare i stumfilmer än under de första decennierna av ljudfilmer. I början av 1920-talet kunde 80 procent av filmerna ses i någon form av färg, vanligtvis i form av filmtoning eller toning eller till och med handfärgning, men också med ganska naturliga tvåfärgsprocesser som Kinemacolor och Technicolor . Traditionella färgsättningsprocesser upphörde med antagandet av ljud-på-film- teknik. Traditionell filmfärgning, som alla involverade användning av färgämnen i någon form, störde den höga upplösning som krävs för inbyggt inspelat ljud och övergavs därför. Den innovativa tre-strips technicolor-processen som introducerades i mitten av 30-talet var kostsam och fylld med begränsningar, och färg skulle inte ha samma utbredning i film som den gjorde i de tysta under nästan fyra decennier.

Intertitlar

Dr. Caligaris kabinett (1920) använde stiliserade mellantitlar.

Eftersom filmer gradvis ökade i speltid behövdes en ersättare för den interna tolken som skulle förklara delar av filmen för publiken. Eftersom stumfilmer inte hade något synkroniserat ljud för dialog, användes mellantitlar på skärmen för att berätta berättelsepunkter, presentera nyckeldialoger och ibland även kommentera handlingen för publiken. Titelförfattaren blev en nyckelproffs inom stumfilm och var ofta skild från scenarioförfattaren som skapade berättelsen. Inter-titlar (eller titlar som de allmänt kallades på den tiden) "var ofta grafiska element i sig, med illustrationer eller abstrakta dekorationer som kommenterade handlingen".

Levande musik och annat ljudackompanjemang

Visningar av stumfilmer innehöll nästan alltid livemusik från och med den första offentliga projiceringen av filmer av bröderna Lumière den 28 december 1895 i Paris. Detta förstärktes 1896 av den första spelfilmsutställningen i USA i Koster och Bials Music Hall i New York City. Vid detta evenemang skapade Edison prejudikatet att alla utställningar skulle ackompanjeras av en orkester. Från början erkändes musik som väsentlig, bidragande atmosfär och ge publiken viktiga känslomässiga signaler. Musiker spelade ibland på filmer under inspelningen av liknande skäl. Men beroende på storleken på utställningsplatsen kan det musikaliska ackompanjemanget drastiskt förändras i skala. Småstads- och stadsbiografer hade vanligtvis en pianist . Från mitten av 1910-talet hade stora stadsteatrar en tendens att ha organister eller ensembler av musiker. Massiva teaterorglar , som designades för att fylla en lucka mellan en enkel pianosolist och en större orkester, hade ett brett utbud av specialeffekter. Teaterorgan som den berömda " Mighty Wurlitzer " kunde simulera några orkesterljud tillsammans med ett antal slagverkseffekter som bastrummor och cymbaler, och ljudeffekter som sträcker sig från "tåg- och båtvisslingar [till] bilhorn och fågelvisslingar; .. . vissa kunde till och med simulera pistolskott, ringande telefoner, ljudet av surf, hästhovar, krossande keramik, [och] åska och regn".

Partitur för tidiga stumfilmer var antingen improviserade eller sammanställda av klassisk eller teatralisk repertoarmusik. När alla funktioner blev vanliga, kompilerades dock musik från fotospelsmusik av pianisten, organisten, orkesterdirigenten eller själva filmstudion , som inkluderade ett cue sheet med filmen. Dessa blad var ofta långa, med detaljerade anteckningar om effekter och stämningar att titta efter. Från och med det mestadels originalmusik som komponerats av Joseph Carl Breil för D. W. Griffiths epos The Birth of a Nation (1915), blev det relativt vanligt att de mest budgeterade filmerna anlände till den utställande teatern med original, specialkomponerade partitur. Men de första utpekade fullska partiturerna hade faktiskt komponerats 1908, av Camille Saint-Saëns för Mordet på hertigen av Guise , och av Mikhail Ippolitov-Ivanov för Stenka Razin .

När organister eller pianister använde noter, kan de fortfarande lägga till improvisationer för att öka dramatiken på skärmen. Även när specialeffekter inte indikerades i partituret, om en organist spelade en teaterorgel som kan ha en ovanlig ljudeffekt som "galopperande hästar", skulle den användas under scener med dramatiska hästjakter.

På höjden av den tysta eran var filmer den enskilt största sysselsättningskällan för instrumentalmusiker, åtminstone i USA. Men introduktionen av talkies, i kombination med den ungefär samtidigt inbrott av den stora depressionen , var förödande för många musiker.

Ett antal länder utarbetade andra sätt att föra ljud till stumfilmer. Den tidiga biografen i Brasilien , till exempel, innehöll fitas cantatas (sångfilmer), filmade operetter med sångare som uppträdde bakom duken. I Japan hade filmer inte bara levande musik utan även benshi , en levande berättare som gav kommentarer och karaktärsröster. Benshi blev ett centralt inslag i japansk film, såväl som översättning för utländska (mestadels amerikanska) filmer. Benshis popularitet var en anledning till att stumfilmer bestod långt in på 1930-talet i Japan. Omvänt, eftersom benshi -berättade filmer ofta saknade mellantitlar, kan dagens publik ibland ha svårt att följa handlingarna utan specialiserad undertextning eller ytterligare kommentarer.

Partiturrestaureringar från 1980 till nutid

Få filmmusik överlevde intakta från den tysta perioden, och musikforskare ställs fortfarande inför frågor när de försöker exakt rekonstruera de som finns kvar. Noter som används i aktuella nyutgivningar eller visningar av stumfilmer kan vara kompletta rekonstruktioner av kompositioner, nykomponerade för tillfället, sammansatta från redan existerande musikbibliotek, eller improviserade på plats på samma sätt som teatermusikern från den tysta eran.

Intresset för poängsättning av stumfilmer föll något ur mode under 1960- och 1970-talen. Det fanns en övertygelse i många högskolefilmsprogram och repertoarbiografer att publiken skulle uppleva stumfilm som ett rent visuellt medium, opåverkat av musik. Denna övertygelse kan ha uppmuntrats av den dåliga kvaliteten på musikspåren som finns på många av den tidens stumfilmsupptryck. Sedan omkring 1980 har det funnits ett återupplivande intresse för att presentera stumfilmer med musikaliska partitur av hög kvalitet (antingen omarbetningar av periodmusik eller cue sheets, eller sammansättning av lämpliga originalpartitur). Ett tidigt försök av detta slag var Kevin Brownlows 1980 restaurering av Abel Gances Napoléon ( 1927), med ett partitur av Carl Davis . En något omredigerad och påskyndad version av Brownlows restaurering distribuerades senare i USA av Francis Ford Coppola , med ett levande orkestermusik komponerat av hans far Carmine Coppola .

1984 släpptes en redigerad restaurering av Metropolis (1927) med ett nytt rockmusikpartitur av producenten-kompositören Giorgio Moroder . Även om den samtida musiken, som inkluderade poplåtar av Freddie Mercury , Pat Benatar och Jon Anderson från Yes , var kontroversiell, hade dörren öppnats för ett nytt förhållningssätt till presentationen av klassiska stumfilmer.

Idag framför ett stort antal solister, musikensembler och orkestrar traditionella och samtida partitur för stumfilmer internationellt. Den legendariske teaterorganisten Gaylord Carter fortsatte att uppträda och spela in sina ursprungliga stumfilmsmusik tills strax före sin död 2000; några av dessa partitur är tillgängliga på DVD-utgåvor. Andra leverantörer av det traditionella tillvägagångssättet inkluderar organister som Dennis James och pianister som Neil Brand , Günter Buchwald, Philip C. Carli, Ben Model och William P. Perry . Andra samtida pianister, som Stephen Horne och Gabriel Thibaudeau, har ofta tagit en modernare inställning till poängsättning.

Orkesterdirigenter som Carl Davis och Robert Israel har skrivit och sammanställt partitur till ett flertal stumfilmer; många av dessa har varit med i visningar på Turner Classic Movies eller har släppts på DVD. Davis har komponerat nya partitur till klassiska tysta dramer som The Big Parade (1925) och Flesh and the Devil (1927). Israel har huvudsakligen arbetat med stum komedi och gjort mål med filmerna Harold Lloyd , Buster Keaton , Charley Chase och andra. Timothy Brock har återställt många av Charlie Chaplins partitur, förutom att han komponerat nya partiturer.

Samtida musikensembler hjälper till att introducera klassiska stumfilmer för en bredare publik genom ett brett utbud av musikstilar och tillvägagångssätt. Vissa artister skapar nya kompositioner med traditionella musikinstrument, medan andra lägger till elektroniska ljud, moderna harmonier, rytmer, improvisation och ljuddesignelement för att förbättra tittarupplevelsen. Bland de samtida ensemblerna i denna kategori finns Un Drame Musical Instantané , Alloy Orchestra , Club Foot Orchestra , Silent Orchestra , Mont Alto Motion Picture Orchestra, Minima och Caspervek Trio, RPM Orchestra . Donald Sosin och hans fru Joanna Seaton är specialiserade på att lägga till sång till stumfilmer, särskilt där det finns sång på skärmen som drar nytta av att höra själva låten som framförs. Filmer i denna kategori inkluderar Griffiths Lady of the Pavements med Lupe Vélez , Edwin Carewes Evangeline med Dolores del Río och Rupert Julians The Phantom of the Opera med Mary Philbin och Virginia Pearson .

The Silent Film Sound and Music Archive digitaliserar musik och cue sheets skrivna för stumfilm och gör den tillgänglig för användning av artister, forskare och entusiaster.

Skådespelartekniker

Lillian Gish , "First Lady of the American Cinema", var en ledande stjärna i den tysta eran med en av de längsta karriärerna - 1912 till 1987.

Stumfilmsskådespelare betonade kroppsspråk och ansiktsuttryck så att publiken bättre kunde förstå vad en skådespelare kände och gestaltade på skärmen. Mycket stumfilmsskådespeleri är benäget att slå dagens publik som förenklad eller kampig . Den melodramatiska skådespelarstilen var i vissa fall en vana som skådespelare överfört från sin tidigare scenerfarenhet. Vaudeville var ett särskilt populärt ursprung för många amerikanska stumfilmsskådespelare. Den genomträngande närvaron av scenskådespelare i film var orsaken till detta utbrott från regissören Marshall Neilan 1917: "Ju förr scenfolket som har kommit in i bilder kommer ut, desto bättre för bilderna." I andra fall krävde regissörer som John Griffith Wray att deras skådespelare skulle leverera större uttryck än livet för betoning. Redan 1914 hade amerikanska tittare börjat ge kännedom om sin preferens för större naturlighet på skärmen.

Lon Chaney (aktiv 1913-1930) var en av de mest begåvade spinetkaraktärerna genom tiderna. Hans unika förmåga att förvandla sig till de mest fysiskt groteska karaktärerna gav honom det universella namnet "Man of a Thousand Faces".

Stumfilmer blev mindre vaudevillian i mitten av 1910-talet, eftersom skillnaderna mellan scen och skärm blev uppenbara. På grund av regissörers arbete som DW Griffith blev filminspelningen mindre scenlik, och utvecklingen av närbilden möjliggjorde diskret och realistiskt skådespeleri. Lillian Gish har kallats filmens "första riktiga skådespelerska" för sitt arbete under perioden, eftersom hon banade väg för nya filmtekniker och insåg de avgörande skillnaderna mellan scen- och filmskådespeleri. Regissörer som Albert Capellani och Maurice Tourneur började insistera på naturalism i sina filmer. Vid mitten av 1920-talet hade många amerikanska stumfilmer antagit en mer naturalistisk skådespelarstil, även om inte alla skådespelare och regissörer accepterade naturalistiskt, lågmält skådespeleri direkt; så sent som 1927 släpptes fortfarande filmer med expressionistiska skådespelarstilar, som Metropolis . Greta Garbo , som gjorde sin debut 1926, skulle bli känd för sitt naturalistiska skådespeleri.

Enligt Anton Kaes, en stumfilmsforskare från University of California, Berkeley, började den amerikanska stumfilmen se en förändring i skådespelartekniken mellan 1913 och 1921, influerad av tekniker som finns i tysk stumfilm. Detta tillskrivs främst tillströmningen av emigranter från Weimarrepubliken , "inklusive filmregissörer, producenter, kameramän, ljus- och scentekniker, såväl som skådespelare och skådespelerskor".

Projektionshastighet

Fram till standardiseringen av projiceringshastigheten på 24 bilder per sekund (fps) för ljudfilmer mellan 1926 och 1930, spelades stumfilmer in med varierande hastigheter (eller " bildhastigheter ") allt från 12 till 40 fps, beroende på år och studio . "Standard stumfilmshastighet" sägs ofta vara 16 fps som ett resultat av bröderna Lumières Cinématographe, men branschpraxis varierade avsevärt; det fanns ingen egentlig standard. William Kennedy Laury Dickson , en Edison-anställd, bestämde sig för de häpnadsväckande snabba 40 bilderna per sekund. Dessutom insisterade eran kameramän på att deras vevteknik var exakt 16 fps, men modern undersökning av filmerna visar att detta var felaktigt och att de ofta vevade snabbare. Om de inte visas noggrant med avsedda hastigheter kan stumfilmer visas onaturligt snabba eller långsamma. Men vissa scener undersvingades avsiktligt under inspelningen för att påskynda handlingen – särskilt för komedier och actionfilmer.

Cinématographe Lumière vid Institut Lumière , Frankrike. Sådana kameror hade inga ljudinspelningsenheter inbyggda i kamerorna.

Långsam projicering av en cellulosanitratbasfilm medförde en risk för brand, eftersom varje ram exponerades under en längre tid för den intensiva värmen från projektionslampan; men det fanns andra skäl att projicera en film i högre takt. Ofta fick projektionister allmänna instruktioner från distributörerna på musikledarens cue sheet om hur snabbt vissa rullar eller scener skulle projiceras. I sällsynta fall, vanligtvis för större produktioner, gav cue sheets framtagna speciellt för projektionisten en detaljerad guide för att presentera filmen. Teatrar också – för att maximera vinsten – ibland varierade projiceringshastigheter beroende på tid på dygnet eller popularitet för en film, eller för att passa in en film i en föreskriven tidslucka.

Alla filmprojektorer kräver en rörlig slutare för att blockera ljuset medan filmen rör sig, annars blir bilden utsmetad i rörelseriktningen. Den här slutaren får dock bilden att flimra och bilder med låga flimmerhastigheter är mycket obehagliga att titta på. Tidiga studier av Thomas Edison för sin Kinetoscope -maskin fastställde att en hastighet under 46 bilder per sekund "kommer att anstränga ögat". och detta gäller även för projicerade bilder under normala bioförhållanden. Lösningen som användes för Kinetoscope var att köra filmen med över 40 bilder/sek, men detta var dyrt för film. Men genom att använda projektorer med dubbla och trippelbladiga slutare multipliceras flimmerhastigheten två eller tre gånger högre än antalet filmrutor – varje bildruta blinkar två eller tre gånger på skärmen. En trebladig slutare som projicerar en 16 fps film kommer något överträffa Edisons siffra, vilket ger publiken 48 bilder per sekund. Under den tysta eran var projektorer vanligtvis utrustade med 3-bladiga fönsterluckor. Sedan introduktionen av ljud med dess standardhastighet på 24 bilder/sek. 2-bladiga slutare har blivit normen för 35 mm bioprojektorer, även om trebladiga slutare har förblivit standard på 16 mm och 8 mm projektorer, som ofta används för att projicera amatörer. film tagna med 16 eller 18 bilder/sek. En 35 mm filmbildhastighet på 24 fps översätts till en filmhastighet på 456 millimeter (18,0 tum) per sekund. En 1 000 fot (300 m) rulle kräver 11 minuter och 7 sekunder för att projiceras med 24 fps, medan en 16 fps projektion av samma rulle skulle ta 16 minuter och 40 sekunder, eller 304 millimeter (12,0 tum) per sekund.

På 1950-talet kan många telecinomvandlingar av stumfilmer med grovt felaktiga bildhastigheter för TV-sändningar ha gjort tittarna alienerade. Filmhastighet är ofta ett irriterande problem bland forskare och filmfantaster i presentationen av tysta filmer idag, särskilt när det kommer till DVD-utgåvor av restaurerade filmer , som fallet med 2002 års återställande av Metropolis .

Färgning

En scen från Dr. Caligaris kabinett med Friedrich Feher i huvudrollen — ett exempel på en bärnstensfärgad film

Med bristen på naturlig färgbearbetning tillgänglig, doppades filmer från den tysta eran ofta i färgämnen och färgades olika nyanser och nyanser för att signalera en stämning eller representera en tid på dagen. Handtoning går tillbaka till 1895 i USA med Edisons utgivning av utvalda handtonade tryck av Butterfly Dance . Dessutom startade experiment med färgfilm så tidigt som 1909, även om det tog mycket längre tid för färg att antas av industrin och en effektiv process att utvecklas. Blått representerade nattscener, gult eller bärnsten betydde dag. Rött representerade eld och grönt representerade en mystisk atmosfär. På liknande sätt ersatte toning av film (såsom den vanliga stumfilmsgeneraliseringen av sepia -toning) med speciella lösningar silverpartiklarna i filmmälden med salter eller färgämnen av olika färger. En kombination av toning och toning kan användas som en effekt som kan vara slående.

Vissa filmer var handtonade, som Annabelle Serpentine Dance (1894), från Edison Studios . I den är Annabelle Whitford , en ung dansare från Broadway, klädd i vita slöjor som ser ut att ändra färg när hon dansar. Denna teknik designades för att fånga effekten av Loie Fullers liveframträdanden, med början 1891, där scenljus med färgade geler förvandlade hennes vita flödande klänningar och ärmar till konstnärlig rörelse. Handfärgning användes ofta i de tidiga "trick"- och fantasyfilmerna i Europa, särskilt de av Georges Méliès . Méliès började handtona sitt verk så tidigt som 1897 och 1899 Cendrillion (Cinderella) och 1900 Jeanne d'Arc (Joan of Arc) ger tidiga exempel på handtonade filmer där färgen var en kritisk del av scenografin eller misen en scène ; sådan exakt toning använde Elisabeth Thuilliers verkstad i Paris, där team av kvinnliga konstnärer lade till färgskikt till varje ram för hand istället för att använda en vanligare (och billigare) process för stencilering. En nyrestaurerad version av Méliès A Trip to the Moon , som ursprungligen släpptes 1902, visar en sprudlande färganvändning utformad för att lägga till textur och intresse till bilden.

Kommentarer från en amerikansk distributör i en filmkatalog från 1908 understryker ytterligare Frankrikes fortsatta dominans inom området för handfärgade filmer under den tidiga tysta eran. Distributören erbjuder till försäljning till varierande priser "High-Class" filmer av Pathé , Urban-Eclipse , Gaumont , Kalem , Itala Film , Ambrosio Film och Selig . Flera av de längre, mer prestigefyllda filmerna i katalogen erbjuds i både standard svartvitt "vanligt lager" såväl som i "handmålad" färg. En vanlig kopia, till exempel, av 1907 års utgåva Ben Hur erbjuds för $120 ($3 619 USD idag), medan en färgad version av samma 1000-fots, 15-minutersfilm kostar $270 ($8,143) inklusive den extra $150 färgläggningen avgift, som uppgick till 15 öre mer per fot. Även om skälen till den citerade extraavgiften troligen var uppenbara för kunderna, förklarar distributören varför hans katalogs färgade filmer kräver så mycket högre priser och kräver mer tid för leverans. Hans förklaring ger också insikt i det allmänna tillståndet för filmfärgningstjänster i USA 1908:

Pris för ett handfärgat tryck av Ben Hur 1908

Färgläggning av filmer med rörlig bild är ett arbete som inte kan utföras på ett tillfredsställande sätt i USA. Med tanke på den enorma mängd arbete som krävs som kräver individuell handmålning av var och en av sexton bilder på foten eller 16 000 separata bilder för varje 1 000 fot film kommer väldigt få amerikanska färgsättare att utföra arbetet till vilket pris som helst.
Eftersom filmfärgning har utvecklats mycket snabbare i Frankrike än i något annat land, görs all vår färgläggning åt oss av den bästa färgläggningsanläggningen i Paris och vi har upptäckt att vi får bättre kvalitet, billigare priser och snabbare leveranser, även när det gäller färgläggning Amerikanska gjorde filmer, än om arbetet gjordes någon annanstans.

I början av 1910-talet, när långfilmer började, användes toning som en annan stämningssättare, lika vanligt som musik. Regissören D. W. Griffith visade ett konstant intresse och oro för färg och använde toning som en specialeffekt i många av sina filmer. Hans epos från 1915, The Birth of a Nation , använde ett antal färger, inklusive bärnsten, blått, lavendel och en slående röd nyans för scener som "Atlantas brinnande" och Ku Klux Klans färd vid kulmen av bilden. Griffith uppfann senare ett färgsystem där färgade ljus blinkade på delar av skärmen för att uppnå en färg.

Med utvecklingen av ljud-på-film-teknik och branschens acceptans av den övergavs toning helt, eftersom färgämnena som användes i toningsprocessen störde ljudspåren som fanns på filmremsor.

Tidiga studior

De tidiga studiorna låg i New York City-området . Edison Studios var först i West Orange, New Jersey (1892), de flyttades till Bronx, New York (1907). Fox (1909) och Biograph (1906) startade på Manhattan , med studior i St George, Staten Island . Andra filmer spelades in i Fort Lee, New Jersey . I december 1908 ledde Edison bildandet av Motion Picture Patents Company i ett försök att kontrollera industrin och stänga ute mindre producenter. "Edison Trust", som den fick smeknamnet, bestod av Edison , Biograph , Essanay Studios , Kalem Company , George Kleine Productions , Lubin Studios , Georges Méliès , Pathé , Selig Studios och Vitagraph Studios , och dominerade distributionen genom General Filmbolag . Detta företag dominerade branschen som både vertikalt och horisontellt monopol och är en bidragande orsak till studios migration till västkusten. Motion Picture Patents Co. och General Film Co. befanns skyldiga till antitrustöverträdelse i oktober 1915 och upplöstes.

Thanhouser filmstudio grundades i New Rochelle, New York , 1909 av den amerikanske teaterimpresariot Edwin Thanhouser . Företaget producerade och släppte 1 086 filmer mellan 1910 och 1917, inklusive den första filmserien någonsin, The Million Dollar Mystery , som släpptes 1914. De första westernfilmerna spelades in på Fred Scotts Movie Ranch i South Beach, Staten Island. Skådespelare utklädda som cowboys och indianer galopperade över Scotts filmranchuppsättning, som hade en huvudgata på gränsen, ett brett urval av diligenser och en 56-fots stockade. Ön gav en användbar stand-in för platser så varierande som Saharaöknen och en brittisk cricketplan. Krigsscener spelades in på slätterna i Grasmere, Staten Island . The Perils of Pauline och dess ännu mer populära uppföljare The Exploits of Elaine filmades till stor del på ön. Så var storfilmen Life of a Cowboy från 1906 av Edwin S. Porter Company och filmningen flyttades till västkusten runt 1912.

Mest inkomstbringande stumfilmer i USA

Affisch för The Birth of a Nation (1915)
Affisch för Ben-Hur (1925)

Följande är amerikanska filmer från stumfilmseran som hade fått den högsta bruttoinkomsten 1932. De angivna beloppen är bruttohyror (distributörens andel av biljettkassan) till skillnad från utställningsbrutto.

Titel År Regissör(er) Bruttohyra
En nations födelse 1915 D.W. Griffith 10 000 000 USD
Den stora paraden 1925 Kung Vidor $6 400 000
Ben Hur 1925 Fred Niblo $5 500 000
Barnet 1921 Charlie Chaplin 5 450 000 USD
Långt nere österut 1920 D.W. Griffith 5 000 000 USD
Stadsljus 1931 Charlie Chaplin $4 300 000
Guldrushen 1925 Charlie Chaplin $4 250 000
Cirkusen 1928 Charlie Chaplin 3 800 000 USD
Den täckta vagnen 1923 James Cruze 3 800 000 USD
Ringaren i Notre Dame 1923 Wallace Worsley 3 500 000 USD
De tio budorden 1923 Cecil B. DeMille 3 400 000 USD
Orphs of the Storm 1921 D.W. Griffith 3 000 000 USD
För Guds skull 1926 Sam Taylor 2 600 000 USD
Vägen till ruin 1928 Norton S. Parker 2 500 000 USD
7:e himlen 1928 Frank Borzage 2 500 000 USD
Vilket pris ära? 1926 Raoul Walsh $2 400 000
Abies irländska ros 1928 Victor Fleming 1 500 000 USD

Under ljudepoken

Övergång

Även om försöken att skapa synkroniserade ljudfilmer går tillbaka till Edison-labbet 1896, var det först från början av 1920-talet som var grundläggande teknologier som vakuumrörsförstärkare och högkvalitativa högtalare tillgängliga. De närmaste åren ägde en kapplöpning om att designa, implementera och marknadsföra flera rivaliserande ljud-på-skiva och ljud-på-film ljudformat, såsom Photokinema (1921), Phonofilm (1923), Vitaphone (1926), Fox Movietone ( 1927) och RCA Photophone (1928).

Warner Bros. var den första studion som accepterade ljud som ett element i filmproduktion och använde Vitaphone, en ljud-på-skiva-teknik, för att göra det. Studion släppte sedan The Jazz Singer 1927, vilket markerade den första kommersiellt framgångsrika ljudfilmen , men stumfilmer var fortfarande majoriteten av inslag som släpptes både 1927 och 1928, tillsammans med så kallade goat-glanded- filmer: stumfilmer med en underavdelning av ljudfilm inlagd. Således kan den moderna ljudfilmseran anses komma till dominans med början 1929.

För en lista över anmärkningsvärda stum era filmer, se Lista över år i film för åren mellan början av filmen och 1928. Följande lista inkluderar endast filmer som producerats under ljuderan med den specifika konstnärliga avsikten att vara tyst.

Senare hyllningar

Flera filmskapare har hyllat den tysta erans komedier, inklusive Charlie Chaplin med Modern Times (1936), Orson Welles med Too Much Johnson (1938), Jacques Tati med Les Vacances de Monsieur Hulot (1953), Pierre Etaix med The Suitor (1962) och Mel Brooks med Silent Movie (1976). Den taiwanesiske regissören Hou Hsiao-hsiens hyllade drama Three Times (2005) är tyst under sin mellersta tredjedel, komplett med mellantexter; Stanley Tuccis The Impostors har en inledande tyst sekvens i stil med tidiga tysta komedier. Den brasilianske filmskaparen Renato Falcãos Margarettes fest (2003) är tyst. Författaren/regissören Michael Pleckaitis sätter sin egen twist på genren med Silent (2007). Även om de inte är tysta, har Mr. Bean tv-serier och filmer använt titelkaraktärens icke pratsamma natur för att skapa en liknande stil av humor. Ett mindre känt exempel är Jérôme Savarys La fille du garde-barrière (1975), en hyllning till stumfilmer som använder mellantexter och blandar komedi, drama och explicita sexscener (vilket ledde till att den vägrades ett biocertifikat av British Board of Film Classification ).

1990 regisserade och spelade Charles Lane i Sidewalk Stories , en lågbudgethälsning till sentimentala tysta komedier, särskilt Charlie Chaplins The Kid .

Den tyska filmen Tuvalu (1999) är mestadels tyst; den lilla mängden dialog är en udda blandning av europeiska språk, vilket ökar filmens universalitet. Guy Maddin vann priser för sin hyllning till sovjettidens stumfilmer med sin korta The Heart of the World , varefter han gjorde en lång film, Brand Upon the Brain! (2006), som inkluderar live Foley-artister , berättarröst och orkester vid utvalda föreställningar. Shadow of the Vampire (2000) är en mycket fiktiv skildring av inspelningen av Friedrich Wilhelm Murnaus klassiska stum vampyrfilm Nosferatu ( 1922). Werner Herzog hedrade samma film i sin egen version, Nosferatu: Phantom der Nacht (1979).

Vissa filmer drar en direkt kontrast mellan stumfilmseran och talkies era. Sunset Boulevard visar uppkopplingen mellan de två epokerna i karaktären Norma Desmond , spelad av stumfilmsstjärnan Gloria Swanson , och Singin' in the Rain handlar om Hollywood - artister som anpassar sig till talkies. Peter Bogdanovichs film Nickelodeon från 1976 handlar om turbulensen av stumfilmsskapande i Hollywood under tidigt 1910-tal, vilket ledde fram till släppet av D. W. Griffiths epos The Birth of a Nation (1915).

År 1999 producerade den finske filmskaparen Aki Kaurismäki Juha i svartvitt, som fångar stilen av en stumfilm, med mellantexter i stället för talad dialog. Specialutgivningstryck med titlar på flera olika språk producerades för internationell distribution. I Indien var filmen Pushpak (1988), med Kamal Hassan i huvudrollen , en svart komedi helt utan dialog. Den australiska filmen Doctor Plonk (2007), var en stum komedi regisserad av Rolf de Heer. Scenspel har dragit nytta av stumfilmsstilar och källor. Skådespelaren/författarna Billy Van Zandt & Jane Milmore iscensatte sin off-Broadway slapstick-komedi Silent Laughter som en live action-hyllning till den tysta filmeran. Geoff Sobelle och Trey Lyford skapade och spelade huvudrollerna i All Wear Bowlers (2004), som började som en hyllning till Laurel och Hardy och sedan utvecklades till att inkludera stumfilmssekvenser i naturlig storlek av Sobelle och Lyford som hoppar fram och tillbaka mellan live action och silver. skärm. Den animerade filmen Fantasia (1940), som är åtta olika animationssekvenser tonsatta, kan betraktas som en stumfilm, med bara en kort scen som involverar dialog. Spionagefilmen The Thief (1952) har musik och ljudeffekter, men ingen dialog, liksom Thierry Zénos Vase de Noces från 1974 och Patrick Bokanowskis ängel från 1982 .

2005 producerade H. P. Lovecraft Historical Society en stumfilmsversion av Lovecrafts berättelse The Call of Cthulhu . Denna film upprätthöll en tidsexakt filmstil och mottogs både som "den bästa HPL-anpassningen hittills" och, med hänvisning till beslutet att göra den som en stumfilm, "en briljant inbilskhet".

Den franska filmen The Artist (2011), skriven och regisserad av Michel Hazanavicius , spelar som stumfilm och utspelar sig i Hollywood under den tysta eran. Den innehåller också segment av fiktiva stumfilmer med huvudrollsinnehavarna.

Den japanska vampyrfilmen Sanguivorous (2011) görs inte bara i stil med en stumfilm, utan turnerade till och med med live orkesterackompanjemang. Eugene Chadbourne har varit bland dem som har spelat livemusik till filmen.

Blancanieves är en spansk svart-vit stum fantasydramafilm från 2012 skriven och regisserad av Pablo Berger .

Den amerikanska långfilmsstumfilmen Silent Life startade 2006, med uppträdanden av Isabella Rossellini och Galina Jovovich , mor till Milla Jovovich , kommer att ha premiär 2013. Filmen är baserad på den tysta filmikonen Rudolph Valentinos liv , känd som Hollywoods första "Great Lover". Efter den akuta operationen tappar Valentino greppet om verkligheten och börjar se minnet av sitt liv i Hollywood ur ett perspektiv av koma – som en stumfilm som visas i ett filmpalats, den magiska portalen mellan liv och evighet, mellan verklighet och illusion.

The Picnic är en kortfilm från 2012 gjord i stil med tvåhjuliga tysta melodramer och komedier. Det var en del av utställningen, No Spectators: The Art of Burning Man, en utställning 2018-2019 kurerad av Renwick Gallery Smithsonian American Art Museum . Filmen visades i ett miniatyr 12-sitsar art déco -filmpalats på hjul kallat The Capitol Theatre , skapat av Oakland, Ca. konstkollektivet Five Ton Crane .

Rätt Det finns en kortfilm från 2013 som är en hyllning till stumfilmskomedier.

Den brittiska animerade filmen Shaun the Sheep från 2015 baserad på Shaun the Sheep släpptes till positiva recensioner och blev en succé i biljettkassan. Aardman Animations producerade också Morph och Timmy Time samt många andra tysta kortfilmer.

American Theatre Organ Society hyllar musiken i stumfilmer, såväl som de teaterorglar som spelade sådan musik. Med över 75 lokalavdelningar strävar organisationen efter att bevara och främja teaterorgan och musik som konstform.

Globe International Silent Film Festival (GISFF) är ett årligt evenemang med fokus på bild och atmosfär på film som äger rum i en välrenommerad universitets- eller akademisk miljö varje år och är en plattform för att visa upp och bedöma filmer från filmskapare som är verksamma inom detta område. 2018 spelade filmregissören Christopher Annino in den nu internationellt prisbelönta stumfilmen av sitt slag Silent Times . Filmen hyllar många av karaktärerna från 1920-talet inklusive Officer Keystone spelad av David Blair och Enzio Marchello som porträtterar en Charlie Chaplin-karaktär. Silent Times har vunnit bästa stumfilm på Oniros filmfestival. Berättelsen utspelar sig i en liten stad i New England och handlar om Oliver Henry III (spelad av Geoff Blanchette från Westerly), en mindre skurk som blev vaudevilleteaterägare. Från en ödmjuk början i England immigrerar han till USA på jakt efter lycka och snabba pengar. Han blir bekant med människor från alla samhällsskikt, från burleskartister, mimare, luffare till eleganta flickor, när hans förmögenheter ökar och hans liv snurrar mer och mer utom kontroll.

Konservering och förlorade filmer

En stillbild från Saved from the Titanic (1912), som innehöll överlevande från katastrofen. Den är nu bland dem som anses vara en förlorad film .

Den stora majoriteten av stumfilmerna som producerades i slutet av 1800-talet och början av 1900-talet anses vara förlorade. Enligt en rapport från september 2013 publicerad av United States Library of Congress , faller cirka 70 procent av de amerikanska stumfilmerna i denna kategori. Det finns många anledningar till att denna siffra är så hög. Vissa filmer har förlorats oavsiktligt, men de flesta stumfilmer förstördes med avsikt. Mellan slutet av den tysta eran och framväxten av hemmavideo kastade filmstudior ofta ett stort antal stumfilmer av en önskan att frigöra lagring i sina arkiv, förutsatt att de hade förlorat den kulturella relevansen och det ekonomiska värdet för att motivera mängden utrymme de upptog. Dessutom, på grund av den ömtåliga karaktären hos nitratfilmsmaterialet som användes för att spela in och distribuera stumfilmer, har många filmer oåterkalleligt försämrats eller har gått förlorade i olyckor, inklusive bränder (eftersom nitrat är mycket brandfarligt och kan självantända när det lagras på felaktigt sätt ). Exempel på sådana incidenter inkluderar 1965 års MGM-valvbrand och 1937 års Fox-valvbrand , som båda ledde till katastrofala förluster av filmer. Många sådana filmer som inte är helt förstörda överlever endast delvis eller i svårt skadade utskrifter. Vissa förlorade filmer, som London After Midnight (1927), förlorade i MGM-branden, har varit föremål för stort intresse av filmsamlare och historiker .

Större stumfilmer som antas vara förlorade inkluderar:

Även om de flesta förlorade stumfilmer aldrig kommer att återvinnas, har en del upptäckts i filmarkiv eller privata samlingar. Upptäckta och bevarade versioner kan vara utgåvor gjorda för bostadshyresmarknaden på 1920- och 1930-talen som upptäcks vid fastighetsförsäljning etc. Nedbrytningen av gammalt filmlager kan bromsas genom korrekt arkivering och filmer kan överföras till säkerhetsfilmlager eller till digitala medier för bevarande. Bevarandet av stumfilmer har varit en hög prioritet för historiker och arkivarier.

Dawson Film Hitta

Dawson City , i Yukon- territoriet i Kanada, var en gång slutet på distributionslinjen för många filmer. 1978 upptäcktes en cache med mer än 500 rullar nitratfilm under utgrävningen av en ledig tomt som tidigare var platsen för Dawson Amateur Athletic Association, som hade börjat visa filmer på deras rekreationscenter 1903. Verk av Pearl White , Helen Holmes , Grace Cunard , Lois Weber , Harold Lloyd , Douglas Fairbanks och Lon Chaney , bland andra, inkluderades, liksom många nyhetsfilmer. Titlarna förvarades på det lokala biblioteket fram till 1929 då det brandfarliga nitratet användes som deponi i en utdömd simbassäng. Efter att ha tillbringat 50 år under Yukons permafrost visade sig rullarna vara extremt välbevarade. På grund av dess farliga kemiska flyktighet flyttades det historiska fyndet med militär transport till Library and Archives Canada och US Library of Congress för lagring (och överföring till säkerhetsfilm ). En dokumentär om fyndet, Dawson City: Frozen Time släpptes 2016.

Se även

Referenser

Fotnoter

Bibliografi

Vidare läsning

externa länkar