Opera - Opera

Från Wikipedia, den fria encyklopedin

La Scala i Milano

Opera är en teaterform där musik är en grundläggande komponent och dramatiska roller tas av sångare , men skiljer sig från musikteater . Ett sådant "verk" (den bokstavliga översättningen av det italienska ordet "opera") är typiskt ett samarbete mellan en kompositör och en librettist och innehåller ett antal scenkonst , såsom skådespel , landskap , kostym och ibland dans eller balett . Föreställningen ges vanligtvis i ett operahus , tillsammans med en orkester eller mindre musikalisk ensemble , som sedan början av 1800-talet har leds av en dirigent .

Opera är en viktig del av den västerländska klassiska musiktraditionen. Ursprungligen förstått som ett helt sjungt styck, i motsats till en pjäs med sånger, har opera kommit att omfatta många genrer , inklusive några som inkluderar talad dialog som musikteater , Singspiel och Opéra comique . I traditionell nummeropera använder sångare två sångstilar: recitativ , en talböjad stil och fristående arier . Under 1800-talet växte det kontinuerliga musikdramat upp .

Opera har sitt ursprung i Italien i slutet av 1500-talet (med Jacopo Peris mest förlorade Dafne , producerad i Florens 1598), särskilt från verk av Claudio Monteverdi , särskilt L'Orfeo , och spred sig snart genom resten av Europa: Heinrich Schütz i Tyskland, Jean-Baptiste Lully i Frankrike och Henry Purcell i England hjälpte alla till att upprätta sina nationella traditioner på 1600-talet. På 1700-talet fortsatte italiensk opera att dominera större delen av Europa (utom Frankrike) och lockade utländska kompositörer som George Frideric Handel . Opera seria var den mest prestigefyllda formen av italiensk opera, tills Christoph Willibald Gluck reagerade mot dess konstgjordhet med sina "reform" -operor på 1760-talet. Den mest kända figuren i opera under slutet av 1700-talet är Wolfgang Amadeus Mozart , som började med opera seria men är mest känd för sina italienska komiska operaer , särskilt Figaros äktenskap ( Le nozze di Figaro ), Don Giovanni och Così fan tutte , liksom Die Entführung aus dem Serail ( bortföringen från Seraglio ) och trollflöjten ( Die Zauberflöte ), landmärken i tysk tradition.

Den första tredjedelen av 1800-talet såg bel canto- stilens höjdpunkt , med Gioachino Rossini , Gaetano Donizetti och Vincenzo Bellini som alla skapade signaturverk av den stilen. Det såg också tillkomsten av grand opera typiserad av verk av Daniel Auber och Giacomo Meyerbeer samt Carl Maria von Webers introduktion av German Romantische Oper (German Romantic Opera). Mitten till slutet av 1800-talet var en guldålder av opera, ledd och dominerad av Giuseppe Verdi i Italien och Richard Wagner i Tyskland. Populariteten för opera fortsatte genom verismotiden i Italien och samtida fransk opera till Giacomo Puccini och Richard Strauss i början av 1900-talet. Under 1800-talet uppstod parallella operatraditioner i Central- och Östeuropa, särskilt i Ryssland och Böhmen . Under 1900-talet sågs många experiment med moderna stilar, såsom atonalitet och serialism ( Arnold Schoenberg och Alban Berg ), neoklassicism ( Igor Stravinsky ) och minimalism ( Philip Glass och John Adams ). Med ökningen av inspelningsteknik blev sångare som Enrico Caruso och Maria Callas kända för mycket bredare publik som gick bortom cirkeln av operafans. Sedan uppfinningen av radio och tv spelades även operaer på (och skrevs för) dessa media. Från och med 2006 började ett antal stora operahus presentera live HD-videoöverföringar av deras föreställningar på biografer över hela världen. Sedan 2009 kan kompletta föreställningar laddas ner och streamas live .

Operatisk terminologi

Orden i en opera är kända som libretto (bokstavligen "liten bok"). Vissa kompositörer, särskilt Wagner, har skrivit sin egen libretti; andra har arbetat i nära samarbete med sina librettister, t.ex. Mozart med Lorenzo Da Ponte . Traditionell opera, ofta kallad " nummeropera ", består av två sångsätt: recitativ , de plotdrivande passagerna sjungna i en stil som är utformad för att imitera och betona böjningar av tal och aria (en "luft" eller formell sång ) där karaktärerna uttrycker sina känslor i en mer strukturerad melodisk stil. Vokalduetter, trioer och andra ensembler förekommer ofta och refrängar används för att kommentera handlingen. I vissa former av opera, som singspiel , opéra comique , operetta och semi-opera , ersätts recitativet mestadels av talad dialog. Melodiska eller halvmelodiska passager som förekommer mitt i eller i stället för recitativ kallas också arioso . Terminologin för de olika typerna av operaröster beskrivs i detalj nedan . Under både barocken och den klassiska perioden kunde recitativ uppträda i två grundformer, var och en åtföljdes av en annan instrumentalensemble: secco (torr) recitativ, sjungit med en fri rytm dikterad av ordens accent, åtföljd endast av bass continuo , som vanligtvis var ett cembalo och en cello; eller ackompagnato (även känd som strumentato ) där orkestern gav ackompanjemang. Under 1700-talet åtföljdes arier alltmer av orkestern. Vid 1800-talet hade ackompagnato fått överhanden, orkestern spelade en mycket större roll, och Wagner revolutionerade opera genom att avskaffa nästan all skillnad mellan aria och recitativ i sin strävan efter vad Wagner kallade "oändlig melodi". Efterföljande kompositörer har tenderat att följa Wagners exempel, även om vissa, som Stravinsky i The Rake's Progress, har vänt trenden. Orkesterns föränderliga roll i opera beskrivs mer detaljerat nedan .

Historia

Ursprung

Det italienska ordet opera betyder "arbete", både i betydelsen arbetet och det producerade resultatet. Det italienska ordet härstammar från den latinska operaen , ett entydigt substantiv som betyder "arbete" och även plural för substantivet opus . Enligt Oxford English Dictionary användes det italienska ordet först i betydelsen "komposition där poesi, dans och musik kombineras" 1639; den första inspelade engelska användningen i denna mening dateras till 1648.

Dafne av Jacopo Peri var den tidigaste komposition som betraktades som opera, som förstås idag. Den skrevs omkring 1597, till stor del under inspiration av en elitcirkel av litterära florentinska humanister som samlades som " Camerata de 'Bardi ". Betydligt var Dafne ett försök att återuppliva det klassiska grekiska dramat , en del av den bredare återupplivningen av antiken som kännetecknade renässansen . Medlemmarna i Camerata ansåg att "refrängen" i grekiska dramaer ursprungligen sjöngs, och möjligen till och med hela texten i alla roller; opera var således tänkt som ett sätt att "återställa" denna situation. Dafne är dock förlorad. Ett senare verk av Peri, Euridice , från 1600, är ​​den första operapoäng som har överlevt fram till idag. Äran att vara den första opera fortfarande regelbundet utförs dock går till Claudio Monteverdi : s L'Orfeo , komponerat för domstolen i Mantua i 1607. Mantua domstol i Gonzagas , arbetsgivare Monteverdi, spelade en viktig roll i ursprunget till opera som inte bara sysslar med concerto delle donne (fram till 1598) utan också en av de första faktiska "operasångarna", Madama Europa .

Italiensk opera

Barocktid

Privat barockteater i Český Krumlov

Opera förblev inte begränsad till målgruppen under lång tid. År 1637 uppstod idén om en "säsong" (ofta under karnevalen ) av offentligt deltagande operaer med stöd av biljettförsäljning i Venedig . Monteverdi hade flyttat till staden från Mantua och komponerat sina sista operor, Il ritorno d'Ulisse i patria och L'incoronazione di Poppea , för den venetianska teatern på 1640-talet. Hans viktigaste anhängare Francesco Cavalli hjälpte till att sprida opera i hela Italien. I dessa tidiga barockoperor blandades bred komedi med tragiska inslag i en blandning som skakade utbildade känslor och gnistade den första av operans många reformrörelser, sponsrad av Arcadian Academy , som kom att associeras med poeten Metastasio , vars libretti hjälpte till. kristallisera opera-seriens genre , som blev den ledande formen av italiensk opera fram till slutet av 1700-talet. När det metastasiska idealet hade fastställts var komedin i opera från barocktiden reserverad för det som kom att kallas opera buffa . Innan sådana element tvingades ut ur opera seria hade många libretti presenterat en separat utspelande komisk plot som en slags "opera-in-an-opera". En anledning till detta var ett försök att locka medlemmar av den växande handelsklassen, nyligen rika, men fortfarande inte lika kultiverade som adeln, till de offentliga operahusen . Dessa separata tomter återupplivades nästan omedelbart i en separat utvecklande tradition som delvis härstammar från commedia dell'arte , en lång blomstrande improvisatorisk scentradition i Italien. Precis som mellanhänder en gång hade spelats mellan akterna av scenstycken, inleddes operor i den nya komiska genren intermezzi , som till stor del utvecklades i Neapel på 1710- och 1720-talet, under uppehållet av opera seria. De blev dock så populära att de snart erbjöds som separata produktioner.

Opera seria var förhöjd i ton och mycket stiliserad i form, vanligtvis bestående av secco recitativ isär med långa da capo- arier. Dessa gav stora tillfällen för virtuos sång och under opera-seriens guldålder blev sångaren verkligen stjärnan. Hjältans roll skrevs vanligtvis för den höga manliga castrato- rösten, som producerades genom kastrering av sångaren före puberteten , vilket förhindrade att en pojkes struphuvud förvandlades vid puberteten. Castrati som Farinelli och Senesino , liksom kvinnliga sopraner som Faustina Bordoni , blev mycket efterfrågade i hela Europa då opera seria styrde scenen i alla länder utom Frankrike. Farinelli var en av 1700-talets mest kända sångare. Italiensk opera satte barockstandarden. Italienska libretti var normen, även när en tysk kompositör som Handel befann sig att komponera sådana som Rinaldo och Giulio Cesare för Londons publik. Italiensk libretti förblev också dominerande under den klassiska perioden , till exempel i operaerna till Mozart , som skrev i Wien nära århundradets slut. Ledande italienskfödda kompositörer av opera seria inkluderar Alessandro Scarlatti , Antonio Vivaldi och Nicola Porpora .

Glucks reformer och Mozart

Illustration för noterna i den ursprungliga Wien-versionen av Orfeo ed Euridice

Opera seria hade sina svagheter och kritiker. Smaken för utsmyckning på de utbildade sångarnas vägnar och användningen av skådespel som en ersättning för dramatisk renhet och enhet drog attacker. Francesco Algarotti s Essay on the Opera (1755) har visat sig vara en inspirationskälla för Christoph Willibald Gluck : s reformer. Han förespråkade att opera seria var tvungen att återgå till grunderna och att alla de olika elementen - musik (både instrumental och sång), balett och iscensättning - måste vara underordnade det övergripande dramaet. År 1765 publicerade Melchior Grimm " Poème lyrique ", en inflytelserik artikel för Encyclopédie om lyrik och operalibrettos . Flera kompositörer under perioden, inklusive Niccolò Jommelli och Tommaso Traetta , försökte omsätta dessa ideal i praktiken. Den första som lyckades var dock Gluck. Gluck strävade efter att uppnå en "vacker enkelhet". Detta framgår av hans första reformopera, Orfeo ed Euridice , där hans icke-virtuosa sångmelodier stöds av enkla harmonier och en rikare orkesternärvaro hela tiden.

Glucks reformer har haft resonans genom operahistorien. Weber, Mozart och Wagner, särskilt, påverkades av hans ideal. Mozart, på många sätt Glucks efterträdare, kombinerade en enastående känsla av drama, harmoni, melodi och kontrapunkt för att skriva en serie komiska operaer med libretti av Lorenzo Da Ponte , särskilt Le nozze di Figaro , Don Giovanni och Così fan tutte , som förbli bland de mest älskade, populära och välkända operaerna. Men Mozarts bidrag till opera seria var mer blandat; vid hans tid var det på väg att dö bort, och trots sådana fina verk som Idomeneo och La clemenza di Tito skulle han inte lyckas återuppliva konstformen.

Bel canto, Verdi och verismo

Giuseppe Verdi, av Giovanni Boldini , 1886

Den bel canto opera rörelsen blomstrade i början av 19-talet och exemplifieras av operor av Rossini , Bellini , Donizetti , Pacini , Mercadante och många andra. Bokstavligen "vacker sång", härrör bel canto- opera från den italienska stilistiska sångskolan med samma namn. Bel canto-linjer är vanligtvis blommiga och invecklade, vilket kräver högsta smidighet och tonhöjdskontroll. Exempel på berömda operaer i bel canto-stil inkluderar Rossinis Il barbiere di Siviglia och La Cenerentola , liksom Bellinis Norma , La sonnambula och I puritani och Donizettis Lucia di Lammermoor , L'elisir d'amore och Don Pasquale .

Efter bel canto-eran populariserades snabbt en mer direkt, kraftfull stil av Giuseppe Verdi , som började med sin bibliska opera Nabucco . Denna opera, och de som skulle följa i Verdis karriär, revolutionerade italiensk opera och förändrade den från bara en uppvisning av sångfyrverkerier med Rossinis och Donizettis verk till dramatisk berättande. Verdis operor gav upphov till den växande andan av italiensk nationalism under post- Napoleontiden , och han blev snabbt en ikon för den patriotiska rörelsen för ett enat Italien. I början av 1850-talet producerade Verdi sina tre mest populära operaer: Rigoletto , Il trovatore och La traviata . Den första av dessa, Rigoletto , visade sig vara den mest vågade och revolutionära. I den suddar Verdi ut skillnaden mellan arien och recitativ som den aldrig tidigare var, vilket ledde operan till "en oändlig sträng av duetter". La traviata var också ny. Den berättar historien om kurtisan och citeras ofta som en av de första "realistiska" operaerna, för snarare än att presentera stora kungar och figurer från litteraturen, fokuserar den på tragedierna i det vanliga livet och samhället. Efter dessa fortsatte han att utveckla sin stil och komponerade kanske den största franska storopera , Don Carlos , och avslutade sin karriär med två Shakespeare-inspirerade verk, Otello och Falstaff , som avslöjar hur långt italiensk opera hade vuxit i sofistikering sedan början av 19: e. århundrade. Dessa två sista verk visade Verdi på sitt mest mästerligt orkestrerade och är båda oerhört inflytelserika och moderna. I Falstaff sätter Verdi den främsta standarden för den form och stil som skulle dominera opera under hela 1900-talet. Istället för långa, upphängda melodier innehåller Falstaff många små motiv och mottot som, snarare än att utvidgas, introduceras och därefter släpps, bara för att tas upp igen senare. Dessa motiv utvidgas aldrig till, och precis som publiken förväntar sig att en karaktär ska lanseras i en lång melodi, talar en ny karaktär och introducerar en ny fras. Detta mode av opera styrde opera från Verdi och framöver och utövade ett enormt inflytande på hans efterträdare Giacomo Puccini , Richard Strauss och Benjamin Britten .

Efter Verdi uppträdde den sentimentala "realistiska" melodraman av verismo i Italien. Detta var en stil som införts av Pietro Mascagni : s På Sicilien och Ruggiero Leoncavallo : s Pagliacci som kom att dominera världens operascener med sådana populära verk som Giacomo Puccinis 's La bohème , Tosca och Madama Butterfly . Senare italienska kompositörer, som Berio och Nono , har experimenterat med modernism .

Tyskspråkig opera

Nattens drottning i en produktion från 1815 av Mozarts Die Zauberflöte

Den första tyska opera var Dafne , komponerad av Heinrich Schütz 1627, men noten har inte överlevt. Italiensk opera höll en stor sväng över tysktalande länder fram till slutet av 1700-talet. Ändå skulle infödda former utvecklas trots detta inflytande. År 1644 producerade Sigmund Staden den första Singspiel , Seelewig , en populär form av tyskspråkig opera där sång växlar med talad dialog. I slutet av 1600-talet och början av 1700-talet presenterade Theater am Gänsemarkt i Hamburg tyska operaer av Keizer , Telemann och Handel . Ändå valde de flesta av de stora tyska kompositörerna av tiden, inklusive Händel själv, liksom Graun , Hasse och senare Gluck , att skriva de flesta av sina operaer på främmande språk, särskilt italienska. Till skillnad från italiensk opera, som vanligtvis var komponerad för den aristokratiska klassen, var den tyska operaen i allmänhet komponerad för massorna och tenderade att innehålla enkla folkliknande melodier, och det var inte förrän Mozarts ankomst att tysk opera kunde matcha Italiensk motsvarighet i musikalisk förfining. Abel Seylers teaterföretag var banbrytande på allvarlig tyskspråkig opera på 1770-talet och markerade en paus med den tidigare enklare musikunderhållningen.

Richard Wagner

Mozart 's Singspiele , Enleveringen ur Seraljen (1782) och Trollflöjten (1791) var ett viktigt genombrott för att uppnå internationellt erkännande för den tyska opera. Traditionen utvecklades på 1800-talet av Beethoven med sin Fidelio (1805), inspirerad av klimatet i den franska revolutionen . Carl Maria von Weber grundade tysk romantisk opera i motsats till dominansen av italienska bel canto . Hans Der Freischütz (1821) visar sitt geni för att skapa en övernaturlig atmosfär. Andra operakompositörer från den tiden inkluderar Marschner , Schubert och Lortzing , men den viktigaste figuren var utan tvekan Wagner .

Brünnhilde kastar sig på Siegfrieds begravningsbål i Wagners Götterdämmerung

Wagner var en av de mest revolutionära och kontroversiella kompositörerna i musikhistoria. Från och med påverkan av Weber och Meyerbeer utvecklade han gradvis ett nytt koncept av opera som ett Gesamtkunstwerk (ett "komplett konstverk"), en fusion av musik, poesi och måleri. Han ökade orkesterns roll och kraft kraftigt och skapade partitur med en komplex webbmotiv , återkommande teman som ofta förknippas med karaktärerna och begreppen i dramat, av vilka prototyper kan höras i hans tidigare operaer som Der fliegende Holländer , Tannhäuser och Lohengrin ; och han var beredd att bryta mot accepterade musikaliska konventioner, såsom tonalitet , i sin strävan efter större uttrycksförmåga. I sina mogna musikdramar, Tristan und Isolde , Die Meistersinger von Nürnberg , Der Ring des Nibelungen och Parsifal , avskaffade han skillnaden mellan aria och recitativ till förmån för ett sömlöst flöde av "ändlös melodi". Wagner tog också en ny filosofisk dimension till opera i sina verk, som vanligtvis baserades på berättelser från germansk eller Arthurian legend. Slutligen byggde Wagner sitt eget operahus i Bayreuth med en del av beskyddet från Ludwig II av Bayern , exklusivt tillägnad att framföra sina egna verk i den stil han ville ha.

Opera skulle aldrig vara densamma efter Wagner och för många kompositörer var hans arv en tung börda. Å andra sidan accepterade Richard Strauss Wagnerian-idéer men tog dem i helt nya riktningar, tillsammans med att införliva den nya form som introducerades av Verdi. Han vann först berömmelse med den skandalösa Salome och den mörka tragedin Elektra , där tonalitet pressades till gränserna. Sedan bytte Strauss tack i sin största framgång, Der Rosenkavalier , där Mozart och Wiener valsar blev lika viktigt inflytande som Wagner. Strauss fortsatte att producera en mycket varierad mängd operaverk, ofta med libretti av poeten Hugo von Hofmannsthal . Andra kompositörer som gjorde individuella bidrag till tysk opera i början av 1900-talet inkluderar Alexander von Zemlinsky , Erich Korngold , Franz Schreker , Paul Hindemith , Kurt Weill och den italienskfödda Ferruccio Busoni . De opera nyheterna i Arnold Schönberg och hans efterträdare diskuteras i avsnittet om modernismen .

Under slutet av 19-talet, den österrikiska kompositören Johann Strauss II , en beundrare av franska -Språkvård operetter består av Jacques Offenbach , som består flera tyskspråkiga operetter, den mest kända av dessa var Die Fledermaus . Icke desto mindre, i stället för att kopiera Offenbachs stil, hade operetterna i Strauss II en tydlig wiensk smak för dem.

Fransk opera

En föreställning av Lullys opera Armide i Salle du Palais-Royal 1761

I rivalitet med importerade italienska operaproduktioner grundades en separat fransk tradition av italienska Jean-Baptiste Lully vid kung Louis XIV . Trots sitt utländska ursprung grundade Lully en musikakademi och monopoliserade fransk opera från 1672. Från och med Cadmus et Hermione skapade Lully och hans librettist Quinault tragédie en musique , en form där dansmusik och körskrivning var särskilt framträdande. Lullys opera visar också en oro för uttrycksfull recitativ som matchade konturerna av det franska språket. På 1700-talet var Lullys viktigaste efterträdare Jean-Philippe Rameau , som komponerade fem tragédies en musique samt många verk i andra genrer som opéra-balett , alla anmärkningsvärda för sin rika orkestrering och harmoniska våg. Trots populariteten för italiensk opera seria i stora delar av Europa under barockperioden, fick italiensk opera aldrig mycket fotfäste i Frankrike, där dess egen nationella operatradition var mer populär istället. Efter Rameaus död övertalades tyska Gluck att producera sex operaer för den parisiska scenen på 1770-talet. De visar Rameaus inflytande, men förenklat och med större fokus på drama. Samtidigt blev en annan genre i Frankrike i mitten av 1700-talet: opéra comique . Detta motsvarade det tyska sångspelet , där arierna växlade med talad dialog. Anmärkningsvärda exempel i denna stil producerades av Monsigny , Philidor och framför allt Grétry . Under revolutionen och napoleonstiden kom kompositörer som Étienne Méhul , Luigi Cherubini och Gaspare Spontini , som var efterföljare av Gluck, ett nytt allvar i genren, som i alla fall aldrig varit helt "komisk". Ett annat fenomen under denna period var "propagandaopera" som firade revolutionära framgångar, t.ex. Gossecs Le triomphe de la République (1793).

Genom 1820-talet hade Gluckian inflytande i Frankrike fått ge vika för en smak för italiensk bel canto , särskilt efter ankomsten av Rossini i Paris . Rossinis Guillaume Tell hjälpte till med att hitta den nya genren av grand opera , en form vars mest kända exponent var en annan utlänning, Giacomo Meyerbeer . Meyerbeers verk, som Les Huguenots , betonade virtuos sång och extraordinära sceneffekter. Lättare opéra comique hade också enorm framgång i händerna på Boïeldieu , Auber , Hérold och Adam . I detta klimat kämpade operaerna till den franskfödda kompositören Hector Berlioz för att få hörsel. Berlioz episka mästerverk Les Troyens , kulminationen av den gluckianska traditionen, fick inte en fullständig föreställning på nästan hundra år.

Under andra hälften av 1800-talet skapade Jacques Offenbach operett med kvicka och cyniska verk som Orphée aux enfers , liksom opera Les Contes d'Hoffmann ; Charles Gounod gjorde en enorm framgång med Faust ; och Georges Bizet komponerade Carmen , som en gång publiken lärde sig acceptera sin blandning av romantik och realism, blev den mest populära av alla opéra comiques. Jules Massenet , Camille Saint-Saëns och Léo Delibes har alla komponerat verk som fortfarande ingår i standardrepertoaret, exempelvis Massenets Manon , Saint-Saëns ' Samson et Dalila och Delibes' Lakmé . Deras operaer bildade en annan genre, Opera Lyrique, kombinerad opera comique och grand opera. Det är mindre grandios än grand opera, men utan den talade dialogen mellan opera comique. Samtidigt kändes Richard Wagners inflytande som en utmaning för den franska traditionen. Många franska kritiker avvisade ilsket Wagners musikdrama medan många franska kompositörer imiterade dem nära med varierande framgång. Det kanske mest intressanta svaret kom från Claude Debussy . Som i Wagners verk spelar orkestern en ledande roll i Debussys unika opera Pelléas et Mélisande (1902) och det finns inga riktiga arier, bara recitativa. Men dramat är underskattat, gåtfullt och helt okänt.

Andra anmärkningsvärda namn från 1900-talet inkluderar Ravel , Dukas , Roussel , Honegger och Milhaud . Francis Poulenc är en av de få efterkrigskompositörer av någon nationalitet vars operaer (inklusive Dialogues des Carmélites ) har fått fotfäste i det internationella repertoaret. Olivier Messiaens långa heliga drama Saint François d'Assise (1983) har också väckt stor uppmärksamhet.

Engelskspråkig opera

I England var operaens antecedent jiggen från 1600-talet . Detta var en efterbit som kom i slutet av en pjäs. Det var ofta ärekränkande och skandalöst och bestod huvudsakligen av en dialog inställd på musik arrangerad från populära låtar. I detta avseende förväntar sig jiggarna 1700-talets balladoperor. Samtidigt fick den franska masken ett fast grepp vid den engelska domstolen, med ännu mer överdådig prakt och mycket realistisk natur än vad som tidigare sett. Inigo Jones blev den viktigaste designern av dessa produktioner, och den här stilen skulle dominera den engelska scenen i tre århundraden. Dessa masker innehöll sånger och danser. I Ben Jonson 's Lovers Made Män (1617), "hela masque sjöngs efter den italienska sätt Stilo recitativo". Det engelska samväldets tillvägagångssätt stängde teatrar och stoppade all utveckling som kan ha lett till upprättandet av engelsk opera. Men 1656 producerade dramatikern Sir William Davenant The Siege of Rhodes . Eftersom hans teater inte hade tillstånd att producera drama bad han flera av de ledande kompositörerna ( Lawes , Cooke , Locke , Coleman och Hudson ) att sätta musik på delar av den. Denna framgång följdes av spanjorernas grymhet i Peru (1658) och Sir Francis Drakes historia (1659). Dessa bitar uppmuntrades av Oliver Cromwell eftersom de var kritiska till Spanien. Med den engelska restaurationen välkomnades utländska (särskilt franska) musiker. 1673, Thomas Shadwell 's Psyche , mönstrade på 1671 'Comédie-baletten' med samma namn produceras av Molière och Jean-Baptiste Lully . William Davenant producerade The Tempest samma år, vilket var den första musikaliska anpassningen till en Shakespeare- pjäs (komponerad av Locke och Johnson). Omkring 1683 komponerade John Blow Venus och Adonis , ofta betraktade som den första äkta engelskspråkiga opera.

Blows omedelbara efterträdare var den mer kända Henry Purcell . Trots framgången med hans mästerverk Dido och Aeneas (1689), där handlingen främjas av användningen av italiensk recitativ, var mycket av Purcells bästa verk inte inblandat i komponeringen av typisk opera, utan istället arbetade han vanligtvis inom begränsningarna för semi-operaformatet , där isolerade scener och masker finns i strukturen för ett talat teaterstycke, såsom Shakespeare i Purcells The Fairy-Queen (1692) och Beaumont and Fletcher i The Prophetess (1690) och Bonduca (1696) ). Huvudpersonerna i pjäsen tenderar inte att vara inblandade i de musikaliska scenerna, vilket innebär att Purcell sällan kunde utveckla sina karaktärer genom sång. Trots dessa hinder var hans mål (och hans medarbetares John Dryden ) att etablera seriös opera i England, men dessa förhoppningar slutade med Purcells tidiga död vid 36 års ålder.

Efter Purcell minskade operaens popularitet i England i flera decennier. Ett återupplivat intresse för opera inträffade på 1730-talet, vilket till stor del tillskrivs Thomas Arne , både för hans egna kompositioner och för att göra Händel uppmärksam på de kommersiella möjligheterna med stora verk på engelska. Arne var den första engelska kompositören som experimenterade med allsångad komisk opera i italiensk stil, med sin största framgång var Thomas och Sally 1760. Hans opera Artaxerxes (1762) var det första försöket att ställa in en fullblåst opera på engelska och var en stor framgång och höll scenen fram till 1830-talet. Även om Arne imiterade många element i italiensk opera, var han kanske den enda engelska kompositören vid den tiden som kunde gå bortom de italienska influenserna och skapa sin egen unika och tydliga engelska röst. Hans moderniserade balladopera, Love in a Village (1762), började en mode för pasticheopera som varade långt in på 1800-talet. Charles Burney skrev att Arne introducerade "en lätt, luftig, original och tilltalande melodi, helt annorlunda än Purcells eller Händels, som alla engelska kompositörer antingen hade plundrat eller imiterat".

Mikado (litografi)

Förutom Arne var den andra dominerande kraften i engelsk opera vid denna tid George Frideric Handel , vars operaserier fyllde Londons operascener i årtionden och påverkade de flesta hemodlade kompositörer, som John Frederick Lampe , som skrev med italienska modeller. Denna situation fortsatte under 1700- och 1800-talen, inklusive i arbetet av Michael William Balfe , och operaerna till de stora italienska kompositörerna, liksom de från Mozart, Beethoven och Meyerbeer, fortsatte att dominera den musikaliska scenen i England.

De enda undantagen var balladopera , såsom John Gay 's The Beggar Opera (1728), musikaliska spex europeiska operetter , och sen viktorianska eran lätta operor , särskilt Savoy operor av WS Gilbert och Arthur Sullivan , som alla typer av musik underhållningar förfalskade ofta operakonventioner. Sullivan skrev bara en storopera, Ivanhoe (efter ansträngningarna från ett antal unga engelska kompositörer som började omkring 1876), men han hävdade att även hans lätta operaer utgjorde en del av en skola med "engelsk" opera, avsedd att ersätta de franska operetterna ( utfördes vanligtvis i dåliga översättningar) som hade dominerat scenen i London från mitten av 1800-talet till 1870-talet. Londons Daily Telegraph gick med på att beskriva The Yeomen of the Guard som "en äkta engelsk opera, föregångare till många andra, låt oss hoppas och möjligen betydande ett framsteg mot ett nationellt lyrikscen". Sullivan producerade några lätta operaer på 1890-talet som var av mer allvarlig karaktär än de i G & S-serien, inklusive Haddon Hall och The Beauty Stone , men Ivanhoe (som sprang i 155 på varandra följande föreställningar, med alternerande skådespelare - en skiva fram till Broadways La bohème ) överlever som hans enda stora opera .

Under 1900-talet började engelsk opera att hävda mer självständighet med verk av Ralph Vaughan Williams och i synnerhet Benjamin Britten , som i en serie verk som förblir i standardrepertoar idag avslöjade en utmärkt känsla för den dramatiska och fantastiska musikaliteten. På senare tid har Sir Harrison Birtwistle framträtt som en av Storbritanniens viktigaste samtida kompositörer från sin första opera Punch och Judy till hans senaste kritiska framgång i The Minotaur . Under det första decenniet av 2000-talet har librettisten i en tidig Birtwistle-opera, Michael Nyman , fokuserat på att komponera operaer, inklusive Facing Goya , Man and Boy: Dada och Love Counts . Idag fortsätter kompositörer som Thomas Adès att exportera engelsk opera utomlands.

Även på 1900-talet började amerikanska kompositörer som George Gershwin ( Porgy och Bess ), Scott Joplin ( Treemonisha ), Leonard Bernstein ( Candide ), Gian Carlo Menotti , Douglas Moore och Carlisle Floyd att bidra med engelskspråkiga operaer infunderade med inslag av populära musikstilar. De följdes av kompositörer som Philip Glass ( Einstein on the Beach ), Mark Adamo , John Corigliano ( The Ghosts of Versailles ), Robert Moran , John Adams ( Nixon i Kina ), André Previn och Jake Heggie . Många samtida operakompositörer från 2000-talet har dykt upp som Missy Mazzoli , Kevin Puts , Tom Cipullo , Huang Ruo , David T. Little , Terence Blanchard , Jennifer Higdon , Tobias Picker , Michael Ching och Ricky Ian Gordon .

Rysk opera

Opera fördes till Ryssland på 1730-talet av de italienska operatrupperna och snart blev det en viktig del av underhållningen för den ryska kejsardomen och aristokratin . Många utländska kompositörer som Baldassare Galuppi , Giovanni Paisiello , Giuseppe Sarti och Domenico Cimarosa (liksom olika andra) blev inbjudna till Ryssland för att komponera nya operaer, mestadels på italienska . Samtidigt skickades några inhemska musiker som Maksym Berezovsky och Dmitry Bortniansky utomlands för att lära sig skriva opera. Den första opera som skrevs på ryska var Tsefal i Prokris av den italienska kompositören Francesco Araja (1755). Utvecklingen av ryskspråkig opera stöddes av de ryska kompositörerna Vasily Pashkevich , Yevstigney Fomin och Alexey Verstovsky .

Den ryska operans verkliga födelse kom emellertid med Mikhail Glinka och hans två stora operaer Ett liv för tsaren (1836) och Ruslan och Lyudmila (1842). Efter honom, under 1800-talet i Ryssland, skrevs sådana operamästerverk som Rusalka och The Stone Guest av Alexander Dargomyzhsky , Boris Godunov och Khovanshchina av Modest Mussorgsky , Prince Igor av Alexander Borodin , Eugene Onegin och Queen of Spades av Pyotr Tchaikovsky , och The Snow Maiden och Sadko av Nikolai Rimsky-Korsakov . Denna utveckling speglade tillväxten av rysk nationalism över det konstnärliga spektrumet, som en del av den mer allmänna slavofilisrörelsen .

Under 1900-talet utvecklades ryska operas traditioner av många kompositörer inklusive Sergei Rachmaninoff i hans verk The Miserly Knight och Francesca da Rimini , Igor Stravinsky i Le Rossignol , Mavra , Oedipus rex och The Rake's Progress , Sergei Prokofiev i The Gambler , Kärleken till tre apelsiner , Den eldiga ängeln , Betrothal i ett kloster och krig och fred ; liksom Dmitri Shostakovich i The Nose and Lady Macbeth of the Mtsensk District , Edison Denisov i L'écume des jours , och Alfred Schnittke i Life with an Idiot och Historia von D. Johann Fausten .

Tjeckisk opera

Tjeckiska kompositörer utvecklade också en blomstrande nationell operarörelse under 1800-talet, med början på Bedřich Smetana , som skrev åtta operaer inklusive den internationellt populära The Bartered Bride . Smetanas åtta operaer skapade grunden för det tjeckiska operarepertoaret, men av dessa utförs endast The Bartered Bride regelbundet utanför kompositörens hemland. Efter att ha nått Wien 1892 och London 1895 blev det snabbt en del av repertoaret för alla större operakompanier världen över.

Antonín Dvořáks nio operor, förutom hans första, har librettos på tjeckiska och var avsedda att förmedla den tjeckiska nationella andan, liksom några av hans korverk. Den överlägset mest framgångsrika av operaerna är Rusalka som innehåller den välkända aria "Měsíčku na nebi hlubokém" ("Sång till månen"); den spelas på samtida operascener ofta utanför Tjeckien . Detta beror på deras ojämna uppfinning och libretti, och kanske också deras iscenesättningskrav - Jacobin , Armida , Vanda och Dimitrij behöver scener som är tillräckligt stora för att skildra invaderande arméer.

Poäng för Smetana's The Bartered Bride

Leoš Janáček fick internationellt erkännande på 1900-talet för sina innovativa verk. Hans senare mogna verk införlivar hans tidigare studier av nationell folkmusik i en modern, mycket original syntes, först uppenbar i opera Jenůfa , som hade premiär 1904 i Brno . Framgången med Jenůfa (ofta kallad " Moravian national opera") i Prag 1916 gav Janáček tillgång till världens stora operascener. Janáčeks senare verk är hans mest berömda. De inkluderar operaer som Káťa Kabanová och The Cunning Little Vixen , Sinfonietta och Glagolitic Mass .

Andra nationella operaer

Spanien producerade också sin egen distinkta form av opera, känd som zarzuela , som hade två separata blomningar: en från mitten av 1600-talet till mitten av 1700-talet och en annan som började omkring 1850. Under slutet av 1700-talet fram till mitten av 1700-talet 1800-talet var italiensk opera oerhört populär i Spanien och ersatte den inhemska formen.

I ryska Östeuropa började flera nationella operor dyka upp. Ukrainsk opera utvecklades av Semen Hulak-Artemovsky (1813–1873) vars mest kända verk Zaporozhets za Dunayem (En kosack bortom Donau) spelas regelbundet runt om i världen. Andra ukrainska operakompositörer inkluderar Mykola Lysenko ( Taras Bulba och Natalka Poltavka ), Heorhiy Maiboroda och Yuliy Meitus . Vid sekelskiftet började också en tydlig nationell operarörelse dyka upp i Georgien under ledningen Zacharia Paliashvili , som blandade lokala folksånger och berättelser med romantiska klassiska teman från 1800-talet .

Ferenc Erkel , far till ungersk opera

Nyckelpersonen i den ungerska nationaloperan på 1800-talet var Ferenc Erkel , vars verk mest handlade om historiska teman. Bland hans mest framförda operaer är Hunyadi László och Bánk bán . Den mest kända moderna ungerska opera är Béla Bartók : s Duke Blåskäggs borg .

Stanisław Moniuszkos opera Straszny Dwór (på engelska The Haunted Manor ) (1861–64) representerar en topp på 1800-talet av den polska nationaloperan . Under 1900-talet inkluderade andra operaer skapade av polska kompositörer King Roger av Karol Szymanowski och Ubu Rex av Krzysztof Penderecki .

Den första kända operan från Turkiet (det ottomanska riket ) var Arshak II , som var en armenisk opera komponerad av en etnisk armenisk kompositör Tigran Chukhajian 1868 och framfördes delvis 1873. Den arrangerades fullständigt 1945 i Armenien.

Under de första åren av Sovjetunionen uppstod nya nationella operaer, till exempel Koroğlu (1937) av den azerbajdzjanska kompositören Uzeyir Hajibeyov . Den första kirgiziska operaen, Ai-Churek , hade premiär i Moskva på Bolshoi-teatern den 26 maj 1939 under det kirgiziska konstdekandet. Den komponerades av Vladimir Vlasov , Abdylas Maldybaev och Vladimir Fere . Libretton skrevs av Joomart Bokonbaev, Jusup Turusbekov och Kybanychbek Malikov. Operan är baserad på det kirgiziska heroiska eposet Manas .

I Iran fick opera mer uppmärksamhet efter införandet av västerländsk klassisk musik i slutet av 1800-talet. Det tog dock fram till mitten av 1900-talet för iranska kompositörer att börja uppleva med fältet, särskilt eftersom byggandet av Roudaki-salen 1967 möjliggjorde iscensättning av ett stort antal verk för scenen. Kanske är den mest berömda iranska operaen Rostam och Sohrab av Loris Tjeknavorian premiär först i början av 2000-talet.

Kinesisk samtida klassisk opera , en kinesisk språkform av västerländsk opera som skiljer sig från traditionell kinesisk opera, har haft operaer som går tillbaka till The White Haired Girl 1945.

I Latinamerika började opera som ett resultat av europeisk kolonisering. Den första opera som någonsin skrivits i Amerika var La púrpura de la rosa , av Tomás de Torrejón y Velasco , även om Partenope , av mexikanen Manuel de Zumaya , var den första opera skriven från en kompositör född i Latinamerika (nu förlorad musik). Den första brasilianska opera för en libretto på portugisiska var A Noite de São João , av Elias Álvares Lobo . Men Antônio Carlos Gomes betraktas allmänt som den mest framstående brasilianska kompositör, med en relativ framgång i Italien med sina brasilianska-tema operor med italienska librettos, såsom Il Guarany . Opera i Argentina utvecklades under 1900-talet efter invigningen av Teatro Colón i Buenos Aires - med opera Aurora , av Ettore Panizza , som påverkades starkt av den italienska traditionen på grund av invandring. Andra viktiga kompositörer från Argentina inkluderar Felipe Boero och Alberto Ginastera .

Samtida, senaste och modernistiska trender

Modernism

Den kanske mest uppenbara stilistiska manifestationen av modernismen i opera är utvecklingen av atonalitet . Flytten från traditionell tonalitet i opera hade börjat med Richard Wagner , och i synnerhet Tristan-ackordet . Kompositörer som Richard Strauss , Claude Debussy , Giacomo Puccini , Paul Hindemith , Benjamin Britten och Hans Pfitzner drev den wagneriska harmonin ytterligare med en mer extrem användning av kromatism och större användning av dissonans. En annan aspekt av modernistisk opera är övergången från långa, upphängda melodier till korta snabbmotto, som illustrerades först av Giuseppe Verdi i sin Falstaff . Kompositörer som Strauss, Britten, Shostakovich och Stravinsky antog och utvidgade denna stil.

Arnold Schoenberg 1917; porträtt av Egon Schiele

Den operatiska modernismen började verkligen i operaerna till två wienska kompositörer, Arnold Schoenberg och hans student Alban Berg , båda kompositörer och förespråkare för atonalitet och dess senare utveckling (som utarbetats av Schoenberg), dodekafoni . Schoenbergs tidigt musikdramatiska verk, Erwartung (1909, premiär 1924) och Die glückliche Hand visar kraftig användning av kromatisk harmoni och dissonans i allmänhet. Schoenberg använde också ibland Sprechstimme .

De två operaerna till Schoenbergs elev Alban Berg, Wozzeck (1925) och Lulu (ofullständiga vid hans död 1935) delar många av samma egenskaper som beskrivits ovan, även om Berg kombinerade sin mycket personliga tolkning av Schoenbergs tolvtonsteknik med melodiska avsnitt av en mer traditionellt tonal karaktär (ganska mahlerisk karaktär) som kanske delvis förklarar varför hans operaer har förblivit i standardrepertoar, trots deras kontroversiella musik och intriger. Schoenbergs teorier har påverkat (antingen direkt eller indirekt) ett betydande antal operakompositörer sedan dess, även om de inte själva komponerade med hans tekniker.

Stravinsky 1921

Bland sålunda påverkade kompositörer ingår engelsmannen Benjamin Britten , tysken Hans Werner Henze och ryssen Dmitri Sjostakovitj . ( Philip Glass använder också attonalitet, även om hans stil vanligtvis beskrivs som minimalistisk , vanligtvis betraktad som en annan utveckling från 1900-talet.)

Men operamodernismens användning av atonalitet utlöste också en motreaktion i form av nyklassicism . En tidig ledare för denna rörelse var Ferruccio Busoni , som 1913 skrev libretton för sin neoklassiska nummeropera Arlecchino (framfördes 1917). Bland ryggarna var också ryska Igor Stravinsky . Efter att ha komponerat musik för de Diaghilev- producerade baletterna Petrushka (1911) och The Rite of Spring (1913) vände sig Stravinsky till nyklassicism, en utveckling som kulminerade i hans operaoratorium Oedipus Rex (1927). Stravinsky hade redan vänt sig bort från de modernistiska trenderna i sina tidiga baletter för att producera småskaliga verk som inte helt kvalificeras som opera men ändå innehåller många operaelement, inklusive Renard (1916: "en burlesk i sång och dans") och The Soldiers Tale (1918: "att läsas, spelas och dansas"; i båda fallen är beskrivningarna och instruktionerna för kompositören). I det senare avkallar skådespelarna delar av tal till en specificerad rytm över instrumental ackompanjemang, speciellt lik den äldre tyska genren Melodrama . Bra efter hans Rimsky-Korsakov-inspirerade verk The Nightingale (1914) och Mavra (1922) fortsatte Stravinsky att ignorera serial teknik och skrev så småningom en fullfjädrad 1700-talsstil diatonisk nummeropera The Rake's Progress (1951). Hans motstånd mot serialism (en attityd som han vände om efter Schoenbergs död) visade sig vara en inspiration för många andra kompositörer.

Andra trender

En vanlig trend under hela 1900-talet, både i opera- och orkesterrepertoire, är användningen av mindre orkestrar som en kostnadsbesparingsåtgärd. de stora orkestrarna från romantiken med stora stråksektioner, flera harpor, extra horn och exotiska slaginstrument var inte längre genomförbara. När regeringen och den privata beskyddet av konsten minskade under hela 1900-talet beställdes nya verk ofta och framfördes med mindre budgetar, vilket ofta resulterade i kammarstora verk och korta operor. Många av Benjamin Brittens operor görs för så få som 13 instrumentalister; Mark Adamos tvåaktiga förverkligande av Little Women görs för 18 instrumentalister.

Ett annat inslag i slutet av 1900-talets opera är framväxten av samtida historiska operaer, i motsats till traditionen med att basera opera på mer avlägsen historia, återberätta för samtida fiktiva berättelser eller pjäser, eller på myt eller legend. Klinghoffers död , Nixon i Kina och Doctor Atomic av John Adams , Dead Man Walking av Jake Heggie och Anna Nicole av Mark-Anthony Turnage exemplifierar dramatiseringen på scenen av händelser i det senaste levande minnet, där karaktärer som porträtteras i operaen levde vid premiärföreställningen.

Den Metropolitan Opera i USA (ofta kallad Met) rapporterade under 2011 att den genomsnittliga åldern för sin publik var 60. Många opera företag försökt att locka en yngre publik att stoppa den större trenden grånande publik för klassisk musik sedan de senaste decennierna av 1900-talet. Ansträngningarna ledde till att Metts åldersnivå sänktes till 58 år 2018, medelåldern vid Berlins statsopera rapporterades som 54 och Paris Opera rapporterade en medelålder på 48 år.

Mindre företag i USA har en mer ömtålig existens, och de är vanligtvis beroende av ett "lapptäcke" med stöd från statliga och lokala myndigheter, lokala företag och insamlingar. Ändå har vissa mindre företag hittat sätt att dra nya målgrupper. Förutom radio- och tv-sändningar av operaföreställningar, som har haft viss framgång med att få ny publik, har sändningar av liveframträdanden till biografer visat potentialen att nå ny publik.

Från musikaler tillbaka till opera

I slutet av 1930-talet började vissa musikaler skrivas med en mer operastruktur. Dessa verk inkluderar komplexa polyfoniska ensembler och speglar musikalisk utveckling av sin tid. Porgy and Bess (1935), påverkad av jazzstilar, och Candide (1956), med sina svepande, lyriska passager och farsa parodier av opera, båda öppnade på Broadway men blev accepterade som en del av operarepertoaret. Populära musikaler som Show Boat , West Side Story , Brigadoon , Sweeney Todd , Passion , Evita , The Light in the Piazza , The Phantom of the Opera och andra berättar dramatiska historier genom komplex musik och under 2010-talet ses de ibland i operahus . The Most Happy Fella (1952) är kvasioperatisk och har återupplivats av New York City Opera . Andra rockinflytande musikaler , som Tommy (1969) och Jesus Christ Superstar (1971), Les Misérables (1980), Rent (1996), Spring Awakening (2006) och Natasha, Pierre & The Great Comet of 1812 (2012) använda olika operakonventioner, till exempel genom komposition , recitativ istället för dialog och leitmotiv .

Akustisk förbättring i opera

En subtil typ av ljudelektronisk förstärkning som kallas akustisk förbättring används i vissa moderna konserthus och teatrar där opera utförs. Även om ingen av de stora operahusen "... använder traditionell, Broadway-stil ljudförstärkning, där de flesta om inte alla sångare är utrustade med radiomikrofoner blandade till en serie fula högtalare utspridda i hela teatern", använder många en ljudförstärkning system för akustisk förstärkning och för subtil förstärkning av scener, barnsångare, scendialog och ljudeffekter (t.ex. kyrkklockor i Tosca eller åskeffekter i Wagners opera).

Operatiska röster

Operatisk sångteknik utvecklades, under en tid före elektronisk förstärkning, för att låta sångare producera tillräckligt med volym för att höras över en orkester, utan att instrumentalisterna väsentligt måste kompromissa med sin volym.

Vokal klassificeringar

Sångare och de roller de spelar klassificeras efter rösttyp , baserat på tessitura , smidighet, kraft och klang i deras röster. Manliga sångare kan klassificeras efter vokalområdet som bas , bas-bariton , bariton , baritenor , tenor och countertenor , och kvinnliga sångare som contralto , mezzosopran och sopran . (Män sjunger ibland i de "kvinnliga" sångområdena, i vilket fall de kallas sopranist eller countertenor . Countertenoren förekommer ofta i opera, ibland sjunger delar skrivna för castrati - män kastrerade i ung ålder specifikt för att ge dem en högre sång intervall.) Sångare klassificeras sedan ytterligare efter storlek — till exempel kan en sopran beskrivas som en lyrisk sopran, koloratur , soubrette , spinto eller dramatisk sopran. Dessa termer, även om de inte fullständigt beskriver en sångröst, associerar sångarens röst med de roller som är bäst lämpade för sångarens sångkännetecken.

Ytterligare en underklassificering kan göras utifrån skådespelande färdigheter eller krav, till exempel basso buffo som ofta måste vara en specialist på mönstret såväl som en komisk skådespelare. Detta utförs i detalj i Fach- systemet i de tysktalande länderna, där historiskt opera och talad drama ofta lades fram av samma repertoarföretag .

En viss sångares röst kan förändras drastiskt under hans eller hennes liv och uppnår sällan röstmognad fram till det tredje decenniet, och ibland inte förrän i medelåldern. Två franska rösttyper , premiär dugazon och deuxieme dugazon , namngavs efter successiva etapper i Louise-Rosalie Lefebvre (Mme. Dugazon) karriär . Övriga villkor med ursprung i stjärn gjutning systemet för parisiska teatrarna är baryton-Martin och sopran falk .

Historisk användning av röstdelar

Följande är endast tänkt som en kort översikt. För de viktigaste artiklarna, se sopran , mezzo-sopran , contralto , tenor , bariton , bas , countertenor och castrato .

Sopranrösten har vanligtvis använts som röst för valet för operans kvinnliga huvudperson sedan senare hälften av 1700-talet. Tidigare var det vanligt att den delen sjöngs av någon kvinnlig röst eller till och med en castrato . Den nuvarande betoningen på ett brett vokalområde var främst en uppfinning av den klassiska perioden . Innan dess var den högsta virtuosen, inte intervallet, prioriterad, med sopranpartier som sällan sträckte sig över en hög A ( Händel skrev till exempel bara en roll som sträckte sig till en hög C ), även om castrato Farinelli påstods ha en topp D (hans lägre intervall var också extraordinärt och sträckte sig till tenor C). Mezzosopranen, en term med relativt ny ursprung, har också en stor repertoar, allt från den kvinnliga huvudrollen i Purcells Dido och Aeneas till sådana tungviktiga roller som Brangäne i Wagners Tristan und Isolde (dessa är båda roller som ibland sjungs av sopraner; där är ganska mycket rörelse mellan dessa två rösttyper). För den verkliga kontrasten är utbudet av delar mer begränsat, vilket har gett upphov till det insidiga skämtet att contraltos bara sjunger roller "häxor, tikar och britchar ". Under de senaste åren har många av "byxrollerna" från barocktiden, ursprungligen skrivna för kvinnor, och de som ursprungligen sjungits av castrati, överförts till kontoretorer.

Tenorrösten, från och med den klassiska eran, har traditionellt tilldelats rollen som manlig huvudperson. Många av de mest utmanande tenorrollerna i repertoaret skrevs under bel canto- eran, såsom Donizettis sekvens av 9 Cs över mitten C under La fille du régiment . Med Wagner kom en tonvikt på vokalheft för sina huvudroller, med denna vokalkategori beskriven som Heldentenor ; denna heroiska röst hade sin mer italienska motsvarighet i sådana roller som Calaf i Puccinis Turandot . Basar har en lång historia inom opera, efter att ha använts i opera-serier i biroll, och ibland för komisk lättnad (liksom för att ge en kontrast till övervikt av höga röster i denna genre). Basrepertoaren är bred och varierad och sträcker sig från komedin Leporello i Don Giovanni till Wotans adel i Wagners ringcykel till den motstridiga kungen Phillip av Verdis Don Carlos . Mellan bas och tenor finns bariton, som också varierar i vikt från säg, Guglielmo i Mozarts Così fan tutte till Posa i Verdis Don Carlos ; den faktiska beteckningen "baryton" var inte standard förrän i mitten av 1800-talet.

Kända sångare

Castrato Senesino , c. 1720

Tidiga föreställningar av opera var för sällsynta för sångare att försörja sig uteslutande av stilen, men med födelsen av kommersiell opera i mitten av 1600-talet började professionella artister dyka upp. Rollen som den manliga hjälten anförtrotades vanligtvis till en castrato , och vid 1700-talet, när italiensk opera framfördes i hela Europa, blev ledande castrati som hade extraordinär vokalvirus, som Senesino och Farinelli , internationella stjärnor. Karriären för den första stora kvinnliga stjärnan (eller primadonna ), Anna Renzi , går till mitten av 1600-talet. På 1700-talet fick ett antal italienska sopraner internationellt rykte och ofta engagerade sig i hård rivalitet, vilket var fallet med Faustina Bordoni och Francesca Cuzzoni , som inledde en fistfight med varandra under en föreställning av en Handel-opera. Franskmännen ogillade castrati och föredrog att deras manliga hjältar skulle sjungas av en haute-contre (en hög tenor), av vilken Joseph Legros (1739–1793) var ett ledande exempel.

Även om operamässan har minskat under det senaste århundradet till förmån för annan konst och media (som musikaler, film, radio, tv och inspelningar), har massmedia och tillkomsten av inspelning stött populariteten hos många kända sångare inklusive Maria Callas , Enrico Caruso , Amelita Galli-Curci , Kirsten Flagstad , Juan Arvizu , Nestor Mesta Chayres , Mario Del Monaco , Renata Tebaldi , Risë Stevens , Alfredo Kraus , Franco Corelli , Montserrat Caballé , Joan Sutherland , Birgit Nilsson , Nellie Melba , Rosa Ponselle , Beniamino Gigli , Jussi Björling , Feodor Chaliapin , Cecilia Bartoli , Renée Fleming , Marilyn Horne , Bryn Terfel och " The Three Tenors " ( Luciano Pavarotti , Plácido Domingo och José Carreras ).

Orkesterns byte av roll

Före 1700-talet använde italienska operor en liten strängorkester , men den spelade sällan för att följa med sångarna. Operasolon under denna period åtföljdes av basso continuo- gruppen, som bestod av cembalo , "plockade instrument" som lute och ett basinstrument. Strängorkestern spelade vanligtvis bara när sångaren inte sjöng, till exempel under en sångares "... ingångar och utgångar, mellan sångnummer, [eller] för [medföljande] dans". En annan roll för orkester under denna period spelade en orkester ritornell att markera slutet på en sångare solo. Under början av 1700-talet började vissa kompositörer att använda strängorkestern för att markera vissa arier eller recitativ "... som speciella"; 1720 åtföljdes de flesta arier av en orkester. Operakompositörer som Domenico Sarro , Leonardo Vinci , Giambattista Pergolesi , Leonardo Leo och Johann Adolf Hasse lade till nya instrument till operaorkestern och gav instrumenten nya roller. De lade till blåsinstrument i strängarna och använde orkesterinstrument för att spela instrumentalsolo, som ett sätt att markera vissa arier som speciella.

Tysk operaorkester från början av 1950-talet

Orkestern har också tillhandahållit en instrumental overture innan sångarna kommer på scenen sedan 1600-talet. Peri 's Euridice inleds med en kort instrument ritornell och Monteverdi : s L'Orfeo (1607) inleds med en Toccata , i detta fall en fanfar för dämpade trumpeter . Den franska överturen som finns i Jean-Baptiste Lullys operaer består av en långsam introduktion i en markerad "prickad rytm", följt av en livlig rörelse i fugato- stil. Ouverturen följdes ofta av en serie danslåtar innan gardinen steg. Denna uvertyr stil användes också på engelska opera, framför allt i Henry Purcell 's Dido och Aeneas . Händel använder också den franska overturen i några av hans italienska operaer som Giulio Cesare .

I Italien uppstod en distinkt form som kallades "overture" på 1680-talet och etablerades särskilt genom operaerna från Alessandro Scarlatti och spred sig över hela Europa och ersatte den franska formen som standardoperaturen i mitten av 1700-talet. Den använder tre allmänt homofoniska rörelser : snabb – långsam – snabb. Öppningsrörelsen var normalt i dubbelmätare och i en huvudnyckel; den långsamma rörelsen i tidigare exempel var kort och kunde vara i en kontrastnyckel; den avslutande rörelsen var danslik, oftast med rytmer av trötthet eller menuet och återvände till nyckeln till öppningssektionen. När formen utvecklades kan den första satsen innehålla fanfarliknande element och tog mönstret av så kallad "sonatinaform" ( sonatform utan utvecklingssektion), och den långsamma sektionen blev mer utsträckt och lyrisk.

I italiensk opera efter omkring 1800 blev "overturen" känd som sinfonia . Fisher noterar också termen Sinfonia avanti l'opera (bokstavligen "symfonin före operan") var "en tidig term för en sinfonia som används för att starta en opera, det vill säga som en överture i motsats till en som serverar för att börja en senare del av arbetet ". I opera från 1800-talet, i vissa operaer, var överturen, Vorspiel , Einleitung , Introduktion eller vad det än kan kallas, den del av musiken som äger rum innan gardinen reser sig; en specifik, styv form krävdes inte längre för överturen.

Orkesterns roll i att följa med sångarna förändrades under 1800-talet, då den klassiska stilen övergick till den romantiska eran. I allmänhet blev orkestrar större, nya instrument lades till, till exempel extra slagverksinstrument (t.ex. bastrumma, cymbaler, virveltrumma etc.). Den orkestrering av orkester delar också utvecklats under 19-talet. I Wagner-operaer gick orkestern i framkant bortom overturen. I wagneriska operaer som Ring Cycle spelade orkestern ofta de återkommande musikaliska teman eller ledmotiv , en roll som gav en framträdande plats för orkestern som "... höjde sin status till en primadonna ". Wagners opera noterades med oöverträffad omfattning och komplexitet, vilket tillförde fler blåsinstrument och enorma ensemblestorlekar: hans poäng till Das Rheingold kräver verkligen sex harpor . I Wagner och arbetet med efterföljande kompositörer, som Benjamin Britten, kommunicerar orkestern ofta fakta om berättelsen som överstiger nivåerna av medvetenhet hos karaktärerna däri. Som ett resultat började kritiker betrakta orkestern som en roll som är analog med en litterär berättares. "

I takt med att orkesterns och andra instrumentella ensemblers roll förändrades under operahistorien, gjorde det också rollen som ledande musiker. Under barocktiden leddes musikerna vanligtvis av cembalo-spelaren, även om den franska kompositören Lully är känd för att ha dirigerat med en lång personal. Under 1800-talet, under den klassiska perioden, skulle den första violinisten, även känd som konsertmästaren , leda orkestern medan han satt. Med tiden började vissa regissörer stå upp och använda hand- och armgester för att leda artisterna. Så småningom kallades denna roll som musikregissör dirigenten , och ett podium användes för att göra det lättare för alla musiker att se honom eller henne. När Wagner-operaerna introducerades gav verkets komplexitet och de enorma orkestrarna som spelade dem dirigenten en allt viktigare roll. Moderna operadirigenter har en utmanande roll: de måste styra både orkestern i orkestergropen och sångarna på scenen.

Språk- och översättningsfrågor

Sedan Händels och Mozarts dagar har många kompositörer gynnat italienska som språk för deras operas libretto. Från Bel Canto-eran till Verdi övervakade kompositörer ibland versioner av sina operaer på både italienska och franska. På grund av detta anses operor som Lucia di Lammermoor eller Don Carlos idag vara kanoniska i både sina franska och italienska versioner.

Fram till mitten av 1950-talet var det acceptabelt att producera operaer i översättningar även om dessa inte hade godkänts av kompositören eller de ursprungliga librettisterna. Exempelvis arrangerade operahus i Italien Wagner rutinmässigt på italienska. Efter andra världskriget förbättrades operastipendiet, artisterna fokuserade på originalversionerna och översättningar föll i favör. Kunskap om europeiska språk, särskilt italienska, franska och tyska, är idag en viktig del av utbildningen för professionella sångare. "Den största delen av operautbildningen är inom lingvistik och musiker", förklarar mezzosopran Dolora Zajick . "[Jag måste förstå] inte bara vad jag sjunger utan också vad alla andra sjunger. Jag sjunger italienska, tjeckiska, ryska, franska, tyska, engelska."

På 1980-talet började supertitlar (ibland kallade undertexter ) att dyka upp. Även om supertitlar först fördömdes nästan allmänt som en distraktion, har många operahus idag antingen supertitlar, som i allmänhet projiceras ovanför teatrets prosceniumbåge eller enskilda sittplatser där åskådare kan välja mellan mer än ett språk. TV-sändningar inkluderar vanligtvis undertexter även om de är avsedda för en publik som känner språket väl (till exempel en RAI- sändning av en italiensk opera). Dessa undertexter riktar sig inte bara till hörselskadade utan också till publiken i allmänhet, eftersom en sjungad diskurs är mycket svårare att förstå än en talad - även i modersmålens öron. Undertexter på ett eller flera språk har blivit standard i operasändningar, simulcasts och DVD-utgåvor.

Idag framförs bara opera sällan i översättning. Undantag inkluderar English National Opera , Opera Theatre of Saint Louis , Opera Theatre of Pittsburgh och Opera South East, som gynnar engelska översättningar. Ett annat undantag är operaproduktioner avsedda för en ung publik, som Humperdincks Hansel och Gretel och vissa produktioner av Mozarts The Magic Flute .

Finansiering

Svenska operasångare i en hyllning till Kjerstin Dellert och Ulriksdal Palace Theatre vid 40-årsjubileet 2016 av finansieringen, renoveringen och efterföljande återupptagande

Utanför USA och särskilt i Europa får de flesta operahus offentliga bidrag från skattebetalare. I Milano, Italien, kommer 60% av La Scalas årliga budget på 115 miljoner euro från biljettförsäljning och privata donationer, medan de återstående 40% kommer från offentliga medel. 2005 fick La Scala 25% av Italiens totala statliga bidrag på 464 miljoner euro för scenkonst. I Storbritannien tillhandahåller Arts Council England medel till Opera North , Royal Opera House , Welsh National Opera och English National Opera . Mellan 2012 och 2015 stod dessa fyra operakompanier tillsammans med English National Ballet , Birmingham Royal Ballet och Northern Ballet för 22% av medlen i Arts Councils nationella portfölj. Under den perioden genomförde rådet en analys av sin finansiering för storskaliga opera- och balettbolag, med rekommendationer och mål för företagen att uppfylla före finansieringsbesluten 2015–2018. I februari 2015 ledde oro över English National Operas affärsplan till att Arts Council placerade den "under särskilda finansieringsarrangemang" i vad The Independent kallade "det oöverträffade steget" att hota att dra tillbaka den offentliga finansieringen om rådets bekymmer inte möttes till 2017. Europeisk offentlig finansiering till opera har lett till en skillnad mellan antalet operahus året runt i Europa och USA. Till exempel "Tyskland har cirka 80 året runt operahus [från och med 2004], medan USA, med mer än tre gånger befolkningen, inte har några. Även Met har bara en sju månaders säsong."

TV, film och Internet

En milstolpe för operasändning i USA uppnåddes den 24 december 1951 med direktutsändningen av Amahl and the Night Visitors , en opera i en akt av Gian Carlo Menotti . Det var den första opera speciellt komponerad för tv i Amerika. En annan milstolpe inträffade i Italien 1992 när Tosca sändes direkt från sina ursprungliga romerska miljöer och tider på dagen: den första akten kom från 1500-talskyrkan Sant'Andrea della Valle vid middagstid på lördag; 1500-talet Palazzo Farnese var inställningen för andra kl 20:15; och på söndagen kl. 6 sändes den tredje akten från Castel Sant'Angelo. Produktionen överfördes via satellit till 105 länder.

Stora operaföretag har börjat presentera sina föreställningar i lokala biografer i hela USA och många andra länder. Metropolitan Opera inledde en serie live HD- videosändningar till biografer runt om i världen 2006. 2007 visades Met-föreställningar i över 424 teatrar i 350 amerikanska städer. La bohème gick ut till 671 skärmar över hela världen. San Francisco Opera började förinspelade videosändningar i mars 2008. Från och med juni 2008 har cirka 125 teatrar i 117 amerikanska städer uppvisningarna. Sändningarna av HD-videoopera presenteras via samma HD digitala bioprojektorer som används för stora Hollywoodfilmer . Europeiska operahus och festivaler inklusive Royal Opera i London, La Scala i Milano, Salzburg Festival , La Fenice i Venedig och Maggio Musicale i Florens har också överfört sina produktioner till teatrar i städer runt om i världen sedan 2006, inklusive 90 städer. i USA

Uppkomsten av Internet har också påverkat hur publiken konsumerar opera. Under 2009 erbjöd British Glyndebourne Festival Opera för första gången en onlinevideonedladdning av hela sin produktion av Tristan und Isolde 2007 . Under säsongen 2013 strömmade festivalen alla sex produktioner online. I juli 2012 hade den första onlineoperaen premiär på Savonlinna Opera Festival . Med titeln Free Will , skapades den av medlemmar i internetgruppen Opera By You. Dess 400 medlemmar från 43 länder skrev librettot, komponerade musiken och designade scener och kostymer med hjälp av Wreckamovie webbplattform. Savonlinna Opera Festival tillhandahöll professionella solister, en 80-medlemmars kör, en symfoniorkester och scenmaskiner. Det spelades live på festivalen och strömmades live på internet.

Se även

Referenser

Anteckningar

Källor

Vidare läsning

externa länkar