barock -Baroque

Barocken

Överst: Venus och Adonis av Peter Paul Rubens (1635–1640); centrum: The Ecstasy of Saint Teresa av Bernini (1651); längst ner: slottet i Versailles i Frankrike ( ca 1660–1715)
Antal aktiva år	1600-1700-talen

Barocken ( Storbritannien : / b ə ˈ r ɒ k / , USA : / b ə ˈ r oʊ k / ; franska:  [baʁɔk] ) är en stil av arkitektur , musik , dans , målning , skulptur , poesi och annan konst som blomstrade i Europa från tidigt 1600-tal fram till 1750-talet. I de spanska och portugisiska imperiets territorier inklusive den iberiska halvön fortsatte det, tillsammans med nya stilar, fram till 1800-talets första decennium. Den följde renässanskonst och mannerism och föregick rokoko (förr ofta kallad "senbarock") och nyklassicistisk stil. Det uppmuntrades av den katolska kyrkan som ett sätt att motverka enkelheten och stramheten i protestantisk arkitektur, konst och musik, även om luthersk barockkonst också utvecklades i delar av Europa.

Barockstilen använde kontrast, rörelse, sprudlande detaljer, djup färg, storhet och överraskning för att uppnå en känsla av vördnad. Stilen började i början av 1600-talet i Rom, spred sig sedan snabbt till Frankrike, norra Italien, Spanien och Portugal, sedan till Österrike, södra Tyskland och Polen. På 1730-talet hade den utvecklats till en ännu mer flamboyant stil, kallad rocaille eller rokoko , som dök upp i Frankrike och Centraleuropa fram till mitten till slutet av 1700-talet.

Inom den dekorativa konsten använder stilen riklig och invecklad ornamentik. Avgången från renässansklassicismen har sina egna vägar i varje land. Men ett allmänt drag är att utgångspunkten överallt är de prydnadselement som introducerades av renässansen . Den klassiska repertoaren är trång, tät, överlappande, laddad, för att framkalla chockeffekter. Nya motiv som introducerats av barocken är: kartuschen , troféer och vapen, korgar med frukt eller blommor och andra, gjorda i intarsia , stuckatur eller snidade.

Ordets ursprung

Det engelska ordet barock kommer direkt från franskan . Vissa forskare uppger att det franska ordet härstammar från den portugisiska termen barroco ("en bristfällig pärla"), vilket pekar på latinets verruca , ("vårta"), eller på ett ord med suffixet -ǒccu (vanligt i förromerska Iberien) . Andra källor föreslår en medeltida latinsk term som används i logik, baroco , som den mest troliga källan.

På 1500-talet gick det medeltida latinska ordet baroco bortom skolastisk logik och kom till användning för att karakterisera allt som verkade absurt komplext. Den franske filosofen Michel de Montaigne (1533–1592) förknippade termen baroco med "bisarrt och onödigt komplicerat". Andra tidiga källor associerar baroco med magi, komplexitet, förvirring och överflöd.

Ordet barock förknippades också med oregelbundna pärlor före 1700-talet. Fransk barock och portugisisk barroco var termer som ofta förknippades med smycken. Ett exempel från 1531 använder termen för att beskriva pärlor i en inventering av Karl V av Frankrikes skatter. Senare förekommer ordet i en upplaga från 1694 av Le Dictionnaire de l'Académie Française, som beskriver barock som "endast använt för pärlor som är ofullkomligt runda." En portugisisk ordbok från 1728 beskriver på liknande sätt barroco som relaterad till en "grov och ojämn pärla".

En alternativ härledning av ordet barock pekar på namnet på den italienske målaren Federico Barocci (1528–1612).

På 1700-talet började termen användas för att beskriva musik, och inte på ett smickrande sätt. I en anonym satirisk recension av premiären av Jean-Philippe Rameaus Hippolyte et Aricie i oktober 1733, som trycktes i Mercure de France i maj 1734, skrev kritikern att nyheten i denna opera var "du barocque", och klagade att musiken saknade sammanhängande melodi, var sparsam med dissonanser, ständigt bytte tonart och meter och snabbt sprang igenom varje kompositionsapparat.

År 1762 skrev Le Dictionnaire de l'Académie Française att termen bildligt kunde beskriva något "oregelbundet, bisarrt eller ojämlikt".

Jean-Jacques Rousseau , som var musiker och kompositör såväl som filosof, skrev i Encyclopédien 1768 : "Barockmusik är den där harmonin är förvirrad och laddad med modulationer och dissonanser. Sången är hård och onaturlig, intonationen svår, och rörelsen begränsad. Det verkar som att termen kommer från ordet 'baroco' som används av logiker."

1788 definierade Quatremère de Quincy termen i Encyclopédie Méthodique som "en arkitektonisk stil som är mycket utsmyckad och plågad".

De franska termerna stilbarock och musiquebarock dök upp i Le Dictionnaire de l'Académie Française 1835 . I mitten av 1800-talet hade konstkritiker och historiker antagit termen "barock" som ett sätt att förlöjliga konst efter renässansen. Detta var betydelsen av ordet som användes 1855 av den ledande konsthistorikern Jacob Burckhardt , som skrev att barockkonstnärer "föraktade och missbrukade detaljer" eftersom de saknade "respekt för tradition".

1888 publicerade konsthistorikern Heinrich Wölfflin det första seriösa akademiska verket om stilen, Renaissance und Barock , som beskrev skillnaderna mellan renässansens och barockens måleri, skulptur och arkitektur.

Arkitektur: ursprung och egenskaper

Den barocka arkitekturen var ett resultat av doktriner som antogs av den katolska kyrkan vid konciliet i Trent 1545–63, som svar på den protestantiska reformationen . Den första fasen av motreformationen hade påtvingat religiös arkitektur en sträng, akademisk stil, som hade tilltalat intellektuella men inte massan av kyrkobesökare. Konciliet i Trent beslutade istället att vädja till en mer populär publik och förklarade att konsten borde kommunicera religiösa teman med direkt och känslomässigt engagemang. På liknande sätt utvecklades luthersk barockkonst som en bekännelsemarkör för identitet, som svar på den stora ikonoklasmen av kalvinister .

Barockkyrkor designades med ett stort centralt utrymme, där gudstjänstbesökarna kunde vara nära altaret, med en kupol eller kupol högt ovanför, vilket låter ljuset lysa upp kyrkan nedanför. Kupolen var ett av de centrala symboliska dragen i barockarkitekturen som illustrerar föreningen mellan himlarna och jorden. Kupolens insida var överdådigt dekorerad med målningar av änglar och helgon, och med stuckaturstatyetter av änglar, vilket gav intrycket för dem nedan att titta upp mot himlen. Ett annat särdrag i barockkyrkorna är quadratura ; trompe-l'œil- målningar i taket i stuckaturer, antingen äkta eller målade, fulla av målningar av helgon och änglar och förbundna med arkitektoniska detaljer med balustrader och konsoler. Quadratura -målningar av Atlantes nedanför gesimsen verkar stödja kyrkans tak. Till skillnad från Michelangelos målade tak i Sixtinska kapellet , som kombinerade olika scener, var och en med sitt eget perspektiv, för att titta på en i taget, skapades barocktaksmålningarna noggrant så att betraktaren på golvet i kyrkan skulle se hela taket i korrekt perspektiv, som om siffrorna vore verkliga.

Barockkyrkornas interiörer blev mer och mer utsmyckade i högbarocken och fokuserade runt altaret, vanligtvis placerat under kupolen. Högbarockens mest berömda dekorativa barockverk är St Peters stol (1647–1653) och St. Peters Baldachino (1623–1634), båda av Gian Lorenzo Bernini , i Peterskyrkan i Rom. St. Peters Baldequin är ett exempel på balansen mellan motsatser i barockkonsten; styckets gigantiska proportioner, med baldakinens skenbara lätthet; och kontrasten mellan de solida vridna kolumnerna, brons, guld och marmor i verket med änglarnas flödande draperier på baldakinen. Dresden Frauenkirche fungerar som ett framstående exempel på luthersk barockkonst, som färdigställdes 1743 efter att ha beställts av det lutherska stadsrådet i Dresden och "jämfördes av 1700-talsobservatörer med Peterskyrkan i Rom".

Den tvinnade kolonnen i kyrkornas inre är ett av barockens signatur. Det ger både en känsla av rörelse och även ett dramatiskt nytt sätt att reflektera ljus.

Kartuschen var ett annat karakteristiskt drag för barockdekorationen. Dessa var stora tavlor snidade av marmor eller sten, vanligtvis ovala och med en rundad yta, som bar bilder eller text med förgyllda bokstäver, och placerades som inredning eller ovanför dörröppningar till byggnader, för att leverera meddelanden till dem nedanför. De visade en mängd olika uppfinningar och fanns i alla typer av byggnader, från katedraler och palats till små kapell.

Barockarkitekter använde ibland påtvingat perspektiv för att skapa illusioner. För Palazzo Spada i Rom använde Borromini pelare av minskande storlek, ett avsmalnande golv och en miniatyrstaty i trädgården bortom för att skapa illusionen av att en passage var trettio meter lång, när den faktiskt bara var sju meter lång. En staty i slutet av passagen verkar vara i naturlig storlek, även om den bara är sextio centimeter hög. Borromini designade illusionen med hjälp av en matematiker.

Italiensk barock

Den första byggnaden i Rom som hade en barockfasad var Gesù-kyrkan 1584; den var vanlig med senare barockstandard, men markerade ett brott med de traditionella renässansfasader som föregick den. Interiören av denna kyrka förblev mycket stram fram till den höga barocken, då den var överdådigt utsmyckad.

I Rom 1605 blev Paulus V den första i en serie av påvar som beställde basilikor och kyrkobyggnader utformade för att inspirera till känslor och vördnad genom en spridning av former, och en rikedom av färger och dramatiska effekter. Bland de mest inflytelserika monumenten från den tidiga barocken var fasaden på Peterskyrkan (1606–1619) och det nya långhuset och loggian som förband fasaden med Michelangelos kupol i den tidigare kyrkan. Den nya designen skapade en dramatisk kontrast mellan den skyhöga kupolen och den oproportionerligt breda fasaden, och kontrasten på själva fasaden mellan de doriska kolonnerna och portikens stora massa.

I mitten till slutet av 1600-talet nådde stilen sin topp, senare kallad högbarock. Många monumentala verk beställdes av påvarna Urban VIII och Alexander VII . Skulptören och arkitekten Gian Lorenzo Bernini ritade en ny fyrdubbel pelargång runt Petersplatsen (1656 till 1667). De tre pelargallerierna i en gigantisk ellips balanserar den överdimensionerade kupolen och ger kyrkan och torget en enhet och känslan av en gigantisk teater.

En annan stor innovatör av den italienska högbarocken var Francesco Borromini , vars stora verk var San Carlo alle Quattro Fontane-kyrkan eller Sankt Karl av de fyra fontänerna (1634–46). Känslan av rörelse ges inte av utsmyckningen, utan av själva väggarna, som är böljande och av konkava och konvexa element, inklusive ett ovalt torn och balkong införd i en konkav travers. Interiören var lika revolutionerande; kyrkans huvudutrymme var ovalt, under en oval kupol.

Målade tak, fulla av änglar och helgon och trompe-l'œil arkitektoniska effekter, var ett viktigt inslag i den italienska högbarocken. Större verk inkluderar The Entry of Saint Ignatius into Paradise av Andrea Pozzo (1685–1695) i Saint Ignatius Church i Rom, och The Triumph of the Jesu namn av Giovanni Battista Gaulli i Church of the Gesù i Rom (1669– 1683), som innehöll figurer som läckte ut ur bildramen och dramatisk sned belysning och ljus-mörka kontraster.

Stilen spred sig snabbt från Rom till andra regioner i Italien: Den dök upp i Venedig i kyrkan Santa Maria della Salute (1631–1687) av Baldassare Longhena , en mycket original åttkantig form krönt med en enorm kupol . Det dök också upp i Turin , notably i kapellet av den heliga dråpet (1668–1694) av Guarino Guarini . Stilen började också användas i palats; Guarini designade Palazzo Carignano i Turin, medan Longhena designade Ca' Rezzonico på Canal Grande , (1657), avslutad av Giorgio Massari med dekorerad med målningar av Giovanni Battista Tiepolo . En serie massiva jordbävningar på Sicilien krävde att de flesta av dem återuppbyggdes och flera byggdes i sprudlande senbarock- eller rokokostil .

• 

  Santa Maria della Salute ( Venedig ), 1631–1687, av Baldassare Longhena

• 

  Fontana dei Quattro Fiumi (Rom), 1648–1651, av Gian Lorenzo Bernini

• 

  Petersplatsen (Rom), 1656–1667, av Gian Lorenzo Bernini

• 

  Santa Maria della Pace (Rom), 1656–1667, av Pietro da Cortona

Spansk barock

Den katolska kyrkan i Spanien, och särskilt jesuiterna , var drivkraften för spansk barockarkitektur. Det första stora verket i denna stil var San Isidro-kapellet i Madrid , påbörjat 1643 av Pedro de la Torre . Den kontrasterade en extrem rikedom av ornament på exteriören med enkelhet i interiören, uppdelad i flera utrymmen och med hjälp av ljuseffekter för att skapa en känsla av mystik. Katedralen i Santiago de Compostela moderniserades med en rad tillägg i barockstil som började i slutet av 1600-talet, som började med ett mycket utsmyckat klocktorn (1680), sedan flankerat av två ännu högre och mer utsmyckade torn, kallade Obradorio , tillagda mellan 1738 och 1750 av Fernando de Casas Novoa . Ett annat landmärke i den spanska barocken är kapelltornet i Palatset San Telmo i Sevilla av Leonardo de Figueroa .

Granada hade bara erövrats från morerna på 1400-talet och hade sin egen distinkta barockvariant. Målaren, skulptören och arkitekten Alonso Cano designade den barocka interiören av Granadas katedral mellan 1652 och hans död 1657. Den har dramatiska kontraster mellan de massiva vita kolonnerna och gulddekoren.

Den mest dekorativa och överdådigt dekorerade arkitekturen i den spanska barocken kallas Churrigueresque- stil, uppkallad efter bröderna Churriguera , som främst arbetade i Salamanca och Madrid. Deras verk inkluderar byggnaderna på stadens stora torg, Plaza Mayor i Salamanca (1729). Denna mycket dekorativa barockstil var inflytelserik i många kyrkor och katedraler som byggdes av spanjorerna i Amerika.

Andra anmärkningsvärda spanska barockarkitekter från den sena barocken inkluderar Pedro de Ribera , en elev till Churriguera, som designade Royal Hospice of San Fernando i Madrid, och Narciso Tomé , som designade den berömda altartavlan El Transparente vid katedralen i Toledo (1729–32) som ger illusionen, i visst ljus, av att sväva uppåt.

Den spanska barockens arkitekter hade en effekt långt utanför Spanien; deras arbete var mycket inflytelserik i de kyrkor som byggdes i de spanska kolonierna i Latinamerika och Filippinerna. Kyrkan som byggdes av jesuiterna för ett college i Tepotzotlán , med sin utsmyckade barockfasad och torn, är ett bra exempel.

• 

  Palacio de San Telmo , Sevilla , Spanien, 1682–1796, av Leonardo de Figueroa

• 

  Vestry of the Granada Charterhouse , Granada , Spanien, 1727–1764, av Narciso Tomé

• 

  Kungliga slottet i Madrid , Madrid , Spanien, 1735-1764, av Jean Bautista Sachetti

• 

  Fasad av katedralen i Santiago de Compostela , Spanien, 1738, av Fernando de Casas Novoa

Centraleuropa

Från 1680 till 1750 byggdes många mycket utsmyckade katedraler, kloster och pilgrimskyrkor i Centraleuropa, i Bayern, Österrike, Böhmen och sydvästra Polen. Vissa var i rokokostil , en distinkt, mer flamboyant och asymmetrisk stil som uppstod ur barocken och sedan ersatte den i Centraleuropa under första hälften av 1700-talet, tills den i sin tur ersattes av klassicismen.

Prinsarna från de många staterna i den regionen valde också barock eller rokoko för sina palats och residens, och använde ofta italienskt utbildade arkitekter för att konstruera dem. Bland de kända arkitekterna fanns Johann Fischer von Erlach, Lukas von Hildebrandt och Dominikus Zimmermann i Bayern, Balthasar Neumann i Bruhl och Matthäus Daniel Pöppelmann i Dresden. I Preussen inspirerades Fredrik II av Preussen av Stora Trianon i Versaillespalatset och använde det som förebild för sitt sommarresidens, Sanssouci , i Potsdam , designat för honom av Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff (1745–1747). Ett annat verk av barockpalatsarkitektur är Zwinger i Dresden , det tidigare orangeriet för hertigarna av Sachsens palats på 1700-talet.

Ett av de bästa exemplen på en rokokokyrka är Basilika Vierzehnheiligen, eller Basilica of the Fourteen Holy Helpers , en pilgrimskyrka som ligger nära staden Bad Staffelstein nära Bamberg, i Bayern , södra Tyskland. Basilikan designades av Balthasar Neumann och byggdes mellan 1743 och 1772, dess plan är en serie sammankopplade cirklar runt en central oval med altaret placerat i kyrkans exakta mitt. Interiören av denna kyrka illustrerar toppen av rokokodekoration. Ett annat anmärkningsvärt exempel på stilen är pilgrimskyrkan i Wies ( tyska : Wieskirche ). Den designades av bröderna JB och Dominikus Zimmermann . Det ligger vid foten av Alperna , i kommunen Steingaden i distriktet Weilheim-Schongau , Bayern , Tyskland . Byggandet skedde mellan 1745 och 1754, och interiören dekorerades med fresker och med stuckatur i traditionen från Wessobrunnerskolan . Det är nu en UNESCO: s världsarvslista .

Ett annat anmärkningsvärt exempel är St. Nicholas-kyrkan (Malá Strana) i Prag (1704–55), byggd av Christoph Dientzenhofer och hans son Kilian Ignaz Dientzenhofer . Dekoration täcker alla väggar i kyrkans inre. Altaret är placerat i långhuset under den centrala kupolen och omgivet av kapell kommer ljuset ner från kupolen ovanför och från de omgivande kapellen. Altaret är helt omgivet av valv, pelare, böjda balustrader och pilastrar av färgad sten, som är rikt dekorerade med statyer, vilket skapar en avsiktlig förvirring mellan den verkliga arkitekturen och dekorationen. Arkitekturen förvandlas till en teater av ljus, färg och rörelse.

I Polen pågick den italienskinspirerade polska barocken från tidigt 1600-tal till mitten av 1700-talet och betonade detaljrikedom och färg. Den första barockbyggnaden i dagens Polen och förmodligen en av de mest kända är kyrkan St. Peter och Paul i Kraków , designad av Giovanni Battista Trevano . Sigismunds kolonn i Warszawa , uppförd 1644, var världens första sekulära barockmonument byggt i form av en kolumn. Den palatsliknande residensstilen exemplifierades av Wilanów-palatset , byggt mellan 1677 och 1696. Den mest kända barockarkitekten som var aktiv i Polen var holländaren Tylman van Gameren och hans anmärkningsvärda verk inkluderar Warszawas St. Kazimierz-kyrka och Krasiński-palatset , St. Anne's i Kraków och Branicki-palatset i Bialystok . Men det mest berömda verket av polsk barock är Fara-kyrkan i Poznań , med detaljer av Pompeo Ferrari . Efter trettioåriga kriget under överenskommelserna om freden i Westfalen byggdes två unika barock- wattle och daub strukturer: Church of Peace i Jawor, Holy Trinity Church of Peace i Świdnica, det största barocktemplet i trä i Europa.

• 

  Poznań Fara , Poznań , Polen , 1651–1732, av Bartłomiej Nataniel Wąsowski, Giovanni Catenazzi, Pompeo Ferrari

• 

  Wilanów Palace , Warszawa , Polen , 1677-1679, okänd arkitekt

• 

  Plague Column , Wien , Österrike , 1682 och 1694, av Matthias Rauchmiller och Johann Bernhard Fischer von Erlach

• 

  Sankt Nikolaus kyrka , Prag , Tjeckien , 1703–1711, av Christoph Dientzenhofer

• 

  Upper Belvedere , Wien, 1717–1723, av Johann Lukas von Hildebrandt

• 

  Rogalin-palatset, Rogalin , Polen, 1768–1774

fransk barock

Barocken i Frankrike utvecklades helt annorlunda än de utsmyckade och dramatiska lokala versionerna av barock från Italien, Spanien och resten av Europa. Det verkar allvarligt, mer fristående och återhållsamt i jämförelse, föregriper nyklassicismen och upplysningens arkitektur . Till skillnad från italienska byggnader har franska barockbyggnader inga trasiga frontoner eller krökta fasader. Även religiösa byggnader undvek det intensiva rumsliga drama man finner i Borrominis verk . Stilen är nära förknippad med verken som byggdes för Ludvig XIV (regeringstid 1643–1715), och på grund av detta är den också känd som Ludvig XIV-stilen . Louis XIV bjöd in barockens mästare, Bernini, att lämna in en design för den nya flygeln av Louvren, men avvisade den till förmån för en mer klassisk design av Claude Perrault och Louis Le Vau .

Stilens främsta arkitekter inkluderade François Mansart (1598–1666), Pierre Le Muet (kyrkan av Val-de-Grace , 1645–1665) och Louis Le Vau ( Vaux-le-Vicomte , 1657–1661). Mansart var den första arkitekten som introducerade barockstil, huvudsakligen den frekventa användningen av en tillämpad ordning och tung rustikation , i den franska arkitektoniska vokabulären. Mansardtaket uppfanns inte av Mansart, men det har blivit förknippat med honom, eftersom han använde det ofta .

Periodens stora kungliga projekt var utbyggnaden av slottet i Versailles , som påbörjades 1661 av Le Vau med dekoration av målaren Charles Le Brun . Trädgårdarna designades av André Le Nôtre specifikt för att komplettera och förstärka arkitekturen. Galerie des Glaces (Mall of Mirrors), slottets mittpunkt, med målningar av Le Brun, byggdes mellan 1678 och 1686. Mansart färdigställde Grand Trianon 1687. Kapellet, designat av de Cotte, stod färdigt 1710. Efter Ludvig XIV:s död lade Ludvig XV till den mer intima Petit Trianon och den mycket utsmyckade teatern. Fontänerna i trädgårdarna var designade för att ses från interiören och för att öka den dramatiska effekten. Palatset beundrades och kopierades av andra monarker i Europa, särskilt Peter den store av Ryssland, som besökte Versailles tidigt under Ludvig XV:s regeringstid och byggde sin egen version på Peterhof-palatset nära Sankt Petersburg, mellan 1705 och 1725.

• 

  Château de Maisons (Frankrike), av François Mansart , 1630–1651

• 

  Östra fronten av Louvren (Paris), 1665–1680, av Claude Perrault och Louis Le Vau

• 

  Kapellet i slottet i Versailles ( Versailles , Frankrike), 1696–1710

• 

  Porte Saint-Denis (Paris), 1672, av François Blondel

• 

  Dôme des Invalides (Paris), 1677–1706, av Jules Hardouin-Mansart

• 

  Spegelsalen i slottet i Versailles, 1678-1684

• 

  Trädgårdsfasaden på slottet i Versailles, 1678–1688, av Jules Hardouin-Mansart

• 

  Marmordomstolen i slottet i Versailles, 1680

• 

  Place Vendôme (Paris), 1699–1706, av Jules Hardouin-Mansart

• 

  Hôtel de Rothelin-Charolais (Paris), 1700–1704, av Pierre Cailleteau

portugisisk barock

Barockarkitekturen i Portugal varade i ungefär två århundraden (slutet av sjuttonhundratalet och sjuttonhundratalet). Johannes V och Josef I : s regeringstid hade ökat importen av guld och diamanter, under en period som kallas kunglig absolutism, vilket gjorde att den portugisiska barocken kunde blomstra.

Barockarkitekturen i Portugal har en speciell situation och en annan tidslinje än resten av Europa.

Det är betingat av flera politiska, konstnärliga och ekonomiska faktorer, som har sitt ursprung i flera faser, och olika typer av yttre påverkan, vilket resulterar i en unik blandning, ofta missförstådd av de som letar efter italiensk konst, istället hittar specifika former och karaktär som ger den en unik portugisisk sort. En annan nyckelfaktor är förekomsten av den jesuitiska arkitekturen, även kallad "vanlig stil" (Estilo Chão eller Estilo Plano) som liksom namnet frammanar, är enklare och verkar något stram.

Byggnaderna är enrumsbasilikor, djupa huvudkapell, sidokapell (med små dörrar för kommunikation), utan invändig och exteriör dekoration, enkel portal och fönster. Det är en praktisk byggnad som gör att den kan byggas i hela imperiet med mindre justeringar och förberedas för att dekoreras senare eller när ekonomiska resurser finns tillgängliga.

Faktum är att den första portugisiska barocken inte saknar byggnad eftersom "enkel stil" är lätt att förvandla, med hjälp av dekoration (målning, kakel, etc.), förvandla tomma områden till pompösa, utarbetade barockscenarier. Samma sak kan tillämpas på exteriören. Därefter är det enkelt att anpassa byggnaden efter tid och plats samt lägga till nya funktioner och detaljer. Praktiskt och ekonomiskt.

Med fler invånare och bättre ekonomiska resurser bevittnade norr, särskilt områdena Porto och Braga , en arkitektonisk förnyelse, synlig i den stora listan över kyrkor, kloster och palats byggda av aristokratin.

Porto är barockstaden i Portugal. Dess historiska centrum är en del av Unescos världsarvslista .

Många av barockverken i det historiska området av staden och utanför, tillhör Nicolau Nasoni , en italiensk arkitekt som bor i Portugal, och ritar originalbyggnader med scenografiska placeringar som kyrkan och tornet i Clérigos , logia i Porto-katedralen , kyrkan av Misericórdia, Palace of São João Novo , Palace of Freixo , Episcopal Palace ( portugisiska : Paço Episcopal do Porto ) tillsammans med många andra.

• 

  Universitetsbiblioteket ( University of Coimbra , Coimbra , Portugal ), 1716-1728, av Gaspar Ferreira

• 

  Mafrapalatset ( Mafra , Portugal), 1717-1755, av João Frederico Ludovice

• 

  Azulejo i klostret i klostret São Vicente de Fora ( Lisboa , Portugal), med en scen baserad på ett tryck av Jean Le Pautre , 1730-1735, okänd arkitekt

• 

  Stora trappan till pilgrimskyrkan Bom Jesus do Monte ( Braga , Portugal), ca. 1784, av Carlos Luís Ferreira Amarante med flera

rysk barock

Debuten av rysk barock, eller Petrine Baroque , följde på ett långt besök av Peter den store i Västeuropa 1697–1698, där han besökte slotten i Fontainebleau och Versailles samt andra arkitektoniska monument. Han bestämde sig, när han återvände till Ryssland, att bygga liknande monument i St. Petersburg , som blev Rysslands nya huvudstad 1712. Tidiga stora monument i Petrine-barocken inkluderar Peter och Paul-katedralen och Menshikovpalatset .

Under kejsarinnan Annas och Elizaveta Petrovnas regeringstid dominerades den ryska arkitekturen av den italienskfödde Bartolomeo Rastrellis lyxiga barockstil , som utvecklades till elisabethansk barock . Rastrellis signaturbyggnader inkluderar Vinterpalatset , Katarinapalatset och Smolny - katedralen . Andra utmärkande monument från den elisabethanska barocken är klocktornet i Troitse-Sergiyeva Lavra och Röda porten .

I Moskva blev Naryshkin-barocken utbredd , särskilt i arkitekturen av östortodoxa kyrkor i slutet av 1600-talet. Det var en kombination av västeuropeisk barock med traditionella ryska folkstilar.

• 

  Peterhof Gardens ( Sankt Petersburg , Ryssland ), 1746–1758

• 

  Smolny-klostret (Sankt Petersburg), 1748, av Francesco Bartolomeo Rastrelli

• 

  Tsarskoje Selo ( Pushkin , Ryssland), 1749–1756, av Francesco Bartolomeo Rastrelli

Barock i det spanska och portugisiska koloniala Amerika

På grund av europeiska länders kolonisering av Amerika flyttade barocken naturligtvis till den nya världen och fann särskilt gynnsam mark i de regioner som dominerades av Spanien och Portugal, båda länderna var centraliserade och oåterkalleligt katolska monarkier, i förlängning underkastade Rom och anhängare av den mest typiska barockens kontrareformist . Europeiska konstnärer migrerade till Amerika och gjorde skola, och tillsammans med den utbredda penetrationen av katolska missionärer , av vilka många var skickliga konstnärer, skapade en mångformig barock ofta influerad av populär smak. Criollo och inhemska hantverkare gjorde mycket för att ge denna barock unika egenskaper . De viktigaste centra för amerikansk barockodling, som fortfarande finns kvar, är (i denna ordning) Mexiko , Peru , Brasilien , Ecuador , Kuba , Colombia , Bolivia , Guatemala , Panama och Puerto Rico .

Särskilt anmärkningsvärt är den så kallade "missionsbarocken", utvecklad inom ramen för de spanska minskningarna av områden som sträcker sig från Mexiko och sydvästra delar av nuvarande USA till så långt söderut som Argentina och Chile, inhemska bosättningar organiserade av spanska katoliker missionärer för att omvända dem till den kristna tron ​​och ackulturera dem i det västerländska livet, och bilda en hybridbarock influerad av den inhemska kulturen, där blomstrade Criollos och många inhemska hantverkare och musiker, även läskunniga, några med stor förmåga och egen talang. Missionärernas berättelser upprepar ofta att västerländsk konst, särskilt musik, hade en hypnotisk inverkan på skogsbrukare, och bilderna av helgon ansågs ha stora krafter. Många infödda konverterades, och en ny form av hängivenhet skapades, av passionerad intensitet, laddad med mystik, vidskepelse och teatralitet, som gläds åt högtidsmässor, heliga konserter och mysterier.

Den koloniala barockarkitekturen i det spanska Amerika kännetecknas av en riklig dekoration (portalen till La Profesa-kyrkan , Mexico City ; fasader täckta med azulejos i Puebla-stil , som i San Francisco Acatepec-kyrkan i San Andrés Cholula och Convent Church of San Francisco av Puebla ), vilket kommer att förvärras i den så kallade Churrigueresque-stilen (Fasaden av Tabernaklet i Mexico City Cathedral , av Lorenzo Rodríguez ; Church of San Francisco Javier , Tepotzotlán ; Church of Santa Prisca of Taxco ). I Peru har konstruktionerna mestadels utvecklats i städerna Lima , Cusco , Arequipa och Trujillo , sedan 1650 uppvisar ursprungliga egenskaper som är avancerade även till den europeiska barocken, som i användningen av vadderade väggar och solomoniska kolonner ( kyrkan la Compañía de Jesús , Cusco ; Basilica and Convent of San Francisco , Lima ). Andra länder inkluderar: Metropolitan Cathedral of Sucre i Bolivia ; Cathedral Basilica of Esquipulas i Guatemala ; Tegucigalpa katedral i Honduras ; Leóns katedral i Nicaragua ; kyrkan la Compañía de Jesús i Quito , Ecuador ; kyrkan San Ignacio i Bogotá , Colombia ; Caracas katedral i Venezuela ; Cabildo av Buenos Aires i Argentina ; kyrkan Santo Domingo i Santiago , Chile ; och Havannakatedralen på Kuba . Det är också värt att komma ihåg kvaliteten på kyrkorna i de spanska jesuitmissionerna i Bolivia , de spanska jesuitmissionerna i Paraguay , de spanska missionerna i Mexiko och de spanska franciskanermissionerna i Kalifornien .

I Brasilien , liksom i metropolen, Portugal , har arkitekturen ett visst italienskt inflytande , vanligtvis av borrominsk typ, vilket kan ses i Recife-katedralen (1784) och kyrkan Nossa Senhora da Glória do Outeiro i Rio de Janeiro (1739). I regionen Minas Gerais , framhävde arbetet av Aleijadinho , författare till en grupp kyrkor som sticker ut för sin böjda planimetri, fasader med konkav-konvexa dynamiska effekter och en plastisk behandling av alla arkitektoniska element ( Church of São Francisco de Assis i Ouro Preto , 1765–1788).

• 

  Basilica of San Francisco de Asís ( Havanna , Kuba ), 1548–1738

• 

  Church of San Francisco Acatepec ( San Andrés Cholula , Mexiko ), 1600-1700-talen

• 

  Kyrkan San Lorenzo de Carangas ( Potosí , Bolivia ), mitten av 1500-talet– ca. 1744

• 

  Santo Domingo-kyrkan ( Santiago , Chile ), 1747–1808

• 

  Kyrkan Santa Prisca de Taxco ( Taxco , Mexiko ), 1751–1758, av Diego Durán och Cayetano Sigüenza

Barock i det spanska och portugisiska koloniala Asien

I de portugisiska kolonierna i Indien ( Goa , Daman och Diu ) blomstrade en arkitektonisk stil av barockformer blandade med hinduiska element, såsom Goa-katedralen och basilikan Bom Jesus från Goa, som inrymmer St Francis Xaviers grav . Uppsättningen av kyrkor och kloster i Goa förklarades som världsarv 1986.

I Filippinerna , som var en spansk koloni i över tre århundraden, finns ett stort antal barockkonstruktioner bevarade. Fyra av dessa samt den barocka och nyklassicistiska staden Vigan är båda UNESCO:s världsarv ; och även om de saknar formell klassificering, innehåller The Walled City of Manila tillsammans med staden Tayabas båda en betydande omfattning av barockerans arkitektur.

• 

  São Paulo ( Macao , Kina ), 1601

• 

  São Paulo ( Diu , Indien ), 1601

• 

  San Agustín-kyrkan ( Manila , Filippinerna ), 1586-1606

• 

  Predikstol ( Bom Jesus basilika , Goa , Indien), 1700-tal

Målning

Barockmålare arbetade medvetet för att särskilja sig från renässansens målare och manerismperioden efter den. I sin palett använde de intensiva och varma färger och använde sig särskilt av primärfärgerna rött , blått och gult, vilket ofta placerade alla tre i närheten. De undvek den jämna ljussättningen av renässansmåleriet och använde starka kontraster av ljus och mörker på vissa delar av bilden för att rikta uppmärksamheten mot de centrala handlingarna eller figurerna. I sin komposition undvek de de lugna scenerna i renässansmålningar och valde ögonblicken med den största rörelsen och dramatiken. Till skillnad från de lugna ansiktena på renässansmålningar, uttryckte ansiktena i barockmålningar tydligt sina känslor. De använde ofta asymmetri, med action som inträffade bort från bildens mitt, och skapade axlar som varken var vertikala eller horisontella, utan lutade åt vänster eller höger, vilket gav en känsla av instabilitet och rörelse. De förstärkte detta intryck av rörelse genom att låta personernas kostymer blåses av vinden eller rörda av sina egna gester. Helhetsintrycken var rörelse, känsla och dramatik. Ett annat väsentligt inslag i barockmåleriet var allegori; varje målning berättade en historia och hade ett budskap, ofta krypterat i symboler och allegoriska tecken, som en utbildad betraktare förväntades känna till och läsa.

Tidiga bevis på italienska barockidéer i målning inträffade i Bologna, där Annibale Carracci , Agostino Carracci och Ludovico Carracci försökte återföra bildkonsten till renässansens ordnade klassicism. Deras konst innehöll emellertid också idéer som var centrala för motreformationen; dessa inkluderade intensiva känslor och religiösa bilder som vädjade mer till hjärtat än till intellektet.

En annan inflytelserik målare från barocktiden var Michelangelo Merisi da Caravaggio . Hans realistiska förhållningssätt till människofiguren, målad direkt från livet och dramatiskt spotlight mot en mörk bakgrund, chockade hans samtid och öppnade ett nytt kapitel i måleriets historia. Andra ha som huvudämnemålare som är nära förknippade med barockstilen inkluderar Artemisia Gentileschi , Elisabetta Sirani , Giovanna Garzoni , Guido Reni , Domenichino , Andrea Pozzo och Paolo de Matteis i Italien; Francisco de Zurbarán , Bartolomé Esteban Murillo och Diego Velázquez i Spanien; Adam Elsheimer i Tyskland; och Nicolas Poussin och Georges de La Tour i Frankrike (även om Poussin tillbringade större delen av sitt yrkesverksamma liv i Italien). Poussin och La Tour antog en "klassisk" barockstil med mindre fokus på känslor och större uppmärksamhet på figurernas linje i målningen än på färg.

Peter Paul Rubens var den viktigaste målaren i den flamländska barockstilen . Rubens mycket laddade kompositioner refererar till erdita aspekter av klassisk och kristen historia. Hans unika och omåttligt populära barockstil betonade rörelse, färg och sensualitet, som följde den omedelbara, dramatiska konstnärliga stilen som främjades under motreformationen . Rubens specialiserade sig på att göra altartavlor, porträtt, landskap och historiemålningar av mytologiska och allegoriska ämnen.

En viktig domän av barockmålning var Quadratura , eller målningar i trompe-l'œil , som bokstavligen "lurade ögat". Dessa målades vanligtvis på stuckatur av tak eller övre väggar och balustrader, och gav intrycket för dem på marken som tittade upp att de såg himlen befolkad med skaror av änglar, helgon och andra himmelska gestalter, ställda mot målade himlar och imaginär arkitektur.

I Italien samarbetade konstnärer ofta med arkitekter om inredning; Pietro da Cortona var en av 1600-talets målare som använde detta illusionistiska sätt att måla. Bland hans viktigaste uppdrag var fresker som han målade för familjen Barberinis palats (1633–39), för att förhärliga påven Urban VIII: s regeringstid . Pietro da Cortonas kompositioner var de största dekorativa fresker som utförts i Rom sedan Michelangelos verk i Sixtinska kapellet .

François Boucher var en viktig figur i den mer känsliga franska rokokostilen, som dök upp under senbarocken. Han designade gobelänger, mattor och teaterdekorationer samt målning. Hans verk var oerhört populärt bland Madame Pompadour , kung Ludvig XV: s älskarinna . Hans målningar presenterade mytologiska romantiska och milt erotiska teman.

• 

  Kristi uppståndelse ; av Annibale Carracci ; 1593; olja på duk; 217 x 160 cm; Louvren

• 

  Triumf av Bacchus och Adriane (del av The Loves of the Gods) ; av Annibale Carracci ; c. 1597–1600; fresk; längd (galleri): 20,2 m; Palazzo Farnese (Rom)

• 

  The Calling of St Matthew ; av Caravaggio ; c. 1602–1604; olja på duk; 3 x 2 m; San Luigi dei Francesi (Rom)

• 

  Självporträtt med Isabella Brant; av Peter Paul Rubens ; c. 1609-1610; olja på duk; 1,78 x 1,37 m; Alte Pinakothek ( München , Tyskland)

• 

  De fyra kontinenterna ; av Peter Paul Rubens ; c. 1615; olja på duk; 209 x 284 cm; Kunsthistorisches Museum (Wien, Österrike)

• 

  Sabinkvinnornas våldtäkt ; av Nicolas Poussin ; 1634–1635; olja på duk; 1,55 x 2,1 m; Metropolitan Museum of Art (New York City)

• 

  Nattvakten ; av Rembrandt ; 1642; olja på duk; 3,63 x 4,37 m; Rijksmuseum (Amsterdam, Nederländerna)

• 

  Drottningen av Saba ombordstigning ; av Claude Lorrain ; 1648; olja på duk; 149,1 × 196,7 cm; National Gallery (London)

• 

  Bacchus triumf ; av Michaelina Wautier ; före 1659; olja på duk; 270 x 354 cm; Konsthistoriska museet

• 

  Vanitas stilleben ; av Maria van Oosterwijck ; 1668; olja på duk; 73 x 88,5 cm; Konsthistoriska museet

Latinamerikanska Amerika

I det latinamerikanska Amerika kom de första influenserna från Sevillan Tenebrism , främst från Zurbarán - vars verk fortfarande finns bevarade i Mexiko och Peru - vilket kan ses i mexikanernas arbeten José Juárez och Sebastián López de Arteaga och bolivianen. Melchor Pérez de Holguín . Cuscos målarskola uppstod efter ankomsten av den italienske målaren Bernardo Bitti 1583, som introducerade manérism i Amerika. Den lyfte fram arbetet av Luis de Riaño , lärjunge till italienaren Angelino Medoro , författare till väggmålningarna i kyrkan San Pedro of Andahuaylillas . Den lyfte också fram de indiska ( Quechua ) målarna Diego Quispe Tito och Basilio Santa Cruz Pumacallao , såväl som Marcos Zapata , författare till de femtio stora dukarna som täcker de höga bågarna i katedralen i Cusco . I Ecuador bildades Quitoskolan, främst representerad av mestisen Miguel de Santiago och criollon Nicolás Javier de Goríbar .

På 1700-talet började skulpturala altartavlor att ersättas av målningar, vilket framför allt utvecklade barockmålningen i Amerika. På samma sätt växte efterfrågan på civila verk, främst porträtt av de aristokratiska klasserna och den kyrkliga hierarkin. Det huvudsakliga inflytandet var murillesk , och i vissa fall – som i criollo Cristóbal de Villalpando – Valdés Leals . Målningen från denna era har en mer sentimental ton, med söta och mjukare former. Den framhäver Gregorio Vásquez de Arce i Colombia och Juan Rodríguez Juárez och Miguel Cabrera i Mexiko .

Skulptur

Den dominerande figuren inom barockskulpturen var Gian Lorenzo Bernini . Under beskydd av påven Urban VIII gjorde han en anmärkningsvärd serie monumentala statyer av helgon och figurer vars ansikten och gester livfullt uttryckte deras känslor, såväl som porträttbyster av exceptionell realism och mycket dekorativa verk för Vatikanen, såsom den imponerande stolen av St. Peter under kupolen i St. Peters basilika . Dessutom designade han fontäner med monumentala grupper av skulpturer för att dekorera de stora torgen i Rom.

Barockskulpturen inspirerades av antika romerska statyer, särskilt av den berömda statyn av Laocoön från första århundradet CE , som grävdes fram 1506 och visades i Vatikanens galleri. När han besökte Paris 1665 talade Bernini till eleverna vid akademin för målning och skulptur. Han rådde eleverna att arbeta utifrån klassiska modeller, snarare än från naturen. Han sa till eleverna: "När jag hade problem med min första staty, rådfrågade jag Antinous som ett orakel." Den antinösa statyn är idag känd som Hermes av Museo Pio-Clementino .

Noterbara sena franska barockskulptörer inkluderar Étienne Maurice Falconet och Jean Baptiste Pigalle . Pigalle fick i uppdrag av Fredrik den Store att göra statyer till Fredriks egen version av Versailles vid Sanssouci i Potsdam , Tyskland. Falconet fick också ett viktigt utländskt uppdrag och skapade den berömda statyn av Peter den store på hästryggen som hittades i St. Petersburg .

I Spanien arbetade skulptören Francisco Salzillo uteslutande med religiösa teman, med hjälp av polykromt trä. Några av de finaste skulpturala barockhantverken hittades i de förgyllda stuckaturaltaren i kyrkor i de spanska kolonierna i den nya världen, gjorda av lokala hantverkare; exempel inkluderar rosenkranskapellet i kyrkan Santo Domingo i Oaxaca (Mexiko), 1724–1731.

• 

  Sankta Veronica ; av Francesco Mochi ; 1629–1639; Carrara marmor ; höjd: 5 m; Peterskyrkan ( Vatikanstaten )

• 

  Ecstasy of Saint Teresa ; av Gian Lorenzo Bernini ; 1647–1652; marmor; höjd: 3,5 m; Santa Maria della Vittoria (Rom)

• 

  Konungens berömmelse Rider Pegasus ; av Antoine Coysevox ; 1698-1702; Carrara marmor; höjd: 3,15 m; Louvren

• 

  Venus ger vapen till Aeneas ; av Jean Cornu ; 1704; terrakotta och målat trä; höjd: 108 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

• 

  Adonis död ; av Giuseppe Mazzuoli ; 1710-talet; marmor; höjd: 193 cm; Eremitagemuseet ( Sankt Petersburg , Ryssland )

möbel

De huvudsakliga motiven som används är: överflödshorn , festonger , babyänglar , lejonhuvuden som håller en metallring i munnen, kvinnliga ansikten omgivna av girlanger, ovala kartuscher , akantusblad , klassiska kolonner, karyatider , frontoner och andra delar av klassisk arkitektur skulpterade på vissa delar av möbler, korgar med frukt eller blommor, snäckor, rustningar och troféer, huvuden av Apollo eller Bacchus och C-formade voluter .

Under den första perioden av Ludvig XIV:s regering följde möbler Louis XIII:s tidigare stil och var massiva och rikligt dekorerade med skulptur och förgyllning. Efter 1680, till stor del tack vare möbeldesignern André Charles Boulle , uppträdde en mer originell och delikat stil, ibland känd som Boulle-verk . Den baserades på inlägg av ebenholts och andra sällsynta träslag, en teknik som först användes i Florens på 1400-talet, som förfinades och utvecklades av Boulle och andra som arbetade för Ludvig XIV. Möbler var inlagda med plattor av ebenholts, koppar och exotiska träslag i olika färger.

Nya och ofta hållbara typer av möbler dök upp; kommoden , med två till fyra lådor, ersatte den gamla kassan eller byrån . Kanapén , eller soffan, dök upp, i form av en kombination av två eller tre fåtöljer . Nya sorters fåtöljer dök upp, inklusive fauteuil en confessionale eller "Confessional fåtöljen", som hade vadderade kuddar joner på vardera sidan av stolsryggen. Konsolbordet gjorde också sitt första framträdande; den var designad för att placeras mot en vägg. En annan ny typ av möbel var table à gibier , ett bord med marmorskiva för att hålla disk. Tidiga sorter av skrivbordet dök upp; Mazarin -skrivbordet hade en central sektion tillbakadragen, placerad mellan två kolumner av lådor, med fyra fötter på varje kolumn.

• 

  Himmelssäng från Château d'Effiat; c. 1650; naturlig valnöt, mejslad Genoa sidensammet och broderade siden; 295 cm; Louvren

• 

  Pier bord; 1685–1690; snidat, gessoed och förgyllt trä, med marmorskiva; 83,6 × 128,6 × 71,6 cm; Art Institute of Chicago (USA)

• 

  Skåp; av André Charles Boulle ; c. 1700; ebenholts- och amarantfanering, polykroma träslag, mässing, tenn, skal och horn intarsia på en ram av ek, förgylld brons; 255,5 x 157,5 cm; Louvren

• 

  Kommod; av André Charles Boulle; c. 1710-1732; valnötsfanerad med ebenholts och intarsia av graverad mässing och sköldpaddsskal, fästen i förgylld brons, antik marmorskiva; 87,6 x 128,3 x 62,9 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

• 

  tysk lutande reception; av Heinrich Ludwig Rohde eller Ferdinand Plitzner ; c. 1715–1725; intarsia med lönn, amarant, mahogny och valnöt på gran och ek; 90 × 84 × 44,5 cm; Art Institute of Chicago

musik

Termen barock används också för att beteckna den musikstil som komponerats under en period som överlappar barockkonstens. De första användningarna av termen "barock" för musik var kritik. I en anonym, satirisk recension av premiären i oktober 1733 av Rameaus Hippolyte et Aricie , tryckt i Mercure de France i maj 1734, antydde kritikern att nyheten i denna opera var "du barock", och klagade över att musiken saknade sammanhängande melodi. , fylldes av oupphörliga dissonanser, bytte ständigt nyckel och mätare och sprang snabbt igenom varje kompositionsapparat. Jean-Jacques Rousseau , som var musiker och känd kompositör såväl som filosof, gjorde en mycket liknande observation 1768 i den berömda Encyclopédie of Denis Diderot : "Barockmusik är den där harmonin är förvirrad och laddad med moduleringar och dissonanser. . Sången är hård och onaturlig, intonationen svår och rörelsen begränsad. Det verkar som att termen kommer från ordet 'baroco' som används av logiker."

Vanligt bruk av termen för periodens musik började först 1919, av Curt Sachs , och det var inte förrän 1940 som det först användes på engelska i en artikel publicerad av Manfred Bukofzer .

Barocken var en period av musikaliskt experimenterande och nyskapande, vilket förklarar mängden ornament och improvisation som utfördes av musikerna. Nya former uppfanns, inklusive konserten och sinfonia . Opera föddes i Italien i slutet av 1500-talet (med Jacopo Peris mestadels förlorade Dafne , producerad i Florens 1598) och spreds snart genom resten av Europa: Ludvig XIV skapade den första kungliga musikakademin, 1669, poeten Pierre Perrin öppnade en operaakademi i Paris, den första operateatern i Frankrike som var öppen för allmänheten, och uruppförde Pomone , den första stora operan på franska, med musik av Robert Cambert , med fem akter, utarbetat scenmaskineri och en balett. Heinrich Schütz i Tyskland, Jean-Baptiste Lully i Frankrike och Henry Purcell i England hjälpte alla till att etablera sina nationella traditioner på 1600-talet.

Flera nya instrument, inklusive pianot , introducerades under denna period. Uppfinningen av pianot krediteras Bartolomeo Cristofori (1655–1731) från Padua , Italien, som var anställd av Ferdinando de' Medici, storprins av Toscana , som instrumentens väktare. Cristofori döpte instrumentet till un cimbalo di cipresso di piano e forte ("ett tangentbord av cypress med mjukt och högt"), förkortat med tiden som pianoforte , fortepiano , och senare, helt enkelt, piano.

Kompositörer och exempel

• Giovanni Gabrieli (ca 1554/1557–1612) Sonata pian' e forte (1597), In Ecclesiis (från Symphoniae sacrae bok 2, 1615)
• Giovanni Girolamo Kapsperger (ca 1580–1651) Libro primo di villanelle, 20 (1610)
• Claudio Monteverdi (1567–1643), L'Orfeo, favola in musica (1610)
• Heinrich Schütz (1585–1672), Musikalische Exequien (1629, 1647, 1650)
• Francesco Cavalli (1602–1676), L'Egisto (1643), Ercole amante (1662), Scipione affricano (1664)
  

  JS Bach (1685–1750)
• Jean-Baptiste Lully (1632–1687), Armide (1686)
• Marc-Antoine Charpentier (1643–1704), Te Deum (1688–1698)
• Heinrich Ignaz Franz Biber (1644–1704), Mysteriesonater (1681)
• John Blow (1649–1708), Venus och Adonis (1680–1687)
• Johann Pachelbel (1653–1706), kanon i D (1680)
• Arcangelo Corelli (1653–1713), 12 concerti grossi, Op. 6 (1714)
• Marin Marais (1656–1728), Sonnerie de Ste-Geneviève du Mont-de-Paris (1723)
• Henry Purcell (1659–1695), Dido och Aeneas (1688)
• Alessandro Scarlatti (1660–1725), L'honestà negli amori (1680), Il Pompeo (1683), Mitridate Eupatore (1707)
• François Couperin (1668–1733), Les barricades mystérieuses (1717)
• Tomaso Albinoni (1671–1751), Didone abbandonata (1724)
• Antonio Vivaldi (1678–1741), De fyra årstiderna (1725)
• Jan Dismas Zelenka (1679–1745), Il Serpente di Bronzo (1730), Missa Sanctissimae Trinitatis (1736)
• Georg Philipp Telemann (1681–1767), Der Tag des Gerichts (1762)
• Johann David Heinichen (1683–1729)
• Jean-Philippe Rameau (1683–1764), Dardanus (1739)
• George Frideric Handel (1685–1759), Vattenmusik (1717), Messias (1741)
• Domenico Scarlatti (1685–1757), Sonater för cembalo
• Johann Sebastian Bach (1685–1750), Toccata och fuga i d-moll (1703–1707), Brandenburger konserter (1721), Matteuspassion (1727)
• Nicola Porpora (1686–1768), Semiramide riconosciuta (1729)
• Giovanni Battista Pergolesi (1710–1736), Stabat Mater (1736)

Dansa

Den klassiska baletten har också sitt ursprung i barocktiden. Hovdansstilen fördes till Frankrike av Marie de Medici , och i början var hovets medlemmar själva dansarna. Ludvig XIV uppträdde själv offentligt i flera baletter. I mars 1662 grundades Académie Royale de Danse av kungen. Det var den första professionella dansskolan och kompaniet och satte standarden och vokabulären för balett i hela Europa under perioden.

Litteraturteori

Heinrich Wölfflin var den första som överförde termen barock till litteraturen. Barockens litteraturteoris nyckelbegrepp, såsom " inbilskhet " ( concetto ), " kvickhet " ( acutezza , ingegno ) och " undrar " ( meraviglia ), utvecklades inte fullt ut i litteraturteorin förrän Emanuele Tesauros publicerades Il Cannocchiale aristotelico (Det aristoteliska teleskopet) 1654. Denna framstående avhandling - inspirerad av Giambattista Marinos epos Adone och den spanska jesuitfilosofen Baltasar Graciáns verk - utvecklade en teori om metafor som ett universellt bildspråk och som en suverän handling i intellektuell , på en gång en konstgjordhet och ett epistemologiskt privilegierat sätt att få tillgång till sanningen.

Teater

Barocken var en guldålder för teater i Frankrike och Spanien; dramatiker inklusive Corneille , Racine och Molière i Frankrike; och Lope de Vega och Pedro Calderón de la Barca i Spanien.

Under barocken utvecklades teaterns konst och stil snabbt, parallellt med utvecklingen av opera och balett. Designen av nyare och större teatrar, uppfinningen användandet av mer utarbetat maskineri, den bredare användningen av prosceniumbågen, som ramade in scenen och gömde maskineriet från publiken, uppmuntrade till mer natursköna effekter och spektakel.

Barocken hade en katolsk och konservativ karaktär i Spanien, efter italiensk litterär förebild under renässansen. Den latinamerikanska barockteatern strävade efter ett offentligt innehåll med en idealisk verklighet som manifesterade grundläggande tre känslor: katolsk religion, monarkistisk och nationell stolthet och heder som härrörde från den riddarliga, riddarvärlden.

Två perioder är kända i den spanska barockteatern, med uppdelningen som inträffade 1630. Den första perioden representeras främst av Lope de Vega , men också av Tirso de Molina , Gaspar Aguilar , Guillén de Castro , Antonio Mira de Amescua , Luis Vélez de Guevara , Juan Ruiz de Alarcón , Diego Jiménez de Enciso , Luis Belmonte Bermúdez , Felipe Godínez , Luis Quiñones de Benavente eller Juan Pérez de Montalbán . Den andra perioden representeras av Pedro Calderón de la Barca och andra dramatikerna Antonio Hurtado de Mendoza , Álvaro Cubillo de Aragón , Jerónimo de Cáncer , Francisco de Rojas Zorrilla , Juan de Matos Fragoso , Antonio Coello y Ochoa , Agustín Moreto och Francisco Bances Candamo . Dessa klassificeringar är lösa eftersom varje författare hade sitt eget sätt och ibland kunde hålla sig till den formel som fastställts av Lope. Det kan till och med vara så att Lopes "sätt" var mer liberalt och strukturerat än Calderóns.

Lope de Vega introducerade genom sin Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609) den nya komedin . Han etablerade en ny dramatisk formel som bröt de tre Aristoteles -enheterna i den italienska poesiskolan (handling, tid och plats) och en fjärde enhet av Aristoteles som handlar om stil, blandning av tragiska och komiska element som visar olika typer av verser och strofer på det som representeras. Även om Lope har stor kunskap om plastisk konst, använde han den inte under större delen av sin karriär och inte heller inom teater eller scenografi. Lopes komedi gav en andra roll till de visuella aspekterna av den teatrala representationen.

Tirso de Molina, Lope de Vega och Calderón var de viktigaste pjäsförfattarna i Gyllene Eran Spanien. Deras verk, kända för sin subtila intelligens och djupa förståelse av en persons mänsklighet, kunde betraktas som en bro mellan Lopes primitiva komedi och den mer utarbetade komedin Calderón. Tirso de Molina är mest känd för två verk, De dömda misstankarna och Trickaren från Sevilla , en av de första versionerna av Don Juan- myten.

Vid sin ankomst till Madrid förde Cosimo Lotti till det spanska hovet de mest avancerade teaterteknikerna i Europa. Hans tekniker och mekanikkunskaper tillämpades i palatsutställningar kallade "Fiestas" och i påkostade utställningar av floder eller konstgjorda fontäner kallade "Naumaquias". Han var ansvarig för utformningen av trädgårdarna i Buen Retiro , Zarzuela och Aranjuez och uppförandet av teaterbyggnaden Coliseo del Buen Retiro . Lopes formler börjar med en vers som inte passar palatsteaterns grund och födelsen av nya koncept som inledde karriärerna för vissa pjäsförfattare som Calderón de la Barca. Calderóns stil markerade de viktigaste innovationerna i den nya lopesiska komedin och markerade många skillnader, med en stor del av konstruktiv omsorg och uppmärksamhet på hans inre struktur. Calderóns verk är i formell perfektion och ett mycket lyriskt och symboliskt språk. Lopes frihet, vitalitet och öppenhet gav ett steg till Calderóns intellektuella reflektion och formella precision. I hans komedi återspeglade det hans ideologiska och doktrinära avsikter ovanför passionen och handlingen, verk av Autos sacramentales uppnådde höga rang. Genren Comedia är politisk, multikonstnärlig och på sätt och vis hybrid. Den poetiska texten sammanvävd med media och resurser som härrör från arkitektur, musik och måleri som frigör det bedrägeri som finns i den lopesiska komedin skapades av bristen på kulisser och engagerar handlingsdialogen.

Den mest kända tyska dramatikern var Andreas Gryphius som använde sig av holländarna Joost van den Vondel och Pierre Corneilles jesuitmodell . Det fanns också Johannes Velten som kombinerade de engelska komikernas traditioner och commedia dell'arte med den klassiska teatern Corneille och Molière . Hans turnésällskap var kanske 1600-talets mest betydande och viktigaste.

Den främste italienska barocktragedian var Federico Della Valle . Hans litterära verksamhet sammanfattas av de fyra pjäser som han skrev för den höviska teatern: tragikomedin Adelonda di Frigia (1595) och särskilt hans tre tragedier, Judith (1627), Esther (1627) och La reina di Scotia (1628). Della Valle hade många imitatorer och anhängare som i sina verk kombinerade barocksmak och jesuiternas didaktiska mål ( Pallavicino , Graziani , etc. )

Spanska koloniala Amerika

Efter utvecklingen från Spanien, i slutet av 1500-talet, började komikerkompanierna, i huvudsak transhumanta, att professionaliseras. Med professionaliseringen följde reglering och censur: liksom i Europa pendlade teatern mellan tolerans och till och med statligt skydd och förkastande (med undantag) eller förföljelse av kyrkan. Teatern var användbar för myndigheterna som ett instrument för att sprida önskat beteende och modeller, respekt för samhällsordningen och monarkin, skola för religiösa dogmer.

Korralerna administrerades till förmån för sjukhus som delade fördelarna med representationerna . De kringresande företagen (eller "av ligan "), som bar teatern i improviserade utomhusscener av regioner som inte hade fast lokalbefolkning, krävde en viceregal licens för att arbeta, vars pris eller pinción var avsett för allmosor och fromma verk . För företag som arbetade stabilt i huvudstäderna och större städer var en av deras huvudsakliga inkomstkällor deltagande i festligheterna för Corpus Christi, vilket gav dem inte bara ekonomiska fördelar utan också erkännande och social prestige. Representationerna i viceregalpalatset och aristokratins herrgårdar, där de representerade både komedier av deras repertoar och specialproduktioner med stora ljuseffekter, kulisser och scen, var också en viktig källa till välbetalt och prestigefyllt arbete.

Född i Vicekungadömet Nya Spanien men bosatte sig senare i Spanien, Juan Ruiz de Alarcón är den mest framstående figuren i barockteatern i Nya Spanien. Trots hans anpassning till Lope de Vegas nya komedi, har hans "markerade sekularism", hans diskretion och återhållsamhet och en stark förmåga till "psykologisk penetration" som särdrag hos Alarcón mot hans spanska samtida noterats. Anmärkningsvärt bland hans verk La verdad sospechosa , en komedi av karaktärer som återspeglade hans ständiga moraliserande syfte. Den dramatiska produktionen av Sor Juana Inés de la Cruz placerar henne som andragestalten av den spansk-amerikanska barockteatern. Det är värt att nämna bland hennes verk den autosakramentala El divino Narciso och komedin Los empeños de una casa .

Trädgårdar

Barockträdgården , även känd som jardin à la française eller den franska formella trädgården , dök upp först i Rom på 1500-talet, och sedan mest känd i Frankrike på 1600-talet i trädgårdarna i Vaux le Vicomte och slottet i Versailles . Barockträdgårdar byggdes av kungar och prinsar i Tyskland, Nederländerna, Österrike, Spanien, Polen, Italien och Ryssland fram till mitten av 1700-talet, då de började göras om till av den mer naturliga engelska landskapsträdgården .

Syftet med barockträdgården var att illustrera människans makt över naturen, och dess byggherres glans, barockträdgårdar anlades i geometriska mönster, som rummen i ett hus. De sågs vanligtvis bäst utifrån och tittar ner, antingen från ett slott eller en terrass. Beståndsdelarna i en barockträdgård inkluderade parterrer av rabatter eller låga häckar klippta till utsmyckade barockmönster, och raka gränder och gränder som delade och korsade trädgården. Terrasser, ramper, trappor och kaskader placerades där det fanns höjdskillnader och gav utsiktsplatser. Cirkulära eller rektangulära dammar eller bassänger med vatten var miljön för fontäner och statyer. Bosquets eller noggrant trimmade lundar eller linjer av identiska träd, gav utseendet på väggar av grönska och var bakgrunder för statyer. På kanterna hade trädgårdarna oftast paviljonger, orangerier och andra strukturer där besökare kunde ta skydd från sol eller regn.

Barockträdgårdar krävde ett enormt antal trädgårdsmästare, ständig trimning och rikligt med vatten. Under den senare delen av barocken började de formella elementen ersättas med mer naturliga drag, inklusive slingrande stigar, dungar av varierande träd som lämnades att växa oklippta; rustik arkitektur och pittoreska strukturer, som romerska tempel eller kinesiska pagoder, samt "hemliga trädgårdar" i kanterna av huvudträdgården, fyllda med grönska, där besökarna kunde läsa eller ha tysta samtal. Vid mitten av 1700-talet förvandlades de flesta av barockträdgårdarna helt eller delvis till varianter av den engelska landskapsträdgården .

Förutom Versailles och Vaux-le-Vicomte, berömda barockträdgårdar som fortfarande behåller mycket av sitt ursprungliga utseende inkluderar det kungliga palatset i Caserta nära Neapel; Slottet Nymphenburg och Slotten Augustusburg och Falkenlust, Brühl i Tyskland; Het Loo Palace , Nederländerna; Belvederepalatset i Wien ; _ Kungliga slottet i La Granja de San Ildefonso, Spanien; och Peterhof-palatset i St. Petersburg, Ryssland.

• 

  Trädgårdarna i Vaux-le-Vicomte (Frankrike), 1657-1661, av André Le Nôtre

• 

  Trädgårdarna i Versailles , påbörjad 1661, av André Le Nôtre

• 

  Het Loo-palatsets trädgårdar , Nederländerna, 1689

• 

  Tessinpalatsets trädgård (Stockholm, Sverige), 1692-1700, av Nikodemus Tessin den yngre

Skillnader mellan rokoko och barock

Följande är egenskaper som rokoko har och barock inte har:

• Det partiella övergivandet av symmetri, allt består av graciösa linjer och kurvor, liknande jugendstilen
• Den enorma mängden asymmetriska kurvor och C-formade voluter
• Den mycket omfattande användningen av blommor i ornament, ett exempel är festonger gjorda av blommor
• Kinesiska och japanska motiv
• Varma pastellfärger (vitgul, krämfärgad, pärlgrå, mycket ljusblå)

Slut på stilen, fördömande och akademisk återupptäckt

Madame de Pompadour, Ludvig XV:s älskarinna, bidrog till barock- och rokokostilens nedgång. År 1750 skickade hon sin brorson, Abel-François Poisson de Vandières , på ett tvåårigt uppdrag för att studera konstnärlig och arkeologisk utveckling i Italien. Han åtföljdes av flera konstnärer, inklusive gravören Nicolas Cochin och arkitekten Soufflot . De återvände till Paris med en passion för klassisk konst. Vandiéres blev markisen av Marigny och utnämndes till kunglig byggnadsdirektör 1754. Han vände den officiella franska arkitekturen mot nyklassiciteten. Cochin blev en viktig konstkritiker; han fördömde Bouchers petit stil och efterlyste en storslagen stil med en ny betoning på antiken och adeln i akademierna för arkitekturmålning.

Den tyska pionjären konsthistorikern och arkeologen Johann Joachim Winckelmann fördömde också barockstilen och hyllade den klassiska konstens och arkitekturens överlägsna värden. På 1800-talet var barocken ett mål för förlöjligande och kritik. Den neoklassiska kritikern Francesco Milizia skrev: "Borrominini i arkitekturen, Bernini i skulpturen, Pietro da Cortona i måleriet...är en pest på den goda smaken, som infekterade ett stort antal konstnärer." På 1800-talet gick kritiken ännu längre; den brittiske kritikern John Ruskin förklarade att barockskulpturen inte bara var dålig utan också moraliskt korrupt.

Den schweiziskfödde konsthistorikern Heinrich Wölfflin (1864–1945) startade rehabiliteringen av ordet barock i sin Renaissance und Barock (1888); Wölfflin identifierade barocken som "rörelse importerad till massa", en konst som motsvarade renässanskonst. Han gjorde inte de skillnader mellan mannerism och barock som moderna författare gör, och han ignorerade den senare fasen, den akademiska barocken som varade in på 1700-talet. Barockkonst och arkitektur blev på modet under mellankrigstiden och har i stort sett varit i kritisk favör. Termen "barock" kan fortfarande användas, vanligtvis nedsättande, för att beskriva konstverk, hantverk eller design som tros ha överdriven utsmyckning eller komplexitet i linje.

Se även

Anteckningar

Källor

Vidare läsning

externa länkar

• Barock- och rokokostulturen
• Webmuseum Paris
• barocke i Val di Noto – Sizilien
• Barock i "History of Art"
• Barockstilen och Luis XIV inflytande
• Melvyn Braggs BBC Radio 4-program In Our Time : The Baroque
• "Barockstilsguide" . Brittiska gallerier. Victoria and Albert Museum . Arkiverad från originalet den 19 augusti 2007 . Hämtad 16 juli 2007 .