Balett -Ballet

Klassisk klocktutus i The Ballet Class av Degas , 1874

Balett ( franska :  [balɛ] ) är en typ av performancedans som uppstod under den italienska renässansen på 1400-talet och som senare utvecklades till en konsertdansform i Frankrike och Ryssland. Det har sedan dess blivit en utbredd och mycket teknisk dansform med ett eget ordförråd . Balett har varit inflytelserik globalt och har definierat de grundläggande teknikerna som används i många andra dansgenrer och kulturer. Olika skolor runt om i världen har införlivat sina egna kulturer. Som ett resultat har balett utvecklats på olika sätt.

En balett som ett enhetligt verk omfattar koreografin och musiken till en balettproduktion. Baletter koreograferas och framförs av utbildade balettdansare . Traditionella klassiska baletter framförs vanligtvis med ackompanjemang av klassisk musik och använder utarbetade kostymer och iscensättning, medan moderna baletter ofta framförs i enkla kostymer och utan utarbetade uppsättningar eller kulisser.

Etymologi

Balett är ett franskt ord som har sitt ursprung i italienska balletto , en diminutiv av ballo (dans) som kommer från latinet ballo , ballare , som betyder "att dansa", som i sin tur kommer från grekiskan " βαλλίζω" ( ballizo ), "att dansa, att hoppa omkring". Ordet kom till engelsk användning från franskan omkring 1630.

Historia

Ludvig XIV som Apollo i Ballet Royal de la Nuit (1653)

Balett har sitt ursprung i de italienska renässansdomstolarna på 1400- och 1500-talen. Under Catherine de' Medicis inflytande som drottning spreds det till Frankrike, där det utvecklades ytterligare. Dansarna i dessa tidiga hovbaletter var mestadels ädla amatörer. Utsmyckade kostymer var tänkta att imponera på tittarna, men de begränsade artisternas rörelsefrihet.

Baletterna framfördes i stora kammare med åskådare på tre sidor. Implementeringen av prosceniumbågen från 1618 på distanserade artister från publiken, som då bättre kunde se och uppskatta de professionella dansarnas tekniska bedrifter i produktionerna.

Fransk hovbalett nådde sin höjdpunkt under kung Ludvig XIV:s regering . Louis grundade Académie Royale de Danse (Royal Dance Academy) 1661 för att upprätta standarder och certifiera dansinstruktörer. År 1672 gjorde Ludvig XIV Jean-Baptiste Lully till direktör för Académie Royale de Musique ( Operan i Paris ), från vilken det första professionella balettkompaniet , Paris Opera Ballet , uppstod. Pierre Beauchamp fungerade som Lullys balettmästare . Tillsammans skulle deras partnerskap drastiskt påverka balettutvecklingen, vilket framgår av den beröm de fått för skapandet av de fem stora fotställningarna. År 1681 intog de första "ballerinorna" scenen efter år av träning på Académie.

Balett började minska i Frankrike efter 1830, men den fortsatte att utvecklas i Danmark, Italien och Ryssland. Ankomsten till Europa av Ballets Russes ledd av Sergei Diaghilev på tröskeln till första världskriget återupplivade intresset för baletten och startade den moderna eran.

Under 1900-talet hade balett ett brett inflytande på andra dansgenrer. Även under 1900-talet tog balett en vändning som delade den från klassisk balett till introduktionen av modern dans, vilket ledde till modernistiska rörelser i flera länder.

Kända dansare från det tjugonde århundradet inkluderar Anna Pavlova , Galina Ulanova , Rudolf Nureyev , Maya Plisetskaya , Margot Fonteyn , Rosella Hightower , Maria Tall Chief , Erik Bruhn , Mikhail Baryshnikov , Suzanne Farrell , Gelsey Kirkitcharova , Natalia M. Makitchellova , Natalia M. . Jeanne Devereaux uppträdde som primaballerina i tre decennier och satte världsrekord genom att kunna utföra 16 trippelfouetter.

Stilar

Marie Sallé , klassisk balettdansös

Stilistiska variationer och subgenrer har utvecklats över tiden. Tidiga, klassiska variationer är främst förknippade med geografiskt ursprung. Exempel på detta är rysk balett , fransk balett och italiensk balett . Senare varianter, såsom samtida balett och neoklassisk balett, innehåller både klassisk balett och icke-traditionell teknik och rörelse. Den kanske mest kända och framförda balettstilen är senromantisk balett (eller Ballet blanc ) .

Klassisk balett

Valse des cygnes från akt II av Ivanov/Petipa-utgåvan av Svansjön

Klassisk balett bygger på traditionell balettteknik och vokabulär . Olika stilar har dykt upp i olika länder, såsom fransk balett , italiensk balett , engelsk balett och rysk balett . Flera av de klassiska balettstilarna är förknippade med specifika träningsmetoder, vanligtvis uppkallade efter deras skapare (se nedan). Royal Academy of Dance-metoden är en balettteknik och träningssystem som grundades av en mångsidig grupp balettdansare. De slog ihop sina respektive dansmetoder (italienska, franska, danska och ryska) för att skapa en ny balettstil som är unik för organisationen och internationellt erkänd som den engelska balettstilen. Några exempel på klassiska balettuppsättningar är: Svansjön , Törnrosan och Nötknäpparen .

Romantisk balett

Carlotta Grisi , den ursprungliga Giselle , 1841, klädd i den romantiska tutu

Romantisk balett var en konstnärlig rörelse inom klassisk balett och flera produktioner finns kvar i den klassiska repertoaren idag. Den romantiska eran präglades av framväxten av pointe- arbete, kvinnliga dansares dominans och längre, flytande tutus som försöker exemplifiera mjukhet och en delikat aura. Denna rörelse inträffade under tidigt till mitten av artonhundratalet (den romantiska eran ) och presenterade teman som betonade intensiva känslor som en källa till estetisk upplevelse. Handlingarna i många romantiska baletter kretsade kring andekvinnor (sylfer, wilis och spöken) som förslavade dödliga mäns hjärtan och sinnen. Baletten La Sylphide från 1827 anses allmänt vara den första, och baletten Coppélia från 1870 anses vara den sista. Kända balettdansare från den romantiska eran inkluderar Marie Taglioni , Fanny Elssler och Jules Perrot . Jules Perrot är också känd för sin koreografi, särskilt den av Giselle , som ofta anses vara den mest hyllade romantiska balett.

Nyklassisk balett

Alexandra Danilova och Serge Lifar , Apollon Musagète , 1928

Neoklassisk balett är vanligtvis abstrakt, utan tydlig handling, kostymer eller kulisser. Musikval kan vara olika och kommer ofta att innehålla musik som också är nyklassisk (t.ex. Stravinsky , Roussel ). Tim Scholl, författare till From Petipa to Balanchine , anser att George Balanchines Apollo 1928 var den första neoklassiska baletten. Apollo representerade en återgång till formen som svar på Sergej Diaghilevs abstrakta baletter. Balanchine arbetade med modern danskoreograf Martha Graham och tog med sig moderna dansare i sitt sällskap som Paul Taylor , som 1959 uppträdde i Balanchines episoder .

Medan Balanchine allmänt anses vara ansiktet utåt för den neoklassiska balett, fanns det andra som gjorde betydande bidrag. Frederick Ashtons Symphonic Variations (1946) är ett framstående verk för koreografen. Inställd på César Francks partitur med samma titel, är det en ren danstolkning av partituren.

En annan form, Modern Ballet , uppstod också som en utlöpare av nyklassicismen. Bland innovatörerna i denna form fanns Glen Tetley , Robert Joffrey och Gerald Arpino . Även om det var svårt att tolka modern balett från nyklassicismen, gynnade dessa koreografers arbete en större atleticism som avvek från balettens delikatess. Fysiken var mer vågad, med humör, ämne och musik mer intensiv. Ett exempel på detta skulle vara Joffreys Astarte (1967), som innehöll en rockmusik och sexuella övertoner i koreografin.

Samtida balett

Ett baletthopp utfört med modern, icke-klassisk form i en samtida balett

Denna balettstil utförs ofta barfota. Samtida baletter kan inkludera mime och skådespeleri , och är vanligtvis tonsatta (vanligtvis orkestrala men ibland sång). Det kan vara svårt att skilja denna form från neoklassisk eller modern balett. Samtida balett ligger också nära nutida dans eftersom många samtida balettkoncept kommer från idéerna och innovationerna från 1900-talets moderna dans, inklusive golvarbete och insvängning av benen. Den huvudsakliga skillnaden är att balettteknik är avgörande för att utföra en samtida balett.

George Balanchine anses ha varit en pionjär inom samtida balett. En annan tidig samtida balettkoreograf, Twyla Tharp , koreograferade Push Comes To Shove för American Ballet Theatre 1976 och skapade 1986 In The Upper Room för sitt eget kompani. Båda dessa stycken ansågs innovativa för deras sammansmältning av distinkt moderna rörelser med användning av spetsskor och klassiskt tränade dansare.

Idag finns det många samtida balettkompanier och koreografer. Dessa inkluderar Alonzo King och hans kompani LINES Ballet ; Matthew Bourne och hans företag New Adventures ; Complexions samtida balett ; Nacho Duato och hans Compañia Nacional de Danza ; William Forsythe och The Forsythe Company ; och Jiří Kylián från Nederlands Dans Theater . Traditionellt "klassiska" kompanier, som Mariinsky (Kirov)-baletten och Parisoperabaletten, framför också regelbundet samtida verk.

Termen balett har utvecklats till att omfatta alla former förknippade med den. Någon som utbildar sig till balettdansare kommer nu att förväntas utföra neoklassiska, moderna och samtida verk. En balettdansös förväntas kunna vara ståtlig och kunglig för klassiskt arbete, fri och lyrisk i neoklassiskt arbete, och anspråkslös, hård eller fotgängare för modernt och samtida arbete. Dessutom finns det flera moderna varianter av dans som smälter samman klassisk balettteknik med samtida dans, som Hiplet , som kräver att dansare tränas i icke-västerländska dansstilar.

Tekniska metoder för balettundervisning

Det finns sex allmänt använda, internationellt erkända metoder för att undervisa eller studera balett. Dessa metoder är den franska skolan , Vaganova-metoden , Cecchetti-metoden , Bournonville-metoden , Royal Academy of Dance-metoden (engelsk stil) och Balanchine-metoden (amerikansk stil). Många fler teknikskolor finns i olika länder.

Även om barn i förskoleåldern är en lukrativ inkomstkälla för en balettstudio, är balettundervisning i allmänhet inte lämplig för små barn. Den första instruktionen kräver att man står stilla och koncentrerar sig på hållningen, snarare än att dansa. På grund av detta har många balettprogram historiskt sett inte accepterat studenter förrän vid ungefär 8 års ålder. Kreativ rörelse och icke-krävande pre-balettklasser rekommenderas som alternativ för barn.

Fransk metod

Blomsterfestival 01.jpg

Den franska metoden är grunden för all balettträning. När Ludvig XIV skapade Académie Royale de Danse 1661, hjälpte han till att skapa den kodifierade tekniken som fortfarande används idag av de som arbetar inom yrket, oavsett vilken träningsmetod de ansluter sig till. Den franska skolan återupplivades särskilt under Rudolf Nureyev på 1980-talet. Hans inflytande återupplivade och förnyade uppskattningen för denna stil och har drastiskt format balett som helhet. Faktum är att den franska skolan nu ibland kallas för Nureyev-skolan. Den franska metoden kännetecknas ofta av teknisk precision, smidighet och gracialitet och eleganta, rena linjer. För denna stil används ofta snabbt fotarbete för att ge intrycket av att artisterna glider lätt över scenen. Två viktiga kännetecken för denna teknik är det specifika sättet på vilket port de bras och épaulement utförs, mer rundade än när man dansar i rysk stil, men inte lika rundad som den danska stilen.

Vaganova-metoden

Agrippina Vaganova, "Esmeralda" 1910

Vaganovametoden är en balettträningsstil som uppstod ur rysk balett , skapad av Agrippina Vaganova . Efter att ha gått i pension från dansen 1916 övergick Vaganova till undervisning vid Leningrads koreografiska skola 1921. Hennes träningsmetod är nu internationellt erkänd och hennes bok, The Fundamentals of Classical Dance (1934), är en klassisk referens. Denna metod kännetecknas av sammansmältningen av den klassiska franska stilen, särskilt element från den romantiska eran, med den italienska metodens atleticism och den ryska balettens själfulla passion. Hon utvecklade en extremt exakt instruktionsmetod i sin bok Basic Principles of Russian Classical dance (1948). Detta inkluderar att beskriva när man ska lära ut tekniska komponenter för elever i deras balettkarriär, hur länge man ska fokusera på det och rätt mängd fokus i varje skede av studentens karriär. Dessa läroböcker fortsätter att vara extremt viktiga för balettundervisningen idag.

Metoden betonar utveckling av styrka, flexibilitet och uthållighet för korrekt prestation av balett. Hon förespråkade tron ​​att lika stor vikt bör läggas på armar och ben när man spelar balett, eftersom detta kommer att ge harmoni och större uttryck för kroppen som helhet.

Cecchetti-metoden

Enrico Cecchetti med Anna Pavlova

Denna metod , som utvecklats av Enrico Cecchetti (1850-1928), är en internationellt känd metod för sin intensiva tillit till förståelsen av anatomi när den relaterar till klassisk balett. Målet med denna metod är att ingjuta viktiga egenskaper för att utföra balett i eleverna så att de inte behöver förlita sig på imitationer av lärare. Viktiga komponenter för denna metod är betoningen av balans, höjder, ballong , balans och styrka.

Denna metod förespråkar vikten av att inse att alla delar av kroppen rör sig tillsammans för att skapa vackra, graciösa linjer, och som sådan varnar man för att tänka på balett i termer av armar, ben och nacke och bål som separata delar. Denna metod är välkänd för åtta port de bras som används.

Bournonville-metoden

August Bournonville

Bournonvillemetoden är en dansk metod som först utarbetades av August Bournonville . Bournonville var starkt influerad av den tidiga franska balettmetoden på grund av sin träning med sin far, Antoine Bournonville och andra viktiga franska balettmästare. Denna metod har många stilskillnader som skiljer den från andra balettmetoder som lärs ut idag. En nyckelkomponent är användningen av diagonala épaulement, där överkroppen vanligtvis vänder sig mot arbetsfoten. Denna metod inkluderar också mycket grundläggande användning av armar, piruetter från en låg développé-position till seconde, och användning av femte positionsbehåar en bas för början och slutet av rörelser.

Bournonville-metoden producerar dansare som har en vacker ballong ("illusionen om obegriplig lätthet").

Royal Academy of Dance-metoden (RAD)

Unga flickor tävlar vid Royal Academy of Dancing (London) examen som hölls i Brisbane och Toowoomba, 1938

Royal Academy of Dance-metoden , även kallad den engelska balettstilen, etablerades 1920 av Genee, Karsavina, Bedells, E Espinosa och Richardson. Målet med denna metod är att främja akademisk träning i klassisk balett i hela Storbritannien. Denna stil spred sig också till USA och används i stor utsträckning än idag. Det finns specifika årskurser som en elev måste gå igenom för att slutföra utbildning i denna metod. Huvudprincipen bakom denna instruktionsmetod är att grundläggande balettteknik måste läras ut i ett långsamt tempo, med svårighetsprogression ofta mycket långsammare än resten av metoderna. Tanken bakom detta är att om en elev ska lägga ner en stor mängd ansträngning på att fullända de grundläggande stegen, så tillåter tekniken som lärs i dessa steg en elev att använda hårdare i en mycket lättare takt.

Balanchine metod

Suzanne Farrell och George Balanchine dansar i ett avsnitt av "Don Quixote" på New York State Theatre

Utvecklad av George Balanchine vid New York City Ballet . Hans metod bygger mycket på hans egen utbildning som dansare i Ryssland. Tekniken är känd för extrem hastighet genom rutiner, betoning på linjer och djupa pliéer. En av de mest kända skillnaderna i denna stil är kanske kroppens oortodoxa positionering. Dansare i denna stil har ofta böjda händer och jämna fötter och är placerade i obalanserade positioner. Viktiga balettstudior som lär ut denna metod är Miami City Ballet , Ballet Chicago Studio company och School of American Ballet i New York.

Kostymer

Prima Ballerina, Anna Pavlova
Anna Pavlova (prima ballerina); Tidiga material för balettdräkter var tunga, vilket hindrade dansarens rörelser

Balettdräkter spelar en viktig roll i balettgemenskapen. De är ofta den enda överlevnaden av en produktion, och representerar en levande imaginär bild av scenen.

Renässans och barock

Balettens rötter går tillbaka till renässansen i Frankrike och Italien när hovkläder var början på balettdräkter. Balettdräkter har funnits sedan tidigt 1400-tal. Bomull och siden blandades med lin, vävdes till halvtransparent gasväv för att skapa utsökta balettdräkter.

Sextonhundratalet

Under 1600-talet användes olika typer av tyger och mönster för att göra kostymer mer spektakulära och iögonfallande. Hofklädsel fanns fortfarande kvar för kvinnor under detta århundrade. Siden, satänger och tyger broderade med äkta guld och ädelstenar ökade nivån av spektakulär dekoration i samband med balettdräkter. Damkostymer bestod också av tunga plagg och knälånga kjolar vilket gjorde det svårt för dem att skapa mycket rörelse och gester.

1700-talet

Under 1700-talet var scendräkter fortfarande mycket lika hovkläder men utvecklades med tiden, mest på grund av den franske dansaren och balettmästaren Jean-Georges Noverre (1727–1810) vars förslag om att modernisera balett finns i hans revolutionära Lettres sur la danse et les ballets (1760). Noverres bok ändrade tyngdpunkten i en produktion bort från kostymerna till dansarnas fysiska rörelser och känslor.

Europeisk balett var centrerad i Parisoperan . Under denna era höjdes kjolar några centimeter från marken. Blommor, volanger, band och spets framhävde denna överdådiga feminina stil, eftersom mjuka pastelltoner i citron, persika, rosa och pistage dominerade färgomfånget.

Artonhundratalet

Olga Spessiva; Svansjödräkt på nittonhundratalet

Under tidigt 1800-tal användes kroppsdräkter, blomkronor, korsager och juveler. Romantikens ideal återspeglades genom kvinnliga rörelser.

Kostymer blev mycket tightare när korsetter började komma till användning, för att visa upp kurvorna på en ballerina. Juveler och bländande kostymer blev mycket mer populära.

Tjugonde århundradet

Maggie Gripenberg (i mitten) uppträder på Finlands Nationalteater 1916.

Under 1900-talet övergick balettdräkterna tillbaka till inflytandet av den ryska balett. Ballerinakjolar blev knälånga tutus, senare för att visa upp sitt exakta pointe-arbete. Färger som användes på scenkostymer blev också mycket mer levande. Designers använde färger som rött, orange, gult etc. för att skapa visuella uttryck när balettdansare uppträder på scenen.

Balett som karriär

Professionella dansare är i allmänhet inte välbetalda och tjänar mindre pengar än en vanlig arbetare. Från och med 2020 betalades amerikanska dansare (inklusive balett och andra dansformer) i genomsnitt 19 USD per timme, med något bättre lön för lärare än för artister.

Jobbutsikterna är inte starka och konkurrensen om att få jobb är hård, med antalet sökande som vida överstiger antalet lediga jobb. De flesta jobb involverar undervisning i privata dansskolor .

Koreografer får bättre betalt än dansare. Musiker och sångare får bättre betalt per timme än antingen dansare eller koreografer, cirka 30 USD per timme; heltidsarbete är dock ovanligt för musiker.

Hälsoeffekter

Balettdansös i tonårsflickor är benägna att få stressfrakturer i första revbenet . Posterior ankel impingement syndrom (PAIS) drabbar oftast personer som utför repetitiv plantarflexion , såsom balettdansare. Ätstörningar tros vara vanliga, och en metaanalys från 2014 tyder på att studier tyder på att balettdansare löper högre risk än den allmänna befolkningen för flera typer av ätstörningar. Dessutom har vissa forskare noterat att intensiv träning i balett resulterar i lägre bentäthet i armarna.

Kritik

Den mesta balettkoreografin är skriven så att den bara kan utföras av en relativt ung dansare. Balettens struktur – där en (oftast) manlig koreograf eller regissör använder (mest) kvinnors kroppar för att uttrycka sin konstnärliga vision, samtidigt som den ignorerar, objektifierar eller tystar de inblandade kvinnorna – har kritiserats för att skada kvinnor.

Se även

Referenser

Vidare läsning

externa länkar