Adolph Gottlieb - Adolph Gottlieb

Adolph Gottlieb
Adolph Gottlieb i East Hampton.jpg
Adolph Gottlieb i East Hampton
Född ( 1903-03-14 )14 mars 1903
New York City , New York, USA
Dog 4 mars 1974 (1974-03-04)(70 år)
New York City , New York, USA
Nationalitet Amerikansk
Utbildning Art Students League of New York , Académie de la Grande Chaumière , Parsons School of Design , Cooper Union
Känd för Målning , skulptur
Rörelse Abstrakt expressionist

Adolph Gottlieb (14 mars 1903 - 4 mars 1974) var en amerikansk abstrakt expressionistisk målare , skulptör och grafiker.

tidigt liv och utbildning

Adolph Gottlieb, en av "första generationen" av abstrakta expressionister , föddes i New York 1903 till judiska föräldrar. Från 1920–1921 studerade han vid Art Students League i New York , varefter efter att ha bestämt sig för att bli konstnär lämnade han gymnasiet 17 år gammal och arbetade sin resa till Europa på ett handelsfartyg. Han reste i Frankrike och Tyskland i ett år. Han bodde i Paris i 6 månader under vilken tid han besökte Louvren varje dag och granskade lektioner på Académie de la Grande Chaumière . Han tillbringade nästa år på att resa i Tyskland, Österrike, Tjeckoslovakien och andra delar av Centraleuropa och besökte museer och konstgallerier. När han återvände var han en av de mest reste New York-artisterna. Efter återkomsten till New York studerade han vid Art Students League i New York, Parsons School of Design , Cooper Union och utbildningsalliansen .

1920- och 1930-talet

Gottlieb hade sin första separatutställning på Dudensing Galleries i New York 1930. Under 1920-talet och början av 1930-talet bildade han livslånga vänskap med andra artister som Barnett Newman , Mark Rothko, David Smith, Milton Avery och John Graham . År 1935 ställde han och en grupp konstnärer ut som Ben-Zion , Joseph Solman , Ilya Bolotowsky , Ralph Rosenborg , Louis Harris, Mark Rothko och Louis Schanker , känd som " De tio ", sina verk tillsammans fram till 1940.

Från september 1937 till juni 1938 bodde Gottlieb i Arizona- öknen utanför Tucson. Under de nio månaderna ändrade han radikalt sitt sätt att måla. Han flyttade från en expressionist-realistisk stil till ett tillvägagångssätt som kombinerade element av surrealism och formalistisk abstraktion, genom att använda objekt och scener från den lokala miljön som symboler för att ta bort temporalitet från sitt arbete. Han övergick från detta till mer surrealistiska verk som Sea Chest , som visar mystiska inkongruiteter i ett annars normalt landskap. Det är då han förmedlar betraktaren den expansivitet han måste ha känt att han tittade på Arizona ökenhimmel, även om han destillerar denna expansivitet till en mer grundläggande abstrakt form. "Jag tror att den känslomässiga känslan jag hade var att det var som att vara till sjöss ... Sedan finns det den enorma klarheten - ute i Arizona finns det en enorm klarhet av ljus och på natten ser molnen väldigt nära ut." När dessa Arizona-verk ställdes ut i New York efter Gottliebs återkomst skapade de ett avbrott med Gottliebs tidigare krets av kollegor, av vilka flera fördömde hans nya verk för att vara ”för abstrakt”.

1940-50-talet

Gottlieb och en liten vänkrets uppskattade arbetet i den surrealistiska gruppen som de såg utställda i New York på 1930-talet. De utbytte också kopior av tidningen " Cahiers d'art " och var ganska bekanta med aktuella idéer om automatisk skrivning och undermedvetna bilder. Gottlieb målade några verk i en surrealistisk stil 1940 och 1941. Resultaten av hans experiment manifesterade sig i hans serie ” Pictographs ” som sträckte sig från 1941–1950. I sin målning Voyager's Return [1] placerar han bilderna i avdelade utrymmen. Hans bilder liknar dem från inhemska befolkningar i Nordamerika och det gamla Nära östern. Om han upptäckte att en av hans symboler inte var original, använde han den inte längre. Han ville att hans konst skulle ha samma inverkan på alla sina tittare och slog ett ackord inte för att de hade sett det förut, utan för att det var så grundläggande och elementärt att det rungade inom dem.

1941, besviken över konsten omkring honom, utvecklade han den metod som han kallade Pictographs. Gottliebs piktogram, som han skapade från 1941 till 1954, är den första sammanhängande kroppen av mogen målning av en amerikaner i sin generation. Gottlieb talade om sina bekymmer i ett uttalande från 1947:

"Konstnärens roll har alltid varit som bildskapare. Olika tider kräver olika bilder. Idag, när våra ambitioner har reducerats till ett desperat försök att fly från det onda, och tiderna är ur gemensamma, vår tvångsmässiga, underjordiska och piktografiska bilder är uttrycket för neurosen som är vår verklighet. Enligt min mening är viss så kallad abstraktion inte abstraktion alls. Tvärtom är det vår tids realism ".

I maj 1942 visades hans första "piktogram" vid den andra årliga utställningen av Federation of Modern Painters and Sculptors , som ligger i Wildenstein Galleries i New York. I sina piktogram introducerade Gottlieb ett nytt sätt att närma sig abstraktion som inkluderade bilder från hans undermedvetna men som särskilt avvek från tanken på berättelsen. För att nå detta mål presenterade Gottlieb bilder infogade i sektioner i ett löst ritat rutnät. Varje bild existerade oberoende av de andra, men deras arrangemang i samma plan, tillsammans med förhållanden mellan färg, konsistens och form, tvingar betraktaren att associera dem. Betydelsen är alltså mycket personlig - en annan innovation av Gottliebs målningar Surrealistisk biomorfism var en källa för hans piktogram. För Gottlieb var biomorfism ett sätt att fritt uttrycka sitt omedvetna, där han blev fascinerad via [John] Graham, Freud och Surrealism. Gottlieb införlivade också automatismen - den målarfärgade tekniken för freudiansk friassociation - var metoden Gottlieb använde för att generera biomorfa former, som var former spontant tänkt i hans omedvetna [2] . Dessa biomorfa former avgränsades av det allmänna rutmönstret, som fungerade som den övergripande strukturen för "piktogram" -serien.

Gottlieb sa en gång, "Om jag gjorde en snurrande linje eller en slingrande linje var det för att jag ville ha en slingrande linje. Efteråt skulle det föreslå en orm men när jag gjorde det föreslog det ingenting. Det var rent form ..." . Dessa linjer och former som Gottlieb använde tolkades lätt så att de menade olika saker av olika människor.

Vid 1950 observerade Gottlieb att " all-over måleri " -strategin hade blivit en kliché för amerikansk abstrakt målning. Han började sin nya serie Imaginary Landscapes han behöll sin användning av ett "pseudospråk" men lade till det nya elementet i rymden. Han målade inte landskap i traditionell mening utan snarare modifierade han den genren för att matcha sin egen målningsstil. Imaginära landskap är vågräta kanvaser uppdelade i två register, ett mycket aktivt under ett mer kontemplativt övre, inrättade ett annat tillvägagångssätt för abstraktion. vid mitten av seklet. 1955 påpekade Gottlieb:

Jag hör ofta frågan "Vad betyder dessa bilder?" Det här är helt enkelt fel fråga. Visuella bilder behöver inte överensstämma med varken verbalt tänkande eller optiska fakta. En bättre fråga skulle vara "Förmedlar dessa bilder någon känslomässig sanning?"

I slutet av 1956 formulerade Gottlieb bilden som har blivit känd som "Burst" och tillbringade större delen av de närmaste två åren med att arbeta med detta tillvägagångssätt. Han förenklar sin representation ner till två skivformer och slingrande massor. Hans målningar är variationer med dessa element ordnade på olika sätt. Till skillnad från Serien Imaginary Landscape föreslår denna serie ett grundläggande landskap med sol och mark. På en annan nivå är formerna så rudimentära; de är inte begränsade till den här tolkningen. Gottlieb var också en mästerlig colorist och i Burst-serien är hans användning av färg särskilt avgörande. Han anses vara en av de första färgfältmålarna och är en av föregångarna till Lyrical Abstraction . Gottliebs karriär präglades av utvecklingen av rymden och universaliteten.

1960-70-talet

Vid 1960 gjorde Gottliebs ansträngningar på hans "Burst" -serie honom mycket att förenkla sin användning av bilder. Gottlieb skapade målningar av typen "Burst" och "Imaginary Landscape" för resten av sin karriär, men till skillnad från några av hans kollegor begränsade han sig inte till en eller två bilder. Diskussion om Gottliebs konst är vanligtvis begränsad till omnämnanden av "Bursts" eller "Imaginary Landscapes", som försämrar det breda utbud av idéer som denna konstnär undersökte. Gottlieb sammanfattade sina mål i en 1967-intervju:

Men för mig är allt natur, inklusive alla känslor jag har - eller drömmar. Allt är en del av naturen. Även målning har blivit en del av naturen. För att klargöra ytterligare: Jag har inte ett ideologiskt tillvägagångssätt eller ett doktrinärt tillvägagångssätt för mitt arbete. Jag målar bara från mina personliga känslor och mina reflexer och instinkter. Jag måste lita på dessa.

En representativ målning från denna period ingår i guvernören Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza Art Collection i Albany, NY.

1967 medan Gottlieb förberedde sig för Whitney och Guggenheim Museum-utställningen började han göra små modeller för skulpturer av klippt och målat kartong som, enligt honom, fick honom att känna sig som "en ung skulptör, precis början". Dessa små skulpturer utvecklades till större verk i klippt, svetsat och målat stål och aluminium. Gottliebs förflyttning till skulptur varade bara ungefär ett och ett halvt år, men på den korta tiden skapade han en mängd arbeten som utmanade avgränsningen mellan måleri och skulptur. På liknande sätt som hans vän skulptören David Smith gjorde Gottliebs bakgrund som målare det omöjligt för honom att visualisera objekt utan färg. När han väl accepterat detta tvingades Gottlieb att använda alla de verktyg han hade utvecklat under sin långa målningskarriär - beröring, visuell balans, ytkvalitet och mer - för att få sina skulpturer, som hans målningar, att bli "ett medel för uttryck för känsla ... Jag känner en nödvändighet för att göra de specifika färgerna som jag använder, eller de speciella formerna, bära bördan av allt jag vill uttrycka, och allt måste koncentreras till dessa få element. " Gottlieb skapade 42 skulpturer, inklusive tre stora utomhusstycken som för närvarande finns i samlingen av National Gallery of Art i Washington, DC, The Storm King Art Center i New Windsor, NY och Metropolitan Museum of Art i New York. Stad.

Gottlieb förblev aktiv under 1960-talet. 1963 blev han den första amerikanska artisten som tilldelades Gran Premio av São Paulo Bienale i Brasilien. 1968 samarbetade Guggenheim Museum och Whitney Museum i New York för en retrospektiv utställning av hans konst som fyllde båda museerna. Detta är hittills det enda samarbetsprojektet mellan dessa två stora institutioner.

Karriärens höjdpunkter

Under hela sin karriär hade Adolph Gottlieb 56 separatutställningar och ingick i över 200 grupputställningar. Hans konstverk finns i samlingar av mer än 140 stora museer runt om i världen. Gottlieb uppnåddes som målare, ritare, grafiker och skulptör. Han designade och övervakade konstruktionen av en 1500 kvadratmeter målad glasfasad för Milton Steinberg Center i New York City 1954, och han designade en svit med 18 glasmålningar för Kingsway Jewish Center i Brooklyn. Han var den första i sin generation som fick sin konst samlad av Museum of Modern Art (1946) och Guggenheim Museum (1948).

Död och arv

Gottlieb fick en allvarlig stroke 1970 som lämnade honom förlamad förutom hans högra arm och hand. Han fortsatte att måla och ställa ut sin konst fram till sin död i mars 1974. Hans begravning hölls onsdagen den 6 mars 1974 på Frank E. Campbell Funeral Home, och han begravdes vid Mt. Trevlig kyrkogård, Hawthorne, NY. Han röstades in i American Academy of Arts and Letters 1972.

Förutom sina bidrag som konstnär förespråkade Gottlieb för professionell status för konstnärer under hela sitt liv. Han hjälpte till att organisera ”Forum 49” och andra konstnärsledda evenemang och symposier i New York och Provincetown på 1940- och 1950-talet. 1950 var han den främsta arrangören av protesten mot Metropolitan Museum of Art som ledde till att han och hans kollegor fick erkännande som ” The Irascibles ”. I enlighet med anvisningarna som Gottlieb lämnade i sin testamente bildades Adolph och Esther Gottlieb Foundation 1976 och erbjuder stipendier till bildkonstnärer.

Se även

Referenser

Källor

Vidare läsning

  • The Pictographs of Adolph Gottlieb , essays av Lawrence Alloway et al. New York: Hudson Hills Press i samarbete med Adolph & Esther Gottlieb Foundation, 1994.
  • "Adolph Gottlieb: una retrospectiva = en enkätutställning." Valencia: Generalitat Valenciana, Conselleria de Cultura, Educació i Ciència, 2001. I samarbete med Adolph & Esther Gottlieb Foundation och IVAM Center Julio Gonzalez

externa länkar